artpacan

Ремус Греку

2023-07-08T09:14:22.677Z

Ремус Греку (родился в 1976 году в Бухаресте, Румыния, в настоящее время проживает и работает в Бухаресте, Румыния) — как и большинство современных фигуративных художников, известен своим своеобразным стилем, находящемся на стыке психологизма, сюрреализма и репрезентативности. Мистический абсурд и исследования социологических актуальных проблем так же присущи кисти данного художника. Его работы отличаются таинственной мрачностью, гармонично состыкованной с яркими цветами и напоминающими сон пространствами, в которые помещены не менее странные персонажи. Главным источником вдохновения художника является кинематограф и, в частности, картины великого русского режиссёра Андрея Тарковского — его фильмы Греку часто берёт за референсы, представляя свои сюжеты как бы в сеттинге и/или эстетике Тарковского.

«Ритуал»

Продолжая традиции сюрреалистов, Ремус часто черпает идеи из пограничных состояний, находясь между сном и бодрствованием, когда контроль сознания ослабевает и в дело включается подсознание. Серьёзная образная база, состоящая из тысячи просмотренных фильмов и множества прочитанных книг, удивительным образом переплетается с социальными событиями: катастрофами, несчастными случаями, интересными и трагичными происшествиями.., а потом проявляется в виде концепций, которые художник с завидной тщательностью разрабатывает и усложняет долгие месяцы. По мнению Ремуса, только длительная работа над картиной может способствовать достижению необходимого уровня сложности и глубины образов, которые действительно могут зацепить зрителя, а, возможно, даже разозлить, заставив размышлять и анализировать увиденное.

«Перевернутая душа природы

Как и подобает современному художнику эпохи постмодернизма, Ремус не торопится объяснять смыслы и значения своих картин. Его работы окутаны мистицизмом, недомолвками и некоторым сортом мечтательности. Наличие ярких цветов, будто мерцающих в мрачной основе его сюжетов, не делает произведения весёлыми или жизнерадостными, но, справедливости ради, его картины в целом не вызывают жути как, например, тревожные работы Джастина Мортимера. Вайбы полотен Ремуса скорее по-хорошему меланхоличные и умело балансируют между тихой грустью и зрелищными, насыщенными на события, странными снами.

«Люстральный»

«Я считаю, что в хорошем произведении искусства должна быть тайна, не раскрывающая всю заключенную в нём идею. Даже если вы создаёте целостную концепцию в картине, всё равно техника её воплощения должна быть окутана ощущением таинственности. Я хочу, чтобы зрители удивлялись и терялись в моих изображениях. Начинали размышлять».

«Единорог»

Джастин Мортимер

2023-07-07T13:58:30.835Z

Джастин Мортимер (родился в 1970 году в Косфорде, Великобритания, проживает и работает в Лондоне, Великобритания) — известный и по-настоящему успешный современный художник с яркой карьерой, которая включает в себя работы по заказу Дэвида Боуи, Гарольда Пинтера и даже королевы Елизаветы II. Начав работать в качестве портретиста, Мортимер умудрился получить заказ на изображение королевы Англии, которое было неоднозначно воспринято по причине намёка на отделённую от тела голову августейшей особы. Тем не менее, это не помешало ему набирать популярность на арт-сцене девяностых годов.

«The Queen»

Однако, художник решил распорядиться нараставшей славой иначе и взял продолжительный творческий перерыв — в строй он вернулся только к концу десятых, обернув свою живопись в более мрачные тона, крупный формат и апокалиптические сюжеты, находящиеся на стыке сюрреализма, абсурда и фигуративности. Портреты, на которые некогда ставился акцент его деятельности, уступили место таинственности — в обновлённом видении автора, лица почти всегда показаны мельком, но чаще всего вовсе скрыты. Вместо них на первый план вышли голые тела, застывшие в разнообразных позах и явно намекающие на беззащитность и слабость человека перед кризисами: как социальных, так и экзистенциальных.

«Зона»

Основными темами его эволюционировавшего творчества стали картины, изображающие насилие, страдания и разного рода бедствия. Хотя, говорить уверенно о сюжетах, событиях и, тем более, посланиях, зашифрованных внутри полотен художника можно с большой долей догадок — его визуальный язык исключает какую-либо однозначность и определённость трактовок.

«Это здесь»

Его стиль: мрачный, тревожный, отдающий техногенными катастрофами и величественной эстетикой надвигающегося (или уже случившегося?) апокалипсиса и общественного коллапса, чуть более, чем целиком состоит из намёков. Зритель не в состоянии понять, почему некоторые персонажи картин одеты в костюмы химической защиты. Почему кто-то из изображённых укрыт спасательным фольгированным одеялом, а кто-то, показанный рядом, полностью обнажён. Почему лица скрыты под балаклавами, масками или за взявшимися из ниоткуда надувными шариками? В конце концов, что за загадочный, кислотных цветов, дым присутствует на большинстве его работ? От дымовых ли он шашек? Слезоточивый? Ядовит? Может быть это чад пожара какой-то лаборатории или последствия какого-то взрыва? Является ли он источником проблем или наоборот, призван сигнализировать о помощи? Ответов нет, остаётся только тревога и непонимание. Впрочем, люди, выписанные на холстах, так же вызывают не меньше вопросов: невозможно даже чётко понять жертвы они или агрессоры. Этот дезориентирующий и двух, нет, трёх-четырёхсмысленный мир картин художника невозможно понять или разгадать умом. Но можно прочувствовать.

«Каммер 2»

Возможно, ближе всего приблизиться к пониманию содержания работ Джастина Мортимера получится, если перестать разгадывать. Может быть, не имеет значения, списан ли сюжет с реальных или абстрактных, современных или относительно давних событий, изображены ли реальные люди — будь то беженцы от войны или буйные нарушители порядка, ликвидаторы катастрофы, или её виновники.. может быть, художник специально (и не обязательно сознательно) размывает и прячет конкретику в галлюцинаторных пейзажах, чтобы зритель сфокусировался на ощущениях. Ощущениях того, что происходящее — это не «где-то» и «когда-то», а здесь. А что такое «здесь» — личный вопрос каждому.

Без названия. Голова 4

«Я доволен этой неясностью, поскольку не особенно заинтересован в создании сцены, у которой есть чёткое объяснение. Мне действительно нравится создавать неоднозначную атмосферу, которая одновременно, надеюсь, визуально привлекательна и эмоционально загадочна. То, что в результате работы художника остаётся на холсте, может показаться зрителю фантастическим, даже неясным. Но для художника конечная картина — это форма реальности».

«Кандидат»

Теодора Аксенте

2023-07-07T11:11:40.948Z

Теодора Аксенте (родилась в 1984 году в Сибиу, Румыния, живёт и работает в Клуж-Напоке, Румыния) — современная фигуративная художница, создающая картины на стыке мистического и реального. Основной мотив её творчества — против.. хотя нет, скорее, сопоставление диаметральных противоположностей: духа и материи, настоящего и искусственного, роскоши и нищеты.

«Чарльз III»

Визуальный язык художницы основан на помещении персонажей — обычных людей разных возрастов (от детей до стариков) — в сюрреалистичные и довольно мрачные, напоминающие запыленный старый дом или комод, пространства. Первое, за что цепляется взгляд при просмотре картин Теодоры — нелепая роскошь (или роскошная нелепость?) и антифункцианальность костюмов её персонажей. Художница мастерски передаёт на холстах фактуры материалов, наряжая героев в меховые шубы, ленты, маски, жабо и огромные странные головные уборы из фольги.

«Чарльз, прозрачные мысли»

Фольга, между тем, является центральным элементом её картин, символизируя нечто визуально благородное и цепляющее, но при этом дешёвое и ненастоящее. Через излишне пафосные бутафорские украшения и блеск металлической бумаги, явно доминирующих над, довольно депрессивными на вид, людьми, Теодора, в своей мистической и мрачной манере, пытается исследовать и, возможно, иронизировать (с грустной усмешкой, конечно же) над современным обществом и культурой потребления в частности.

«Мариус I»

Потребление ради потребления как символ эпохи проявляется в картинах художницы через тщательную передачу материалов: шёлк, атлас, алюминий, целлофан.. Всё это вкупе с богатыми, но жуткими и захламлёнными интерьерами создаёт напряжение между человеком внешним, будто заживо похороненным под грудой пустых атрибутов статуса, и его внутренней, имманентной составляющей, которая явно скорбит по своей свободе от рабства вещей и материи.

«Чарльз, стоящий за мыслями»

«Алюминиевая фольга для меня — это символ материи. Блеск и сила фольги, отражающейся в зеркале, создают иллюзорное ощущение благородства и ценности. Всегда находясь на перепутье между поиском самого себя через отрешение от соблазна материи и, с другой стороны, находясь в плену посреди подчиняющегося ей мира, индивид остается пленником тюрьмы, которой является тело, которое, хотя и украшено, празднует своё величие в неволе».

«Позади»

Александр Тиней

2023-07-07T10:51:44.933Z

Александр Тиней (родился в 1967 году в Чаушанах, Молдова, живёт и работает в Будапеште, Венгрия) — современный художник, прославившийся своим уникальным стилем, изображающим человеческие фигуры в довольно сюрреалистичных, вневременных и меланхоличных пространствах, напоминающих нехороший сон. Как и подобает современному художнику, его арсенал навыков не ограничивается холстом и масляными красками. Он так же активно работает в технике коллажа (в том числе цифрового), взаимодействует с фотографиями, акрилом, акварелью, графикой и даже заходит на территорию инсталляций. Базовым источником его вдохновения являются видео и фотографии из СМИ, которые он часто берёт за основу своих работ, перемещая персонажей в совершенно новый, метафизический контекст, исследуя таким образом проблемы идентичности, анонимности, коллективного человечества и, само собой, феномен экзистенциального кризиса — как массового, так и персонального.

«Нимфы»

Помимо довольно реалистичного изображения людей, характерными чертами его работ являются корни, цветы и синие линии, которые, будто вены с голубой кровью или ритуальные татуировки, расчерчивают тела изображённых персонажей. Фоновое пространство его картин вторично по отношению к фигурам людей и часто представляет из себя абстракцию.

«Уорхолл»

В раннем периоде творчества фон являлся практически сплошной чернотой, из которой, будто вспышкой фотоаппарата, выхватывались бледные человеческие фигуры, застывшие в неестественных или просто странных положениях и ситуациях. Но позже, под влиянием увлечения искусством коллажа, стиль художника стал усложняться, заменив тьму небытия на более яркие, но всё ещё абстрактные геометрические фигуры. Несмотря на обогащение палитры, меланхоличная атмосфера и явная тревожность его работ никуда не делась, а, может быть, даже усугубилась.

«Поцелуй»

«Сегодня трудно представить городские пейзажи без граффити. Они — такой же привязанный ко времени знак, как цветы и линии на лицах моих героев. Что означают эти линии, зритель должен определить самостоятельно. Мне нравится, когда люди принимают участие в интерпретации моих работ.. Но в некотором смысле, всё, что я создаю, является отражением меня самого и моего субъективного мировоззрения, я пытаюсь рассказать о нашем внутреннем мире, мыслях и ценностях. Об утрате идеалов, конфликтах восприятия и субъективной интерпретации морали, что, на мой взгляд, действительно приводит к кризису. Это экзистенциальное состояние коллективного человечества в моей работе».

«Измерение корней»

Современная фигуративная живопись

2023-07-06T16:58:48.077Z

Несмотря на засилье околоавангардных абстрактных и, чаще всего, не очень вменяемых картин в современной культуре, фигуративная живопись становится всё более заметной в этой каше. Но что такое эта ваша фигуративная живопись? В современном контексте, если коротко, — это современная живопись, созданная в XXI веке (ну или в течение последних десятилетий XX века, примерно с семидесятых годов), использующая в своей основе репрезентативный характер, то есть изображающий вещи из реального мира. Короче, это когда на картине есть кони, люди и любая другая канитель из нашего мира. Причём стилистических ограничений в жанре нет — произведения могут быть экспрессивными, и даже находиться на стыке с абстракцией как, например, у Жана-Мишель Баскии, или, наоборот, — быть образцом гиперреализма и передавать спокойные натуралистичные вайбы.

«Оттепель». Никола Самори

Но ни гиперреализмом, ни просто реализмом, ни даже натурализмом фигуративную живопись назвать нельзя. Во-первых, в ней могут присутствовать и сюрреалистичные мотивы, и экспрессивные, и примитивистские, и искажённые пропорции, и многое другое. Категория репрезентативности очень обширна и определение произведения под описание происходит индивидуально. Картина может быть фигуративной, но не реалистичной — если на ней изображено что-то, например, мифическое или просто любая нереальная ебала, но основанная на образах существующих. С другой стороны, реалистичное изображение какой угодно исторической или социальной действительности будет одновременно и фигуративным и реалистичным. Дьявол постмодернизма кроется в деталях, как никто другой, хули.

«Посетители». Серджиу Тома

Есть ощущение, что XX век, взорвавшийся не только социальными катастрофами, но и обилием «-измов» всех сортов (каждый из которых на свой лад пытался провертеть на хую академизм, реализм и всё, на чём свет стоит), ударом с ноги вынес за борт живопись стремящуюся изображать вещи плюс-минус реальные. И это так. Всадники постмодернизма, со всеми ебучими поп-артами, лэнд-артами, минимализмами, перформансами, инсталляциями и прочей чертовщиной, дрейф визуальных искусств к абстрактной концептуализации только усугубили. Фокус внимания — и массовый, и профессиональный — сместился на более выёбистых и эпатирующих публику абсурдом художников нового типа, достойных своей эпохи. Искусствоведы этому отчасти способствовали, потому что канкан новых движений их увлекал так сильно, что они забывали дискутировать и исследовать какое-либо внетрендовое актуальное искусство. Но их понять можно — творческие тогда столько нового наворотили, пойди разберись как это описать, на какую полку поставить и как на это вообще реагировать.

«Плантатор». Джастин Мортимер

Самые дерзкие вообще постулировали смерть живописи в целом и, тем более, фигуративной, но фактически это было не так. Она не умирала, не заканчивалась и даже не уходила в подполье — она продолжала спокойно существовать, развиваться и мелькала по тем же дорогим апартаментам, конкурсам, выставкам и аукционам. Просто.. не выёбывалась. Конечно, это не значило, что художники жили плохо и не пользовались популярностью, нет. Тот же Жан-Мишель Баския, Френсис Бэкон, Люсьен Фрейд — наверняка вы слышали эти имена и понимаете, что со славой и продажами у них всё было более чем в порядке, просто среди общей какофонии борьбы парадигм и взглядов на искусство, это быстро терялось. И это я уже не говорю о соцреализме, капиталистическом реализме (антагонисте советского), и фотореализме. Более того, художники-фигуративисты никогда не покидали топы самых известных и влиятельных людей от мира искусства.

Поэтому, если вдруг услышите, что тяга к изображению реальности возрождается, знайте — она никуда не исчезала.

Виды современного искусства

2023-07-06T14:04:38.489Z

Славная эпоха постмодернизма, в которой мы сейчас находимся, спровоцировала расцвет различных видов искусства, которые в прошлом, в эпоху модернизма, находились где-то на периферии и, в лучшем случае, рассматривались как утилитарные ремёсла, а в худшем — как недоразумения или чисто вспомогательные техники при создании искусства «высокого». В те далёкие времена существовало четыре базовые базы: живопись, скульптура, рисунок и гравюра. Возможно, это делало жизнь создателей и потребителей искусства легче, но это не точно. Новые же дисциплины закономерно появлялись по мере того, как технологии развивались, а художники их осваивали. Немаловажную роль в этом играли не только изобретения всяких прикольных материалов и приблуд, с помощью которых можно творить принципиально свежие вещи, но и обновление взглядов под влиянием философии, религии или общего социального контекста.

Одним словом, искусство всегда было и остаётся со-зависимо с актуальной повесточкой, которая либо раздвигает нормы и даёт пространство для новых веяний, либо замыкается на запретах, аннигилируя допустимые для художника способы самовыражения, а для общества — восприятия. В нашем случае постмодернизм, взявшись под ручки с декадансом двадцатого века и техническим прогрессом, выступил как нихуёвый такой расширитель традиционных форм и подарил миру огромное количество новых приколов. Конечно, не все такому подарку обрадовались, но когда нормисы были довольны?

На данный момент можно смело выделить плюс-минус двенадцать видов современного искусства (нейросети пока пусть нахуй сходят, попозже с ними разберёмся, хотя может кто-то уже и разобрался), удерживая в голове то, что все они по большей части взаимосвязаны и часто бывает проблематично прочертить между ними чёткую границу. У нас тут всё не на шутку переплетено, и столкнуться с комбинацией скульптуры и перформанса или живописцем, использующим диджитал-арт — вполне себе норма.

Живопись

И пускай, по градации умных дяденек и тётенек, царицей искусств считается архитектура, обманывать мы себя не будем: живопись — это первое, о чём думает среднестатистический человек, когда речь заходит об искусстве, несмотря на то, что она неоднократно объявлялась мёртвой. Но кто бы что не говорил, старушка живее всех живых и, возможно, даже в наш цифровой век остаётся самым актуальным видом искусства и творчества в целом.

Не думаю, что вам стоит разжёвывать определение живописи как процесса нанесения какого-то жидкого пигмента на какую-то поверхность, но вот воспринимать эту дисциплину как спектр в наше время важно. Потому что, например, «Чёрный квадрат» Казимира Малевича — это тоже живопись (по мнению художника даже самая трушная, в отличии от всего остального). На одной стороне этого спектра находится абстракция: минимализм, супрематизм, абстрактный экспрессионизм.., а на другой — фигуративная живопись. Сегодня оба этих вида живописи и их сочетание вполне современны и востребованны. С этим понятно.

«Из тишины свисает цветок вьюнка». Теодора Аксенте

Скульптура

Второй вид базового искусства — скульптура, само собой. Понятно, что это объёмное, трёхмерное произведение, созданное, обычно, из мрамора, гипса, глины, дерева или металла. Но, естественно, с появлением новых возможностей, техник и материалов, художники выходят за рамки привычного и ударяются в эксперименты. Поэтому сейчас вполне нормально для скульптора работать с оргстеклом, эпоксидной смолой, стекловолокном или даже с пенопластом и поролоном.

Как и с живописью, скульптор может работать как в абстрактной или минималистичной манере, так и в фигуративной — в той или иной степени отражая реальность и существующие в ней предметы. Спектр обширен и размазывается от непонятного месива до гипер-реалистичных скульптур.

И всё бы хорошо, но есть один нюанс: в современном контексте между скульптурой и инсталляцией грань невероятно тонка. Можно даже сказать, что в наше время это дисциплины-напарницы, которые нет-нет да и заигрывают между собой, ударяясь в постмодернистские шалости. Парадигма радикального минимализма, дадаизма и поп-арта, позволившая художникам на серьёзных щщах приносить кирпичи в галереи, очень жёстко шатает восприятие, когда речь заходит об отделении одного от другого. Но, обычно, принято считать за скульптуры произведения по большей части рукотворные, а за инсталляции — собранные из готовых предметов и воссоздающих некоторый сорт окружения. Мини-сцену, если хотите.

Без названия. Никола Самори

Рисунок

Говорят, искусство начинается с рисования: человек берёт уголь, карандаш или мел и возит этим по поверхности, оставляя следы — основа основ. Но если раньше рисунок играл роль первого этапа создания чего-то другого, будь то архитектурный проект, картина или скульптура, то сейчас он окуклился в полноценный жанр. Более того, клеем между рисунком и живописью всегда выступал академизм, и когда его каноны съебнули в туман, в современной живописи, как можно было заметить, рисунок перестал играть такую роль, как раньше: абстракции не нужны эскизы, а техника коллажа может спокойно заменить скетчи при создании картины.

Но вместо того чтобы сгинуть за ненадобностью, рисунок пошёл по другому пути. Сегодня есть художники, которые специализируются исключительно на рисунке и графике, и дела у них идут не плохо. Местами даже хорошо. Хотя было время, когда даже для гравюры рисунок являлся лишь вспомогательной опцией.

«Корона и должность в Палате представителей, в Конгрессе». Уголь, пастель и карандаш на бумаге. Тойин Оджих Одутола

Гравюра

Гравюра, в отличии от рисунка, как представитель высокого и независимого искусства сформировалась ещё при Альбрехте Дюрере, если помните. Была ремеслом, по типу ювелирного, а потом хуяк — и уже не просто услуга и декор, а отражение духа.

Смысл гравюры прост до ахуя — нанести рисунок на поверхность типа дерева или металла, вырезать лишнее, прокатать чернилами и впечатать в бумагу сколько душе угодно раз. Последний аспект напрямую влияет на понижение стоимости итоговой работы, но, с другой стороны, увеличивает охваты и количество продаж, так что тут всё по честному. До изобретения принтеров и прочих вестников техногенного апокалипсиса, гравюра была невероятно популярна, но и сейчас она продолжает занимать свою нишу и развиваться. Возможно, она просто переобулась из массового и дешёвого в лимитированное и ламповое — сочетая демократичность цен относительно живописи и отпечаток уникальности ручного труда.

«Железное существо». Каролина Ронколи

Коллаж

Несмотря на то, что коллаж, как явление, появился ещё в середине прошлого тысячелетия, искусством он начал считаться только в ХХ веке, в течение которого активно развивался и процветал. За это стоит благодарить русских авангардистов, дадаистов, сюрреалистов и кубистов. И Казимир Малевич, и Марсель Дюшан, и Андре Бретон, и Пабло Пикассо приложили руку к этой дисциплине, выведя этот, местами забавный способ создания изображений, в ранг востребованного искусства.

В наше время художников-коллажистов больше, чем когда-либо прежде. В цифровую эпоху коллаж, по сути, стал одним из самых популярных способов создания визуального контента: от афиш и оформления статей до создания черновиков для картин и более комплексных проектов.

«Показ мод». Ханна Хех

Фотография

Сейчас, наверное, выебонов на фотографию, как на полноценное искусство, уже нет, но раньше они были. И споры были жаркими, пока не было решено выделить часть дисциплины в «изобразительную художественную фотографию». Речь, конечно, изначально шла не о коммерческих или бытовых фотографиях, но в постмодерне возможно всё, так что и тут уже утверждать что-то конкретное невероятно сложно, а усмирять свою категоричность я порядком заебался.

Скажет какой-нибудь солевой, что фото его собаки это piece of art, — я соглашусь. Покажут мне сборник фотографий Джулии Фокс PTSD ('ПТСР') о захолустной южноамериканской готике, — у меня даже сомнений не возникнет, что это искусство, сила и правда жизни. Как говорится: «дайте мне фото, которое не может быть обложкой музыкального альбома». Нет таких. Фотографы стали художниками. Так и живём.

PTSD (сборник). Джулия Фокс

Видеоарт

То же самое можно сказать, когда речь заходит о видео. Анимация, как явление, интересовала творческих всегда — даже когда электричества ещё не было. Но с появлением фото и видеокамер дела у них пошли бодрее. Чего только стоят экспериментальные бесконечные фильмы Энди Уорхолла, которые жизни не хватит отсмотреть. Но оно, впрочем, и не нужно.

Сегодня видеоарт является одним из наиболее популярных видов искусства среди тех художников, которые стремятся к мультидисциплинарности. Видосы коснулись всех, и не стоит думать, что в ленте тиктока не может попасться короткометражный изумруд из мира высоких материй. Но настоящие большие творцы этой ниши — это, конечно же, режиссёры. Кино с видеоартом не совсем одно и то же, но на поджанры сейчас что только не бьётся.

«Турбулентность». Ширин Нешат

Лэнд-арт

Лэнд-арт это такой ландшафтный дизайн с прививкой концептуализма и абстракции, вдохновлённый рисунками на полях, если коротко. Художники наряжаются в архитекторов, или, если хотите, дизайнеров, и проводят манипуляции с окружающей средой: чаще всего с полями, парками и подобными видами местности. Устанавливают странные сооружения, изображают огромные символы, роют, копают и двигают камни. Но гигантизм не обязательная черта жанра — лэнд-арт вполне может быть реализован в рамках домашнего сада или городского сквера.

«Спиральная пристань». Роберт Смитсон

Паблик-арт

Как и в лэнд-арте, в искусстве публичного вмешательства художники осуществляют взаимодействие с определённой средой. Но, в отличии от ландшафтного, паблик-арт делает упор на городскую среду, а не (относительно) дикую. Главная цель здесь — обратить внимание на привычное окружение или, опять же, задуматься и попытаться посмотреть с другой стороны на урбанистику или её элементы. Диапазон возможностей огромен: от концептуальных заворачиваний зданий и сооружений в саванн до банального стрит-арта, граффити и установки современных скульптур, взаимодействующих со средой, мои чуваки.

«Контрольно-пропускной пункт Секонди Локо». Ибрагим Махама

Инсталляция

Художественная инсталляция стала одним из символов современного искусства и одним из наиболее практикуемых. Она тесно связана с концептуальным искусством и, можно сказать, из него вытекает. Задумка важнее формы, мастерства и способа реализации. Инсталляции, как и скульптуры, представляют собой трёхмерные произведения, состоящие из одного или нескольких объектов в пространстве. Ну, или это пространство создают.

В этом жанре почти всегда используются готовые вещи, будь то палатки с фотографиями и надписями или кровать, на которой художник провёл какое-то количество ночей. Одним словом, это такой постмодернистский вид скульптуры, в котором привычные вещи помещаются в новые контексты и наделяются новыми смыслами, толкающими обывал на подумать.

«Конец двадцатого века». Йозеф Бойс

Перформанс

Перформанс, наравне с инсталляцией, стал самым настоящим массовым форсом от мира современного искусства. Он возник где-то в семидесятые годы и является доминирующим жанром на современной арт-сцене. Фишка перформанса в отсутствии конкретного объекта. Происходящее здесь и сейчас — это и есть произведение. Ограничений фантазии нет от слова совсем. Вообще. Наслаждайтесь.

Само собой, без театра и танца эта дисциплина не могла бы ни сформироваться, ни существовать, поэтому преемственность здесь прослеживается чётко.

Марина Абрамович во время перфоманса «Ритм 0»

Цифровое искусство

Ну и напоследок — с изобретением этих ваших компухтеров, появление цифрового искусства не заставило себя долго ждать. С помощью редакторов и всяких программ люди создают диджитал-коллажи, картины, скульптуры, анимации и прочее. В какой-то степени (и я об этом сказал в начале) грани между дисциплинами искусства исчезают, а между цифровым и физическим — тем более. Чего только стоят те же виртуальная и дополненная реальности, QR-коды, NFT, видеоигры, нейросети и прочие мыслимые и немыслимые забавы.

What a time to be alive!

Джефф Кунс

2022-07-28T16:40:47.265Z

Сегодня слегка попытаемся выкупить за Джеффа Кунса — можно сказать прямого последователя Энди Уорхола, работающего в нео-поп-арт эстетике и частенько заходящего на территорию китча (дешёвого, пошлого искусства, неумело имитирующего изящное).

Начинал Кунс, несмотря на наличие художественного образования, не контемпорари артистом, а брокером. Но потом всё-таки вырулил в сферу искусства, став не просто каким-то очередным знаковым современным художником, а одним из самых дорогих живых художников нашего времени. Художник-бизнесмен — это мы уже видели у Уорхола.

«Оранжевая собака из шариков»

А ещё у Уорхола мы видели не просто мастерскую, а фабрику-мастерскую. Так вот у Джеффа Кунса есть такая же, только у него это не Фабрика, а целый завод-корпорация с кучей сотрудников, каждый из которых прикладывает руку к созданию очередного арт-объекта, а художник лишь проектирует всё это на компухтере.

Кунс создал огромное количество кричащих своей нарочитой безвкусицей работ: от обложки альбома Леди Гаги и позолоченного Майкла Джексона с обезьянкой, до огромного щенка, усеянного цветами и коллекции скульптурных сцен эротического характера, изображающих то, как он ебёт свою (бывшую) жену-порноактрису. При всём этом многообразии тем и техник, визитной карточкой американского бизнес-художника являются огромные стальные скульптуры, покрытые яркими красками и имитирующие фигурки животных из надувных шариков. В целом, произведения и личность вполне успешного Джеффа Кунса, можно описать так: эпатаж, насмешка и очень высокий ценник. Таким, наверное, и должно быть современное искусство вместе со своими художниками, ведь какие времена, такие и пророки.

«Майкл Джексон и Бабблз»

И что, на этом всё? Ну да. Конечно, можно томами выдавливать из себя рефлексию на тему объектов современного искусства и спрятанные за примитивной формой посылы, но как я уже сказал в статье про постмодернизм — отныне всё равнозначно. Поэтому, как эстетствующее эссе с подробным декодингом, так и лаконичное заявление о том, что это всё фарс и говно из под коня — одинаково легитимны. Наслаждайтесь.

Постмодернизм

2022-07-28T16:38:02.877Z

Смерть бога, гуманизма, автора, художника, искусства, эстетики, модерна, авангарда и вообще всего на свете — такими итогами закачивался насыщенный на события многострадальный двадцатый век. Естественно, после такой лютой, как смысловой, так и гуманитарной пиздорезки, искусство, как самый чувствительный механизм отражения общественных настроений, пребывало в кризисе (в ахуе).

Утратив суперсмыслы, читай: идеалы и какие бы то ни было монументальные основания, от которых можно отталкиваться, художники отправились на поиски нового — нужно же чем-то заполнить образовавшуюся пустоту. Вооружившись обоюдоострой иронией: над миром (потому что, ну а что тут можно после всего произошедшего воспринимать серьёзно?) и над собой (потому что мудрость гласит: не хочешь насмешек, посмейся над собой первым), в благородном походе за содержанием ребята обнаружили, что кроме этой самой иронии им остаётся разве что цитирование и переосмысление прошлого.

«Все, с кем я спала» Трейси Эмин

Именно эти две черты полностью описывают направление постмодернизма как в искусстве, так и в культуре в целом. Ирония и цитирование — самые подходящие ингредиенты для того, чтобы сесть и без серьёзных щщей и зауми покумекать над тем, что у нас было, с чем мы остались и куда теперь со всем этим добром стоит двигаться. Но учитывая то, что всё прошлое потеряло легитимность и неоспоримость, цитирование получается с налётом скепсиса, а значит, что бы ни получалось в итоге этого анализа, в центре всегда будет брешь из вакуума. Копии копий, сделанные с вещей несуществующих в философии называются симулякрами — и это тоже одна из характерных черт современного искусства эпохи постмодернизма, в которой мы тут все чалимся ин риал тайм.

В то же время, утратив разделение искусства на «высокое» и «низкое» с подачи Марселя Дюшана ещё при поп-арте, искусство и культура получили освобождение: отныне всё имеет значение и право на существование, а значит и на признание ценности. Каноны и эстетика канули в Лету, оставив лишь чистую свободу самовыражения. Отныне в каком хочешь стиле работай, любые материалы используй, любые смыслы вкладывай, это не так важно, ведь важного, если ты забыл, не существует. А если и существует, то никто пока что не может этого доказать.

«Роняя вазу династии Хань» Ай Вэйвэй

В общем-то современное искусство, постоянно задающее острые социальные, экзистенциальные и трансцендентные вопросы через абсолютно разные способы и медиумы, теперь занимается именно тем, чем оно и должно заниматься по своей сути — заёбывает людей вопросами о мире и приглашает к дискуссии. Иногда это уводит в степь ещё большего отрицания всего и вся, а иногда наоборот — к утверждению чего-то прекрасного. В любом случае, при девизе «ни что не истинно, всё дозволено» ответственность за выводы всегда лежит на каждом реципиенте персонально.

Но как художники в лице импрессионистов, дадаистов, поп-артистов, минималистов и концептуалистов сняли с себя ответственность за просветительскую деятельность и высокую миссию искусства, так же и зрители не обязаны быть высоколобыми эстетствующими снобами, носящими в головах библиотеку мировых знаний. Больше всего постмодернизму претит пафос, а это значит, что даже несмотря на наличие в артефактах искусства каких бы то ни было отсылок и символизма, публика не обязана их выкупать и вольна воспринимать увиденное в каком угодно ключе. Ебитесь, как хотите, кароче — всем похуй. К тому же, искусство постмодернизма априори вторично, ведь ничто не ново под Луной. И все об этом знают.

Ив Кляйн

2022-07-28T16:34:42.730Z

Монохромные полотна ярко-синего цвета авторства Ива Кляйна — французского художника-минималиста — могли бы с лёгкостью стать знамёнами всех многочисленных спальных районов необъятной России, по крайней мере моего точно (иф ю ноу вот ай мин). Но вместо этого светило европейского сокращённого искусства, видимо из скромности, ограничился обыкновенной мировой славой эпатажного провокатора, пафосно окрестив себя борцом против линии и рисунка.

Родился Ив Кляйн в семье вполне себе успешных художников: мама флексила на поприще ташизма (ответвление абстракционизма), а папа занимался изображением кораблей и пляжей в стиле импрессионизма. Творческие родители в раннем возрасте походу на карьеру сына не сильно повлияли, так как он пошёл по совсем другому пути: учился на какого-то там прикладного душнилу, профессионально занимался дзюдо, изучал языки, много путешествовал и люто угарал по всякого рода оккультным, эзотерическим и масонским орденам, в которые вписывался при любой возможности.

«Рельеф с губкой»

Объездив почти всю Европу и скатавшись в Японию за чёрным поясом, Ив отправился в Испанию, где у него был друг-дзюдоист, отец которого владел издательским бизнесом. Именно в студии этого чела в Кляйне проснулись серьёзные посылы к творчеству. Создав несколько полотен, полностью выкрашенных в разные цвета и названные по именам любимых мировых столиц художника, он впервые представил свои работы публике. Эти смелые потуги никого не впечатлили и реакции не вызвали, но Кляйн, не опустив рук, как настоящий боец, отправился в Париж с благородной миссией — освобождать цвет от угнетения рисунком и линией.

На своей первой выставке он представил множество работ, представлявших из себя всё те же разноцветные монохромы. Народ это всё вроде как схавал, но прикола не выкупил — люди подумали, что это не абстрактное искусство высшего толка, а просто-напросто интерьерные картинки для декора. Именно тогда Кляйн психанул и выпилил из своей палитры все цвета, оставив лишь синий. Почему так? Хуй знает, может настроение такое было.

«Антропометрия голубого периода»

Но этот синий был не так прост. Оттенок художник вывел сам, в определённой пропорции намешав ультрамариновый пигмент с какой-то там смолой-ебалой. Позже на этот оттенок Кляйн даже получил патент. Да, патент на цвет, всё верно. Его официальное, закреплённое в законе, название звучит так: «Международный Синий Цвет Кляйна» (International Klein Blue, IKB).

После определения своего единоцветного художественного стиля, Кляйн устроил персональную выставку, на которой опять представил свои монохромы, только на этот раз все они были его фирменного цвета, отличаясь лишь размерами и ценами. На этот раз фокус прокатил и наш радикальный минималист отхватил нихуёвый такой кусок первой славы. А там пошло-поехало: вырулив на синий курс, Кляйн пустился во все тяжкие, постоянно экспериментируя со всеми формами художественной деятельности. Главным его правилом, видимо, было: вытворяй, что угодно, главное не забудь впихнуть свой ебучий цвет.

И фортели он вытворял довольно прикольные: то памятник подсветит, то шарики в небо запустит (предварительно не без пафоса окрестив это аэростатической скульптурой), то, в попытках заколлабить с природой, привяжет выркашенный холст к крыше тачки и отправится в дальнее путешествие, то монументальный рельеф из губки построит, то огнемётом порисует, а то вообще заставит тысячи людей отстаивать многочасовые очереди, чтобы посмотреть на абсолютно пустую комнату. В общем, развлекался парнишка, как мог.

«Космогония»

Но самыми смелыми, эпатажными и известными выкрутасами Ива Кляйна были так называемые антропометрии: чувак просто брал красивых баб, вымазывал их в своей синей краске и заставлял валяться по расстеленным по полу или натянутым на стену холстам. Вся эта синяя вакханалия сопровождалось монотонной симфонией, исполнявшейся на одной ноте в течение десяти минут. Что же нравилось зрителям больше: картины или процесс их создания? Тайна, покрытая мраком. Но доподлинно известно, что резонанс в обществе эти представления произвели огромный — именно за счёт них Ив Кляйн стал мировым известным художником.

Но, к сожалению, в какой-то степени эти выкрутасы с синими бабами нашего освободителя цвета и сгубили. Дело было так: какие-то чуваки-режиссёры снимали какой-то там околодокументальный провокационный фильм «Собачий мир» с шокирующими сценами, взятыми за основу. Узнав про перформансы Кляйна, они попросили его поучаствовать в их кинце, ещё разок повозив девок по холстам. Кляйн великодушно согласился, но потом сильно пожалел: увидев фильм на Каннском фестивале и то, в какой унизительной роли его впихнули в картину. Сердечко художника не выдержало и ёкнуло от обиды в стиле сердечного приступа. А потом ещё раз. И ещё. Третий приступ оказался фатальным. Иву Кляйну было 34 года.

Минимализм

2022-07-28T16:30:19.172Z

Говоря об истории искусства и его художественных течениях, иногда можно подумать, что изучаешь химию: сплошь и рядом одни реакции на реакции на реакции. В этот раз разбираемся с минимализмом, который имеет в своей основе одну общую черту с, внезапно, поп-артом. Что это за черта? Реакция (блять) на абстрактный экспрессионизм.

Вы не поверите, но оказывается, на этом свете даже одни абстракционисты могут заебать других абстракционистов. Минимализм в живописи появился как ответ слишком абстрактному и экспрессивному абстрактному экспрессионизму. Да, я сам в ахуе, не спрашивайте.

Дональд Джадд

ABC-арт, сокращённое искусство, минимал-арт или минимализм — называйте как хотите — считал проявление экспрессии слишком личным, слишком субъективным видом творчества и этой дикой пляске красок на холстах противопоставлял до безобразия упрощённые объекты: холсты залитые одним цветом, простые геометрические линии, простые, необработанные, предметы: будь то кирпичи, лампы, железки или каркасы.

Предтечами абэвэгэдэек, появившихся в Америке шестидесятых, были в основном наши, русские (Казимир Малевич, Владимир Татлин) и немножко европейские (Пит Модриан, Константин Бранкузи) авангардисты. Без Марселя Дюшана, ясен хуй, не обошлось тоже. «Картина есть просто краска на холсте и не более» — говорили они. И спорить мы не будем, дело взгляда на вещи.

«Союз разума и скромности» Фрэнк Стелла

А взгляд на вещи как раз и был главной целью этого течения. Буквально: просто посмотрите на вещь. Просто. Посмотрите. На. Вещь. Ключевое слово: «просто». Именно к простому восприятию форм и цвета, чистому, незатуманенному лишними нагромождениями — ни визуальными, ни смысловыми — призывали минималисты. Отрицая личность художника и его значимость в финальной работе, минималисты стремились к созданию безликих и объективных объектов. Квадрат есть квадрат. Куб есть куб. Хули вам ещё надо? Я даже его не сам сделал, а просто заказал на заводе, и что? Просто втыкайте в предметы. То, что вы видите — это то, что вы видите.

Окей.