Медиа «Катарсис»

Лексические средства освещения событий войны в Израильских СМИ на материале статей израильского веб-портала «Walla!»

2024-03-03T18:53:37.319Z

Целью данного исследования было подтвердить или опровергнуть гипотезу о том, что с начала войны между Израилем и Палестиной 7 октября 2023 года израильские СМИ сменили риторику на менее насыщенную эвфемизмами в отношении убитых ЦАХАЛом граждан Палестины, в том числе террористов ХАМАС.

Материалом исследования послужили новостные статьи на израильском веб-портале «Walla!». На 21 ноября 2023 года (52 день с начала войны) по хэштэгу «война в Газе» — «מלחמת עזה» там было опубликовано 1766 статьи.

Для начала давайте обратимся к определению эвфемизма. На сегодняшний день существует достаточно большое количество определений этого понятия.

Как эвфемизмы появились в СМИ?

Средства массовой информации стали активно развиваться в XX в., а с началом Первой Мировой войны они столкнулись с потребностью в эвфемизации. Когда в 1914 году в Сараево было совершено покушение на австрийского эрцгерцога Франца Фердинанда, британский консул телеграфировал в Лондон, что Франц Фердинанд был убит by means of an explosive nature (средствами взрывной природы).

Последовавшая за этим событием Первая мировая война, длившаяся четыре года и унесшая миллионы жизней, вызвала необходимость в создании таких вербальных средств, которые помогли бы закамуфлировать жестокость тех кровавых лет. И сегодня в современных СМИ продолжают активно использовать эвфемизмы, говоря о разных сферах жизни, в особенности о войне.

В настоящее время эффективная политическая коммуникация чаще всего предполагает камуфлирование текущих положений дел, смягчение, иногда и подмену тех или иных понятий и терминов, «маскировку» существующих проблем.

Можем вспомнить пример эвфемизма из российских СМИ, такой как пресловутый хлопок вместо взрыва. Почему происходит такая замена? Потому что у «взрыва» есть коннотация катастрофы, гибели людей, а у слова «хлопок» нет.

вфемизмы в политической сфере подчинены цели завуалировать или намеренно исказить информацию о реальных событиях или фактах, «обмануть общественное мнение и выразить что-либо неприятное более деликатным способом». Например, в английском языке этой задаче служат такие слова, как:

• «pre-emptive» (приоритетный) вместо «aggressive» (агрессивный);
• «involvement» (вовлечение) вместо «invasion» (вторжение);
• «conflict» (конфликт) вместо «war» (война).

Из примеров российских СМИ примечательным является, пример эвфемизации военных действий в Южной Осетии летом 2008 года. Их называли в СМИ «операцией по принуждению к миру». Хотя с точки зрения оценки применяемых сил – это полноценная, хотя и краткосрочная война: системы залпового огня, авиация, тяжелое наземное вооружение, морской флот.

Современные исследователи явления эвфимизации приходят к выводу, что эвфемизмы не только «используются с целью маскировки определенных фактов действительности», но даже «являются распространенным инструментом манипуляции общественным сознанием. Их лингвистическая природа такова, что они отвлекают внимание реципиента от запретного понятия, являются эмоционально нейтральными субститутами нежелательных или слишком резких обозначений».

О.В. Обвинцева в своей работе «Эвфемизм в политической коммуникации» уточняет, что, в отличие от истинных эвфемизмов, реализуемых из соображений вежливости, с целью избежать конфликта в общении, эвфемизмы, использующиеся в СМИ, «направлены на намеренное искажение сути явления за счёт создания нейтральной или даже положительной коннотации», в результате чего у реципиента возникают ошибочные ассоциации, а негативное выдается за приемлемое.

В целом мы можем говорить о том, что эвфемизация военно-политической лексики в СМИ используется для нивелирования негативных моральных оценок войны, в ситуации, когда государству эта война необходима, либо для демонизации политического противника в условиях информационной войны.

СМИ в Израиле

СМИ в Израиле являются свободными, хотя на территории страны действует жесткая военная цензура, связанная преимущественно с палестино- израильским конфликтом и отношениями с соседними арабскими государствами. Кроме того, цензуре подвержена любая информация, угрожающая национальной безопасности.

Так, цензура запрещает публиковать сообщения, выражающие одобрение действий террористических организаций и групп, которые призывают к уничтожению Израиля. РИА новости, ссылаясь на агентство Bloomberg пишет, что глава совета Израиля по национальной безопасности Цахи Ханегби выступил с предложением усилить цензуру в условиях обострения конфликта с ХАМАС.

Исследование

Для проведения исследования мы остановились на четырех ивритских корнях:

Глаголы חיסל «ликвидировать» и ניטרל «нейтрализовать» для сообщения о гибели палестинцев являются распространенными эвфемизмами в ивритоязычных СМИ.

Глагол ניטרל «нейтрализовать» был построен на основе корня заимствованного из английского языка глагола to neutralize по модели биньяна piʻel. Использование подобных глаголов способствует ослаблению негативной эмоциональной нагрузки и придает сообщению нейтральный характер.

חיסול Отметим, что в какое-то время СМИ стали заменять слово выражением «ממוקד סיכול» (сикуль мемукад) «точечная ликвидация». Это было связанно с тем, что корень ח׳ס׳ל в биньяне piʻel, помимо значения «ликвидировать, завершать», имеет значение «истреблять», что накладывает негативный отпечаток и вызывает ассоциации с преступными действиями. Но с течением времени в употребление снова вошло слово חיסול. Ю. Костенко полагает, что это связано с тем, что общество перестало воспринимать это слово в негативном значении.

Необходимо также пояснить разницу глаголов רצח и הרג со значением «убивать». Глагол רצח в биньяне paʻal имеет значение «совершать убийство, убивать»; в основном, исходя из злого умысла, с этим глаголом используются устойчивые словосочетания, такие как: עם רצח геноцид», אופי רצח «травля».

Тогда как глагол הרג в биньяне paʻal имеет более мягкую эмоциональную окраску, чем глагол רצח, так как значение глагола הרג не подразумевает намерения совершить убийство.

Было подсчитано количество употреблений слов с упомянутыми корнями в отношении палестинцев (включая террористов из группировки ХАМАС) и израильтян в 1766 статьях. Рассмотрим полученные данные с примерами:

Нагляднее отобразить полученные данные можно в процентах:

Всего статей, содержащих в себе новость об убийстве с использованием выбранных корней - 287, что составляет 16.25% от общего числа статей по .»מלחמת עזה« хэштэгу

В большинстве случаев статьи, содержащие в себе информацию об убитых — это статьи об убитых гражданах Израиля (82.58%). В 56.45% с .ה׳ר׳ג и в 26.13% с использованием корня ר׳צ׳ח использованием корня

Статей об убийстве палестинцев (включая террористов ХАМАС) существенно меньше. Они составляют 17.42% от 1766 статей по хэштэгу война .ר׳צ׳ח и ни одной с корнем ,ה׳ר׳ג в Газе. 5.23% с использованием слов с корнем

Для сообщения об их убийстве солдатами ЦАХАЛа используют более нейтральные слова с корнем ח׳ס׳ל в 11.15% от всех статей, содержащих в себе .נ׳ט׳ר׳ל новость об убийстве и в 1.05% с корнем נ׳ט׳ר׳ל.

На данном этапе исследования не подтвердилась гипотеза о смене риторики израильских СМИ на менее насыщенную эвфемизмами после начала войны в сравнении с риторикой до ее начала.

Войну можно освещать по-разному: можно, например, сообщать о военных успехах, оглашая количество уничтоженной военной техники и количестве жертв со стороны противника. И результаты исследования на данном этапе приводят нас к выводам о том, что СМИ Израиля, на примере статей на веб- портале «Walla!», не прибегает к такому подходу.

Намного реже они пишут о жертвах со стороны Палестины, чем со стороны Израиля. Более того, встречаются статьи, где в отношении палестинцев употребляются такие слова как «монстры», «убийцы», что способствует демонизации противника и формированию определенного общественного мнения относительно настоящего военного конфликта.

Исследование эвфемизмов как средства манипуляции общественным сознанием является перспективной темой в контексте военных конфликтов, так как язык всегда был и сегодня остается инструментом политики и политического влияния.

В дальнейшем в рамках этого исследования планируется провести сравнительный анализ подходов к освещению военных действий израильскими СМИ и российскими.

Комедийная хоромина: каким было первое театральное здание в России?

2024-03-03T18:42:51.051Z

Не секрет, что русское искусство всегда отставало в развитии от западного. На это было много причин, основной из которых являлась очень тесная связь первого с религией. К XVII веку западноевропейское искусство уже знало портреты и натюрморты Караваджо, пейзажи Эль Греко, исторические полотна Веласкеса. Не стоит думать, что церковь не повлияла на европейскую культуру данного периода, однако наряду с религиозным активно развивалось светское искусство.

На территории современной России сложилась совершенно иная ситуация. Вплоть до XVII века искусство было полностью подчинено религиозному канону. В живописи еще не сформировался жанр портрета и натюрморта, а театр до сих пор представлял собой уличные представления скоморохов. Но в то же время церковь, желая укрепить свое влияние, стала включать в обряды театральные элементы.

Конечно, до создания русского профессионального театра еще далеко, однако для понимания современного драматического искусства важно понимать, с чего все начиналось.

Первое театральное здание

Комедийная хоромина (или храмина) — первое в России здание, предназначенное для театральных представлений. Открытие состоялось в 1672 году в летней резиденции царя Алексея Михайловича (село Преображенское рядом с Москвой).

Хоромина представляла собой деревянную клеть (кладовую) «сажен десять в квадрате да в вышину шесть сажен» (примерно 2,1х10,9 м) [1]. Территорию ограждал забор со створчатыми воротами. Внутренние стены и зрительские места были обтянуты красным и зеленым сукном. Под ногами лежали ковры. Освещалось помещение сальными свечами.

Не спешите думать, что внутри было уютно. В лучших традициях XVII века спектакли длились часами. Сегодня нам сложно в полной мере представить, как люди чувствовали себя, находясь внутри, но можно предположить, что ковры, свечи и маленькое помещение создавали буквально удушающую атмосферу.

В комедийной хоромине располагалась сцена, которая приподнималась над полом и отделялась от зала брусом с перилами и шпалером (раздвижным занавесом). Также, перед сценой была установлена рампа со свечами.

Для спектаклей специально создавались декорации и шились костюмы, а актеры использовали бутафорские предметы. Все это отличалось роскошью и, соответственно, большой стоимостью. Зрителями первого спектакля являлась придворная знать, представители которой специально приезжали в Москву.

Что можно было увидеть в комедийной хоромине?

В России в XVII веке еще не было собственных артистов, поэтому первое время приглашали зарубежные труппы. В это же время появилась русская театральная школа. Так, к 1675 году появилось около 70 отечественных исполнителей. Несмотря на это, в спектаклях принимали участие как местные, так и зарубежные актеры — причем последние получали более высокую оплату.

Первый спектакль состоялся 17 октября 1672 года и назывался «Артаксерксово действо». В основе — пьеса лютеранского пастора Иоганна Готфрида Грегори, написанная на сюжет библейской книги «Есфирь». Текст был переведен на русский, а репетиции проходили на двух языках. Пьеса получилась огромной, из-за чего сам спектакль длился десять часов подряд без антракта. Тем не менее, зрители высоко оценили «Артаксерксово действо».

После успешной премьеры театр регулярно работал при царском дворе. Спектакли не были комедиями в привычном понимании, ведь деления на жанры еще не существовало, а комедиями называли любое театральное действие. Основу сюжетов составляли библейские истории.

«Комедийная хоромина» существовала до 1676 года и была закрыта после смерти царя Алексея Михайловича. За это время на сцене поставили девять спектаклей:

«Артаксерксово действо» (1672);
«Комедия о Товии-младшем» (1763);
«Олоферново действо» (1674);
«Темир-Аксаково действо» (1675);
«Егорьева комедия» (1675);
«Комедия об Адаме и Еве» (1675);
«Комедия об Иосифе» (1675);
«Комедия о Давыде с Галиадом» (1676);
«Комедия о Бахусе с Венусом» (1676).

Содержание большинства из этих пьес не дошли до наших дней Мы знаем лишь сюжеты двух спектаклей — «Артаксерксово действо» и «Олоферново действо». Первая из них начинается с обращения к царю:

… Ты самодержец, государь и обладатель всех россов,
еликих солнце весть, великих, малых и белых,
повелитель и государь АЛЕКСИЙ МИХАИЛОВИЧЬ,
монарха един, достойный корене, престолу и власти, достойны короне…

По сюжету персидский царь Артаксеркс сильно расстроен, ведь давно не видел любимую жену Астинью. Царь устроил пир, позвал на него царицу, но Астинья не пришла. Артаксеркс разозлился, решил выгнать ее из дворца и найти себе другую жену.

Правитель пригласил во дворец всех красавиц Персии и Мидии. Новой женой стала прекрасная девушка Есфирь. Однако счастья в этом браке не случилось: одному придворному иудею приснился сон, предупреждающий о грядущей опасности для всего еврейского народа из-за новой царицы.

В результате драматических событий, интриг и предательств, был раскрыт коварный план придворного — убедить людей в необходимости свергнуть Артаксеркса ради спасения всего народа. Узнав о намерениях заговорщика, царь приказал казнить его. Пьеса прославляет царя и его справедливое правление. Мне кажется, вполне очевидна отсылка на царствование Алексея Михайловича. Все же не стоит забывать, что спектакль был поставлен для правителя и его ближайшего окружения.

Другая пьеса, «Олоферново действо», основана на библейском сюжете «Иудифь» («Юдифь»). Согласно истории, иудейка по имени Юдифь спасла свой народ, победив ассирийское войско под руководством язычника Олоферна. Эта история воспевало христианство, которое, как мы помним, сильно влияло на общественную жизнь XVII века.

Хоромина — важный шаг на пути к созданию русского профессионального театра. Сегодня трудно представить весь восторг, который испытали зрители на первом спектакле комедийной хоромины. Благодаря тому, что существовала при поддержке государства, она получил возможность развиваться, тем самым заложив основы русского национального театра.

Белов, А. В. На пути к "Артаксерксову действу" Преображенского театра: театральные традиция и зрелища в России в первой половине XVII в / А. В. Белов // Тульский научный вестник. Серия История. Языкознание. – 2020. – № 3(3). – С. 28-38. – EDN SMAKFQ.

С Богом! Как актеры древнегреческого театра летали над сценой

2024-01-23T19:31:44.317Z

Театр — один из древнейших видов искусства. Являясь синтетическим по своей сути, он объединяет музыку, танец, литературу, представляя зрителю новое уникальное произведение. Ритуалы, которые являлись неотъемлемой частью жизни первобытного человека, чем-то напоминали спектакли. Люди выполняли различные движения, сопровождая их музыкой и, позже, сочетанием отдельных звуков — песней. Конечно, подобные ритуалы еще не являются театром, речь идет только о прообразе этого искусства.

Дионис. Бог вина и виноделия, покровитель растительных сил природы. Древний Рим, II в. Государственный Эрмитаж.

Когда появился театр и откуда мы это знаем?

Принято считать, что Античность (условная датировка: XI в. до н.э. — V в. н.э.) — колыбель европейского искусства, ведь именно в данный период сформировались и впервые достигли вершины такие его виды как архитектура, скульптура, живопись, театр.

Древнегреческий театр восходит к культу Диониса — важного для греков бога виноделия. Несколько раз в году отмечались Великие Дионисии, во время которых пели дифирамбы, показывали трагедии и комедии. Драматурги, которые долгое время являлись и актерами, соревновались друг с другом за звание лучшего исполнителя, писателя и т.д. Греки настолько ценили театр, что спектакли ставились на государственные деньги, а во время празднеств приостанавливались собрания, не разрешались аресты и даже запрещалось кредиторам требовать возвращение долга.

Безусловно, ни один исследователь античного театра ни разу не видел оригинальные постановки. Однако мы имеем достаточно полное представление о том, как выглядели костюмы, декорации, какой была речь героев и какие технологии использовались в постановках.

Важнейшими источниками являются сохранившиеся пьесы античных авторов: семь трагедий Эсхила, семь сочинений Софокла, семнадцать трагедий Еврипида, комедии Аристофана и др. Анализируя данные литературные произведения, мы можем представлять развитие трагедии и комедии как самостоятельных жанров.

Говоря о трагедии, стоит начать с Эсхила, в произведениях которого уже сформировался принцип трилогии: три трагедии в лирической форме раскрывают одну и ту же сторону события. Однако на сцене играл один актер, как правило, им был сам драматург.

Живший позже Софокл начал соединять три трагедии небольшими самостоятельными драмами, а также увеличил число актеров до трех. Впревые у Софокла мы встречаемся с перипетией — отклонением драматического действия от прямой линии.

Преемник Софокла, Еврипид, внес вклад в развитие актерского искусства. Роль хора была сведена к минимуму, тем самым освободив место для артистов. Религиозная составляющая также стала менее значительной. Еврипид смело изменял миф ради более драматичного сюжета.

Мои любимые BTS, вот они — слева направо.

Аналогично развивалась и древнегреческая комедия. В ее основе — спор. Здесь нет тяжелых драматических событий, однако обязательно присутствует конфликт между двумя-тремя героями или внутри хора.

Аристофан — единственный известный нам греческий поэт, писавший комедии. В его пьесах артисты выполняли акробатические трюки, устраивали интермедии, при этом поднимали остросоциальные проблемы (от войны и мира до несправедливости).

Помимо литературных произведений до нас дошло немало сосудов, расписанных преимущественно сюжетами из мифологии. Однако встречаются изображения повседневных сцен, театральных действий. Именно благодаря таким композициям мы знаем, как выглядели античные артисты, а также какие трюки они выполняли.

Устройство античного театра.

Особенности греческого амфитеатра

К счастью, помимо письменных источников, до наших дней дошли греческие амфитеатры. Они представляют собой утопленную площадку, вокруг которой располагались зрительские места.

Сам театр состоял из трех основных частей — орхестры, скены и театрона.

Орхестра — основная часть древнегреческого театра. Она имела круглую форму. Именно здесь происходило основное действие.

В центре орхестры располагался жертвенник. Напомню, что древнегреческий театр тесно связан с религиозным культом, с почитанием бога Диониса. Вероятно, в определенные моменты спектакля осуществляли жертвоприношение.

Скена — место, предназначенное для переодевания актеров. Кстати, современное слово «сцена» произошло от греческого «скена», хотя предназначение данного помещения изменилось.

По бокам скены располагались параскении — двери, через которые артисты выходили на орхестру. Для выхода хора использовался парод.

Театрон — места для зрителей.

Эккилема и эорема.

Инженерные изобретения греков

Изначально в античных постановках не меняли декорации (речь идет о живописи). Вместо этого площадка делилась на несколько частей. Артисты переходили из одной части в другую, тем самым условно меняя место действия. Помогали в этом различные конструкции.

Например, эккиклема представляла собой подвижную площадку, которую выкатывали на орхестру. Такая площадка показывала, что действие происходит внутри помещения — дом, дворец, храм. Интересно, что при всей драматичности греческих пьес сцены смерти показывать было запрещено. Как правило само убийство происходило за дверями параскения, а после погибшего героя вывозили на эккиклеме.

Эорема — подъемная машина, при помощи которых боги и герои пьесы могли возвышаться над орхестрой или, наоборот, спускаться с небес. Обычно в греческих спектаклях боги представлялись некой спасительной силой, которая в самые тяжелые моменты спускается на землю и разрешает конфликт. Возможно, для нас подобная конструкция выглядит несколько нелепо, однако не стоит забывать, что речь идет о IV-V вв. до н.э.

Дистегия — внутренняя лестница, которая вела на верхний этаж скены. По словам Поллукса (римского лексикографа), дистегия изображала верхний этаж дворца. Судя по всему, в определенные моменты артист выходил на эту площадку, возвышаясь над пространством орхестры.

Ближе к III-II вв. до н.э. орхестра исключалась из пространства театра, что обусловило усложнение машин для создания атмосферы спектакля. Появились кулисы, живописные декорации и занавес. Интерес представляют трехгранные призмы, которые могли вращаться, меняя декорацию.

Как три человека играло столько ролей?

Выше уже говорилось о том, что изначально труппа древнегреческого театра состояла из одного человека. Артист был и драматургом, и певцом, и танцором. Позже актеров стало три (хор набирался отдельно, в него входило примерно 12 человек). Однако в сохранившихся пьесах гораздо больше персонажей. Как зритель отличал их друг от друга?

Греческие костюмы были очень яркими. Именно в них заключалась зрелищность и красочность самого представления. Цвета соответствовали роли. Так, цари носили красный, пурпурный, а несчастные герои облачались в синие и черные одежды.

Особое значение имели маски. Их изготавливали из дерева или загипсованного полотна. Маска подчеркивала, даже преувеличивала эмоцию героя. Трагическая маска имела широко распахнутый рот, уголки которого сильно опущены вниз. Огромные глаза, орлиный нос — каждый элемент подчеркивал глубокое страдание персонажа.

Комическая маска представляла собой рот, растянувшийся в улыбке до ушей. Лоб был выпуклым, что считалось характерной чертой для облика шута.

Вместе с костюмами исполнители меняли и маски. Чаще всего это происходило при смене роли, однако маску могли менять и при исполнении одного персонажа. Например, актер, игравший Эдипа, мог внезапно появиться в маске, забрызганной кровью.

Существовали и маски с двойным выражением лица. Это позволяло создать эффект неожиданной смены настроения.

Технологии, изобретенные древними греками, модернизировались, открывая новые возможности для актеров и режиссеров. До сих пор мы можем увидеть передвижные площадки и конструкции для подъема исполнителей над сценой. Отчасти сохранилась и античная планировка театра — зрительские места расположены вокруг сцены. Единственное, сегодня сцена возвышается над землей.

7 смертных грехов русской песенной поэзии

2024-01-17T19:10:26.060Z

Русская песенная поэзия имеет очень долгую историю. Начиная с церковных песен и заканчивая Высоцким и русским роком. К сожалению, кроме традиций русской песенной поэзии наша страна имеет еще одну традицию — не любить свою страну и все, что она делает. Как хорошо писал об этом Юрий Сапрыкин, «любой список вещей, которые раздражают в Москве, будет заведомо неполон и слишком мал». У нас плохо все, а особенно — культура. Конечно, казалось бы, как страна, которая родила Пушкина, может крутить по радио Бузову или, упаси Господи, Моргенштерна. И, конечно, то, что я говорю, это прописные истины, которые не раз слышал каждый из нас в постах в ЖЖ или на государственных телеканалах. Но я как раз хочу доказать обратный тезис.

Культурная ошибка выжившего в современной России очень видна. Если я слышал из современных исполнителей только Славу Мэрлоу и Зиверт, то, значит, вся наша музыка находится в таком состоянии. Но, возможно, в том, что вы слушаете только эфиры популярных радиостанций и эфиры Муз-ТВ, и есть проблема? Шоры популярной культуры сковывают рядового слушателя, это всегда было так. И очень глупо считать, что только в современном мире массовое — это ширпотреб. Такое было всегда. На балах не слушали Моцарта, а включали Бузову того времени, потому что танцевать проще, потому что за музыкой не стоит великой идеи, а цель — развлекать — она выполняет очень хорошо. Не слушали массово Александра Галича в советском союзе, слушали советскую эстраду, которую сейчас, конечно, ставят все равно на несколько голов выше современной эстрады. Но по сути художественные техники применялись те же самые и давилось на те же самые болевые точки массового слушателя. Впрочем, такая музыка и не должна служить великой цели, эта музыка развлекает, расслабляет, и, уж поверьте, гремящая прямая бочка в треках Моргенштерна действительно качает.

Так что по поэзии? Что по новым дарованиям музыкальным? Все это есть. На локальных региональных гигах или на маленьких (или не очень) независимых музыкальных фестивалях. Конечно, раньше был прекрасный Пикник «Афиши», который изжил себя. Раньше и «Нашествие» открывало таланты и гремело. Сейчас же современный творец, метамодернист, намеренно отказывается от таких масштабных мероприятий, потому что они своей концепцией нарушают принципы исполнителей. И да, я не шучу, у современных исполнителей есть принципы (не просто же так группа «Пасош» распалась после скандала, спасибо, Кирилл!)

На гиги и локальные фестивали тоже приезжает ширпотреб. Только ширпотреб наизнанку — ширпотреб, который считает себя андерграундом, которого никто не понимает, но, на самом деле, представляет собой просто плохую музыку, которая даже андерграунду не нужна. Да, у андерграунда тоже есть иерархия качества, потому что хорошая музыка не определяется ее массовостью. Популярная музыка может быть хорошей, а непопулярная — плохой. Суть все-таки не в этом.

Сразу хочется сделать небольшой дисклеймер. Да, конечно, причислять песенную поэзию, даже самую лучшую, к общему пласту поэзии может показаться кощунственным, и наверное, таким и является. Просто очень важно понимать, что в современном мире поэту необходимо становится осваивать новые варианты реализации, осваивать непривычные для него жанры. Синтез жанров вообще очень важный признак пост- и метамодернистского искусства, этого не отнять у культуры, нужно просто смириться. Музыка накладывает как и определенные ограничения — ритмичность, краткость, запоминаемость. Так и, наоборот, дает больший простор — музыка становится дополнительным способом эстетического шокирования слушателя, более того, служит помощников в эмоциональной и семантической напряженности произведения. Проще понять на примерах.

Саша Ситников

Александр Ситников («Птицу ЕМЪ», «4 позиции Бруно», «Порез на собаке») до сих пор мало знаком массовому слушателю, хотя творит он очень давно, является легендарной фигурой абстрактного русского хип-хопа (а лучше, как говорится в песне «Славка Милохин в пионерлагере»: «Я бы не хотел удостоиться славы русского рэпера. Екатеринбургского рэпера пи****о бы было») и электронной музыки и собирает крупные концерты в клубе «16 тонн», например. Да, русский рэп это не только Тимати и Баста и даже не только Оксимирон (признан Минюстом иноагентом). Вообще удивительно как самый популярный жанр музыки в мире до сих пор так дискредитирован в самой большой стране в мире.

Все проекты Саши (в том числе и «4пБ», хоть там и большая часть музыки — просто инструментал) — это крупное, не побоюсь этого слова, поэтическое и музыкальное высказывание. В начале карьеры «4 позиции Бруно» разрывали андерграундные клубы, их музыка была странной, психоделической и свежей. А любимый прием Саши — сэмплирование — стал очень важным для двух будущих его проектов. Сэмплы (кусочки песен или музыки) вообще очень популярны в рэпе, весь рэп часто состоит из сэмплов, поэтому мы часто слышим повторяющиеся мотивы у абсолютно разных песен. Ситников же выворачивает сэмплирование наизнанку — он не ворует, не делает чужую мужику своей, он намеренно цитирует, часто извращая смысл (как в песне «Побег», где песня «Малина» Иванушек становится символов свободы и побега). Более того, такое вычитывание смысла, создавание из прямых строчек популярных песен иероглифы и их расшифровка — это очень важная часть метамодерна, где «Малина» или даже голоса и диалоги абсолютно разных людей (Ситников их правда долгое время записывал на диктофон, потом вставляя в свои песни) становятся частью поэзии.

Песни всех трех проектов это настоящие истории. Это страшные истории у «4 позиций Бруно», смешные у «Птицу ЕМЪ» или сказочные у «Пореза на собаке», но это все настоящие истории. Это герои, которые попадают в различные ситуации и фиксируют все, что с ними происходят, делясь со слушателем правдой своей жизни. Герои живут отдельно от автора, это только их высказывания, их ценности, их переживания — от рефлексии маленькой девочки, которая разочаровалась в жизни («12» — Порез на собаке), до гниющего заживо человека («Трупный возраст» — 4 позиции Бруно). Песни всех проектов — цельные произведения разных литературных жанров: юморесок или зарисовок. И, наверное, эти произведения — самое жизнеутверждающее, что есть в современной русской музыке.

Начну с самого очевидного. «Птицу ЕМЪ» изначально были сайд-проектом главного проекта Ситникова «4 позиции Бруно». Они издавались и продвигались только через интернет, более того, только недавно их альбомы появились на музыкальных площадках официально. Виной тому, в первую очередь, сэмплы из «Кино», «Сплина» и многих, многих других. Но тем не менее альбом тогда взорвал локальное сообщество ценителей. Почему? Потому что это были смешные песни про веганов, извращенцев и геронтофилов. И они были смешными, не потому что Ситников смеялся над их персонажами, нет, он смеялся вместе с ними. Это вообще очень важно — Саша искренне любит своих героев, какими бы нелепыми они бы не были. И говоря о затравленном мальчике или поклоннике оргий он не высмеивает то, какие они ужасные. Он просто рассказывает о их жизни, показывает, какая жизнь многосторонняя. И смех звучит не злой, не грубый, не издевающийся, как в «Камеди Клабе», а искренний и добрый. Это смех, который учит любить жизнь в ее многообразии и в многообразии людей вокруг. И этому, конечно, способствует не только гениальная аранжировка песен, но и, конечно, тексты.

Так, песня «Крысоловы» рассказывает о двух сектантах, которых пытались обокрасть, но в итоге воры попали под внушение этих людей. Здесь невероятно все, начиная от диалогичного построения песни в виде разговора двух сектантов, заканчивая тем, как выворачиваются роли персонажей. И вор, разбойник становится жертвой человека, на которого он напал:

Автор мастерски деконструирует образ злодея, показывая, что в мире все не так просто, даже несмотря на фантастический сюжет. Нет черного и белого, казалось бы, прописная истина. Но сюжетность всегда более сильно влияет на читателя, чем тупое морализаторство и лозунги.

Разговорная лексика, манера речи (тут нужно обязательно, конечно, слушать, а не только читать), легкость и простота диалога — все это играет на руку. Любой фантастический сюжет, а в контексте этой группы, скорее, магический реализм в тексте работает только тогда, когда сами герои не видят фантастичности происходящего. Для них все это — норма. Радость от человеческого улова ровно такая же, как если бы это был хороший рыбный улов.

Более того деконструкция злодея как жертвы позволяет слушателю наслаждаться происходящим, как им наслаждаются сами злодеи. И это очень важная специфика данной песни — то наслаждение, с которым она поется (не потому что автору это нравится, а потому что герои — такие), гипнотизирует похлеще гипноза в адрес жертв самих этих сектантов. И если эти жертвы заглотили пилюли, чтобы попасть под внушение, то слушателю даже глотать ничего не надо.

В этих песнях не нужно создавать сложные образы, не нужно осваивать заново язык, нет — наоборот, здесь хирургическая точность фиксирования происходящего намного сильнее эстетически шокирует. Почему? Потому что это показывает понятные человеку вещи под другой призмой, при этом сохраняя привычность и понятность. Понимаю, взрывает мозг.

Ну или вот ужасно точный образ из «4 позиций Бруно»:

Песня вообще про бандита, посмотрите, как лексически точно Ситников передает настроение бандитское, как он своей интонацией вырисовывает эти шансонные мотивы.

Тут нас и настигает первый грех русской песенной поэзии — сюжетность. Вспомните «Балладу о стариках и старухах» Александра Галича, в которой он рассказывал о том, как побывал в санатории, где его окружали только пожилые люди, вспомните «Однажды в цирке» Соломенных енотов, где показана полноценная история одного курьезного случая в цирке. Да даже работы современных музыкантов: целый альбом «Горгород» у Оксимирона — это просто кусок сюжета.

Григорий Полухутенко

Абсолютная противоположность Ситникова — Григорий Полухутенко. Никакого хип-хопа, никакой электронной музыки, никакого сюжета. Только акустика (уже, конечно, нет, у него сформировался бэнд), только лирика, только хардкор. Полухутенко — прекрасный бард, точнее, наверное, постбард, хотя многие свои особенности творческие он наследует у классических бардов шестидесятых. Вообще говорить о нем немного не честно, Полухутенко не только музыкант, но еще и поэт. У него есть подборка на сайте «Полутона», когда-то он даже состоял в поэтическом клубе, а по его работам в каком-то арт-кафе был поставлен спектакль. Но для честности поговорим именно о его песнях.

Чем хорош Полухутенко, так это тем, что его тексты просто идеально совпадают с музыкой, которую он пишет. В меру меланхоличные, в меру рефлексивные, подчеркнутые аккомпанементом на акустической гитаре или фортепиана — музыка здесь не отвлекает от текста, а, наоборот, как у классических бардов — выносит сам текст на первый. Его музыка, в первую очередь, задает динамику текста — знаете, как в электронных песнях есть дроп, после который создает кульминацию в музыке, тут практически так же. Только кульминация наступает в тексте, эмоциональный настрой меняется и выстраивается уже по-новому.

Тут отличным примером служит песня «Вещь» — самая популярная песня автора и одна из самых моих любимых песен вообще. Сначала просто текст.

Казалось бы, здесь все идет ровно, если просто читать, но текст окрашивается по-новому как раз благодаря динамике песни.

Лирический герой практически переходит на крик, после того как перестает обращаться к своей пассии, а начинает говорить о своих чувствах и ситуации. Похоже на какой-то типичный спор в отношениях, конечно, но все-таки, — как он написан!

Вообще любовь у Полухутенко не банальная, не похожая на типичную песню или стихотворение про любовь. Во-первых, у него прослеживается очень сильный эгоистический мотив, вроде мотивов Бродского, когда чувства лирического героя ставятся выше чувств объекта любви, хотя, казалось бы, какая это тогда любовь. Как только он начинает говорить про свою возлюбленную, он все равно возвращается к себе, даже если возвращается в негативном ключе. Вот, например, из песни «Любовь моя».

Во-вторых, образы любви здесь не ограничиваются сердцем, цветами, романтикой, днями напролет вместе, а, скорее, как у Маяковского:

Любить –
это значит:
в глубь двора
вбежать
и до ночи грачьей,
блестя топором,
рубить дрова,
силой
своей
играючи.

У Полухутенко в «Вещи» — «ты моя самая ценная вещь», в «Любовь моя» — «вот мы стоим перед ликом великих свершений, ну хоть вместе стоим», в «Финале» — «пока я любил тебя, я был прав», в «После всего», наверное, одно из моих любимейших определений — «ты свет, а я кое-как». Это полные романтизма и даже романтизации тексты, но именно подобная романтизация обычно и описывает состояние человека, который по-настоящему влюблен.

Ну это если про любовь. Еще у Полухутенко очень много Бога в песнях. Бога не как господина, а как, скорее, наставника, действительно, небесного отца, к которому можно обращаться. Много библейских тем, множество отсылок и аллюзий, есть целая песня «Эдем», впрочем, это перевод Барри Корнуэлла, но есть и песня «Рай», уже собственная.

Вообще это, на самом деле, гимн жизни — я жив, я живу, я не в рае, но это и не нужно, раю вполне комфортно и без меня, значит, можно и пожить. Или, вот, например, песня «Ария», которая вся — это обращение к Богу.

И снова это гимн жизни, желание продолжать жизнь, несмотря на небесные законы. Очень, к слову, интересная позиция, которую редко встретишь у обращающихся к господу авторов — они, обычно, пеняют на бога, просят помощи, говорят, какая ужасная жизнь и вообще обращаются к нему, только если все плохо. Тут же Полухутенко делится своей повседневность с господом, говорит с ним легко и почти на равных, он говорит богу — мне не надо ничего от тебя, просто дай мне пожить немного, этого достаточно. К слову, во многом это настроение создается именно благодаря музыке и голосу, вне этого контекста текст может восприниматься абсолютно по-другому.

Полухутенко держит в себе сразу четыре греха. Первый, конечно, интеллектуальность, как бы смешно ни звучало. В его тексты точно надо вчитываться, потому что очень просто потерять элемент и смысл всего текста вообще, это своеобразная игра с интеллектом читателя. Опять же, пришло это к нам от бардов, которые через песни просто презентовали свои стихотворения.

Второй — романтизм. Любовь — самая важная тема в русской песенной поэзии да и песнях вообще. Вся Земфира, половина Аквариума, половина Высоцкого, топ песен Яндекс.Музыки — все пять первых мест это песни про любовь.

Третий грех, что очень иронично, — это библеичность, причем необязательно как молитва богу, конечно нет, это может быть и ирония, но это фиксация на теме. Половина творчества Аквариума, «Песенка о переселении душ» Высоцкого, у Окуджавы даже есть стихотворение про дом, в котором он молится богу — а тогда такое порицалось. Есть такая певица — Дарья Виардо, она вообще православный поп пишет, и я не шучу. Там есть строчки «Многого не хватает мне, богу богово, но если бога нет?» Есть Баста, есть, упаси господи, Рома Жиган, есть «Вселенная бесконечна» Нойз МС (признан Минюстом иноагентом), есть Павел Кашин, есть «Пентуха» группы Ада — бессчётное количество исполнителей.

Ну и четвертый грех — это абстрактность. Черт пойми, что несет автор, все просто набор слов, казалось бы, с первого взгляда. Впрочем, на этом отлично карьеру построил Аквариум и те песни Наутилуса Помпилиуса, что написал Илья Кормильцев, и все «Звуки МУ», царство небесное Петру Мамонову, а вообще, честно, много текстов Летова вы поняли с первого раза? А с пятого? В общем, любят русские так завертеть, чтобы намеренно непонятно было – и тут уже дело не в интеллектуальной игре, а просто в личном восприятии абстракции, на то она и абстракция.

Паша Жданов

К слову, про группу Ада. Наш третий герой — Паша Жданов, простой парень из Тамбова, солист группы «Ада», солист сольного проекта, тот самый бэк вокал на песни «Все исчезло» группы Комсомольск, тот самый человек на фите с «Дайте танк!» в песне «Неудержимые», в общем, персонаж многогранный и многосторонний. И отличный поэт.

Сразу охарактеризовать все песни Паши Жданова очень сложно. В основном, это очень веселые, забавные песни на реально серьезные темы. Усталость от жизни, взросление, равнодушие, возраст и многие другие в текстах Жданова становятся не более чем просто мелкими неурядицами, через которые очень просто перепрыгнуть и забыть о них. Вот, например, из альбома «ббб».

Лирический герой сбегает из реального мира в условную малахитовую шкатулку, (в данном случае просто она — часть сказочного мира). Он просто хочет сбежать от реальности, от однообразных пейзажей и работы «милицейский стакан, травмпункт, аптека» (по-блоковски, конечно, современные реалии заменили «ночь, улицу, фонарь»), все это уходит на задний план, когда хочется исчезнуть. И тем не менее, Жданов выбирает для этого не ожидаемый формат «господи я так устал», а очень веселый, получается захватывающая песня побег и путешествие в малахитовую шкатулку.

Или вот, песня «Тысяча мелочей».

Вокруг ужас, бомжи, разруха, все плохо, как в анекдоте заезженном, но тем не менее, это становится не гнетущим, как в песнях Фейса (признан Минюстом иноагентом), в якобы социальных его песнях Фейса, а смешным. Когда все настолько абсурдно, что невозможно смешным становится. И здесь есть место для любви.

Но давайте будем честны, Паша Жданов не только клоун. У него есть и очень серьезные и вообще не смешные песни, правда, что характерно, все они старые. Видимо, с возрастом становится все проще смириться даже с самим собой.

Характерно, что к серьезной теме Жданов обращается только на грани отчаяния. Что страшнее, чем грусть? Сломленность, отчаяние, апатия, та самая немая озлобленность, когда яркого уже ничего не чувствуешь, когда усталость стала хронической. Вообще это типичный троп того самого депрессивного главного героя, который уже взрослый, весь «Конь БоДжек» на этом построен или «Книжный магазин Блэка». Не потому что нам жалко главного героя, а потому что он настолько очарователен в этой естественной своей сломленности, что оторваться невозможно.

И вот мы снова здесь — вычислили еще два смертных греха, кроме тех, что уже и так были упомянуты. Во-первых, это, конечно, та самая клоунада — шутовство, шоу, прикол, назовите, как хотите. Мало ли таких исполнителей было? Половина эстрады, Моргенштерн, Галич с его ироническими балладами, Владимир Винокур, группы вроде «Казенного Унитаза» или «Кобылы и трупоглазых жаб». Все это ирония и юмор, ведь карнавальная культура была подмечена еще Бахтиным, а царю при дворе шут всегда нужен.

И второе, конечно, это рефлексия. Смелость посмотреть в зеркало и сказать не «Я крутой, я могу», а сказать «Я нашел себя на помойке», строчка из одноименной песни Ады. Здесь намеренно, кстати, ломается фраза известная «Я себя не на помойке нашел». Смелость сказать, что я никчемный, я сломленный, нас никто не спасет. Рефлексия и меланхоличность русской музыки — это вообще моветон, поэтому я подчеркиваю не меланхолию, а именно рефлексию. Тут, думаю, и примеры перечислять не нужно.

Вот они — все смертных грехов вместе: сюжетность, романтичность, рефлексия, библеичность, карнавальность, интеллектуальность, абстрактность.
Это не делает русскую песенную поэзию лучше или хуже, вообще никак ее оценочно не характеризует, это просто ее отличительные особенности, традиция, если хотите так назвать, которая год за годом следует из текста в текст.
Это, конечно, не все поэты русской музыки. Перечислю ещё пятёрку с краткими комментариями и заметками — почему хороши и почему не попали. Есть АИГЕЛ, есть Вадик Королёв, да тот же Егор Древлянин есть, просто статья не резиновая. Тем не менее даже эти три примера показывают, что иногда стоит снимать свои шоры и смотреть по сторонам — возможно, увидите что-то классное.

Анатомия Европейского Союза: что это и как он устроен?

2024-01-01T11:24:10.261Z

Европейский парламент, Европейская Комиссия, Европейский Совет, Совет Европы, Европейский суд по правам человека... Устройство Европейского Союза кажется действительно запутанным. В ЕС – семь ключевых учреждений и множество органов, разбросанных по четырем странам, с сотнями зданий и сотрудников. Чтобы добавить еще больше путаницы, две структуры имеют одинаковые названия и находятся в одном и том же здании, несмотря на разные функции. Немудрено, что функционирование такой сложной системы вызывает много вопросов.

ЧТО ТАКОЕ ЕВРОПЕЙСКИЙ СОЮЗ?

Евросоюз — результат добровольного объединения европейских национальных государств. Это и не международная организация (как ООН или ВТО) но и не федеральное государство (как Соединенные Штаты Америки). В отличии от международных организаций, у Евросоюза есть независимые представительные, законодательные и судебные органы власти. В то же время, вся система держится исключительно на добровольном согласии стран участниц, которые оставляют за собой львиную долю суверенитета по многим вопросам. При концептуализации Евросоюза используется другая категория: политическая система.

Габриэль Алмонд и Дэвид Истон были пионерами в изучении политических систем как уникальных структур. Рассмотрим, как выделенные ими четыре основных элемента политических систем соотносятся с устройством Евросоюза.

1. Существует устойчивый и четко определенный набор институтов для коллективного принятия решений и набор правил, регулирующих отношения между этими институтами.

Действительно, степень институциональной стабильности и сложности в ЕС значительно превосходит другие международные режимы. Чего только стоит главный институциональный квартет -— Комиссия, Совет, Европарламент и Европейский суд по правам человека. У ЕС даже нет «конституции» в традиционном понимании этого слова — единого документа, в котором были бы прописаны фундаментальные нормы и принципы организации. Система функционирует по определенной «конституционной архитектуре» в виде серии подписанных соглашений и договоров.

2. Граждане и социальные группы стремятся реализовать свои политические желания через политическую систему, либо непосредственно, либо через посреднические организации.

И тут — бинго! Группы с самым мощным и установившимся положением в системе ЕС — это правительства стран-членов ЕС и политические партии. На первый взгляд центральное положение правительств в системе делает Евросоюз похожим на другие международные организации, но здесь они не обладают монополией на политические требования. Возникает целая сеть общественных и частных групп: от отдельных корпораций и ассоциаций бизнеса до профсоюзов — каждая из которых конкурирует за влияние.

3. Коллективные решения в политической системе оказывают воздействие на выделение общих социально-политических ценностей и распределение экономических ресурсов во всей системе.

Да, решения ЕС имеют значительное значение и ощущаются во всей Европе. Как минимум, политика ЕС охватывает практически все области, включая регулирование рынка, социальную политику, сельское хозяйство, региональную политику и т.д.

4. Существует постоянное взаимодействие между политическими результатами, новыми требованиями к системе и новыми решениями, которые эта система предоставляет.

В яблочко. Сама суть Евросоюза заключается в постоянном взаимодействии между институтами, национальными правительствами и Брюсселем, различными отделами национальных правительств, частными интересами и государственными служащими.

А КАК ВООБЩЕ РАБОТАЕТ ЕВРОСОЮЗ?

Обычно мы слышим просто: «ЕС». На самом деле Европейский Союз состоит из различных институтов, которые совместно формируют политику системы.

Все начинается с Совета, который представляет стран-участниц. Здесь важно различать Европейский Совет и Совет Европейского Союза (да, это те самые одноименные организации, находящиеся в одном здании). Разница в их составе и политических функциях. Европейский Совет состоит из глав государств и правительств государств-членов и Президента Европейской Комиссии. Этот орган задаёт генеральное направление развития Европейского Союза, принимает основополагающие решения. Совет Европейского Союза же состоит из профильных министров государств-членов. Совет Европейского Союза — в большинстве случаев вместе с Европейским Парламентом — является европейским законодательным органом, который может принимать директивы или же постановления (европейские законы).

Европейский Парламент является законодательным органом ЕС вместе с Советом Европейского Союза. Помимо этого он утверждает бюджет Европейского Союза. В парламенте нет немецкой или польской фракции, а есть консервативная, социал-демократическая, либеральная и другие — депутаты объединяются в политические фракции.

Европейская Комиссия выдвигает предложения по политике и контролирует реализацию принятых решений, что делает ее основным исполнительным органом ЕС.

Комиссия — это коллегиальный орган во главе с Президентом Комиссии, по всем вопросам она принимает коллективные решения.

В Евросоюзе часто возникают разногласия о том, что соответствует европейскому праву, а что является его нарушением. В спорных случаях решения принимает Европейский Суд. В Европейский Суд может обращаться Европейская Комиссия, если она считает, что какое-либо государство-член нарушает европейское право. И наоборот, как государства-члены, так и частные лица и предприятия могут подавать иск на Европейскую Комиссию, если они считают, что Комиссия превышает свои полномочия или же неправильно использует их.

Устройство Евросоюза действительно важно понимать, ведь мы имеем дело с первой в своем роде наднациональной организацией, сложной политической системой. Европа — это обо мне и о тебе. Принимаемые здесь, в Брюсселе, столице Европы, решения все сильнее влияют на всех нас, независимо от того, где мы живем.

Ирина Афанасьева

Эрмитаж: что скрывается в залах одного из главных музеев России?

2023-12-09T11:38:08.317Z

Государственный Эрмитаж — один из крупнейших музеев России и мира. Музейный комплекс, расположенный в историческом центре Петербурга, включает в себя 365 выставочных залов, открытых для посещения. Помимо этого музей имеет филиалы как в самом Петербурге, так и в других городах России.

Эрмитаж и Зимний дворец — не одно и то же

Мы привыкли, что Эрмитажем называют великолепное здание, фасад которого выходит на Дворцовую площадь с одной стороны, и на Неву с другой. То же самое представляется при упоминании Зимнего дворца, однако здесь стоит сделать оговорку.

Эрмитаж — крупный музейный комплекс, главное здание которого включает пять помещений, связанных между собой. Зимний дворец — центральное сооружение, помимо которого есть Большой Эрмитаж, Малый Эрмитаж, Новый Эрмитаж и Эрмитажный театр.

Не только Иорданская лестница, но и древнейший в мире ковер

Любой музей имеет свои визитные карточки — то, ради чего сюда приходят люди. Например, у Лувра — это «Джоконда», у Британского музея — Хоа Хакананаиа, а у Эрмитажа — часы «Павлин». Однако выставочные залы хранят в себе другие, не менее ценные, предметы. Итак, сегодня поделюсь с вами несколькими неочевидными памятниками, которые точно стоит увидеть в Эрмитаже!

Предметы, найденные в Пазырыкских курганах

Железный век, IV-III вв. до н.э. — в районе Алтайских гор процветала пазырыкская культура. Представители поселения — кочевники, занимавшиеся скотоводством и земледелием. У них было немало богатств, ведь жили они неподалеку от крупных торговых путей. Среди кочевников были и настоящие художники (в самом широком смысле слова), произведения которых чудом сохранились до наших дней.

Как и в любой первобытной культуре, в Пазырыке существовала вера в потустороннее. В курганах (захоронениях) оставляли различные предметы, которые могли бы понадобиться умершему в загробной жизни. Уникальны пазырыкские находки тем, что помимо золотых украшений и оружия, сохранились настоящие ткани и фрагменты кожи погребенных!

Сокровища Пазырыкских курганов представлены сразу в нескольких залах Эрмитажа. Здесь посетители могут увидеть древнейшую одежду, оружие, конское снаряжение. Особенно поражают фрагменты кожи с явными очертаниями татуировок, самые ранние из известных сегодня войлочный и ворсовый ковер, а также, вероятно, детские игрушки! Только представьте, все эти памятники датируются IV-III вв. до нашей эры.

Иконы

Несмотря на то, что основную часть коллекции Эрмитажа составляют зарубежные произведения, в музее есть работы русских художников. Ряд залов посвящен древнерусской иконописи. Благодаря тому, что здесь представлены произведения иконописцев XIII-XIX вв. у посетителей есть возможность увидеть, насколько разным может быть настоящее искусство, даже при условии существования определенного канона.

Венера Таврическая — уникальная работа греческих мастеров

Уверена, многие представляют, как выглядят античные скульптуры. Обычно это мраморные фигуры прекрасных юношей и девушек, воплощающие представления о красоте греческих и римских мастеров.

В Эрмитаже открыто несколько просторных залов, в которых посетители могут познакомиться с данными произведениями искусства. Некоторые внимательные зрители замечают слово «копия» рядом со скульптурами. Но не спешите думать, что нас обманывают и скрывают оригиналы. Это не совсем так.

Классическое античное искусство появилось на территории Древней Греции. Именно там были построены первые театры, развивалась вазопись, скульптура и архитектура. К сожалению, до нас дошло не так много памятников того периода. Особенно это касается скульптуры, выполненной не из самых прочных материалов — терракоты или бронзы. Так, к сожалению, многие памятники не сохранились до наших дней.

Однако, благодаря римлянам, которые переняли греческую культуру, мы можем судить об уровне развития искусства Древней Греции. Например, римляне оставили множество мраморных копий с греческих оригинальных скульптур. Именно они и представлены в залах музея.

Но всегда есть исключения. Сегодня нам известно всего два оригинальных греческих произведения — Венера Милосская и Венера Таврическая. Последнюю можно встретить в залах Эрмитажа!

Искусство Золотой Орды

Еще в школе большинство из нас так или иначе слышало про Золотую Орду. Обычно уделяют внимание политике монголов и их завоеваниям. Но любое развитое государство имеет собственную культуру и, конечно, искусство. Золотая Орда не исключение — до нас дошло множество кубков, монет, перстней и др. Часть этих произведений можно увидеть в Эрмитаже.

К музеям можно относиться по-разному: считать их скучными или наоборот ходить на все выставки. Однако я уверена, что некоторые сокровища стоит увидеть каждому! А если не получается посетить Эрмитаж, но очень хочется рассмотреть предметы из этого поста, то онлайн-коллекция музея доступна всем на его официальном сайте.

Моно-но аваре — «Остановись мгновение, ты прекрасно!»

2023-11-29T17:06:12.136Z

Недавно я наткнулась на японскую группу Mono no aware. Понравилась. Переводы текстов посмотрела. А что значит название? Хороший вопрос, ответом на который я сегодня с вами делюсь.

Кто такие лакуны и причем они здесь?

Моно-но аварэ — это термин из категории непереводимых напрямую, то есть он является межъязыковой лакуной для русского языка. По мнение И. А. Стернина, З. Д. Поповой, М. А. Стерниной многие термины традиционной японской эстетики являются межъязыковыми концептуальными (или когнитивными) лакунами для русского языка, так как в русском сознании не существует соответствующих концептов для этих понятий. Например, в русском языке нет концепта «уединённое молчание на природе, сопровождаемое слушанием одного звука (яп. саби)».

С другой стороны, Быкова Г. В. пишет, что если какой-то концепт в языке представлен лакуной, это не означает, что его не существует в национальном сознании носителей языка, а свидетельствует о его коммуникативной нерелевантности. И если концепт, не имеющий определенного названия становится предметом обсуждения, то возникает ситуативная (описательная или окказиональная) номинация.

И как же переводят такие слова?

Так как применение однословных вариантов перевода, сопряжено с потерей часть смыслового наполнения оригинального слова, то приходится толковать их посредством словосочетаний или групп слов. Моно-но аварэ таким образом можно перевести как: «удивление», «восторг», «сердечный трепет», «пафос природы», «грустное очарование вещей», «грустное очарование». Но даже такой способ все равно не позволяет без потерь донести весь концепт, стоящий за этим термином.

Разбирая термин на части, мы можем перевести слово «моно» как «вещь». В этом случае, это всё, что может вызвать аварэ. И вещь в данном случае следует понимать не только как предметы этого мира, но и как чувства людей и самих людей. Аварэ — это «печальное очарование», возникающее при взгляде на «вещи мира».

Один из крупнейших японских ученых XVIII века Мотоори Норинага, фактически заложивший основы японской филологии, давал моно-но аварэ такое определение:

«Когда мы говорим о постижении моно-но аварэ, то подразумеваем, возглас изумления, который срывается с уст, когда дух наш взволнован сознанием того, что увиденное, услышанное или осязаемое есть аварэ. Даже в обыденной жизни люди, бывает, говорят аа или харэ (эмоциональные восклицания — прим. автора). Когда их, например, приводит в восторг созерцание луны или цветов сакуры, они непременно скажут: “Аа! Какие чудесные цветы!” или “Харэ! Какая дивная луна!”. Стало быть, аварэ – это сочетание двух возгласов, аа и харэ».

Как появилось моно-но аварэ?

Моно-но аварэ — это эстетический принцип, которым японская культура пропитана не первый год. Заваруха началась очень давно. Строительством в VIII в. буддистского храма Тодай-дзи («Великого храма Востока») в Нара, можно сказать, завершается двухсотлетний период гигантомании, и с Х в. ведущим принципом становится минимализм. Культура приобретает несколько интровертированный характер: все внимание историков, поэтов и художников сосредотачивалось исключительно на самих себе.

Внимание стали привлекать обыденные вещи, сиюминутные и незаметные: весенние полевые цветы; листья, несущихся по воле ветра в дни поздней осени; солнечные лучи и снежные хлопья на промерзшей черной земле. Вся жизнь проходила внутри четко очерченного круга, размер мира для японцев уменьшился. Отчасти это произошло потому, что в то время они крайне мало путешествовали. Им не приходилось вглядываться вдаль, и о чем-то удаленном обычно писали:

Далеко — далеко,
Где небо сливается с лугом...

Формирование такой «временно-пространственной близорукости» повлияло на появление стремления осваивать мир не столько посредством рациональных категорий, но и через образное и эстетическое восприятие окружающей действительности.

Особенности такого восприятия мира раскрыли себя в поэзии. В танка¹ и вака² очень редко можно найти подробное описание беспредельного пространства или продолжительных временных отрезков с грандиозными событиями. Излюбленной темой становится смена времен года, вписанность человека в круговорот природы. В этот период и формируется понятие моно-но аварэ.

Моно-но аварэ в художественных произведениях

В рамках моно-но аварэ написан первый роман в японской литературе «Хикару Гэндзи-моногатари», или «Повесть о блистательном принце Гэндзи» (XI век н. э.) Мурасаки Сикибу.

В романе показана недолговечная привязанность красавца-принца к самым разным женщинам. Он страдает от того, что причиняет им страдания, но осознает, что это карма, а чувства и эмоции не могут быть вечными: принц влюбляется в одну сегодня, а в другую — завтра. Каждая глава посвящена одной любовной истории и в каждой из них присутствует принцип моно-но аварэ.

Еще один яркий пример из современной литературы — рассказ Харуки Мураками «Сон» из сборника «TV-люди». Героиня, страдающая от бессонницы, рассуждает о своей жизни до того как она совсем перестала спать:

«Я вела дневник, однако, если забывала записать дня два или три, потом уже не могла понять, что в какой день было. Если вчера и позавчера поменять местами, ничего удивительного не было бы. Иногда я думаю: что у меня за жизнь? И все равно не чувствую пустоты. Просто удивляюсь. Факт, что вчера не отличить от позавчера. Факт, что я, являясь частью этой жизни, поглощаюсь ею. Факт, что я не успеваю даже осознать оставленные мной следы, как их уже сметает ветер. В такие моменты я смотрю на свое лицо в ванной. Минут пятнадцать внимательно всматриваюсь. В голове пустота, ни о чем не думаю. Просто разглядываю свое лицо как посторонний предмет. И тогда мое лицо постепенно начинает отделяться от меня. Просто существует одновременно со мной. Я осознаю: вот она реальность. Никакого отношения к следам. Вот так я существую одновременно с реальностью, это наиболее важно».

Среди аниме, особенно ярко моно-но аварэ проявляет себя, на мой взгляд в адаптации Исао Такахатой и Studio Ghilbi одноименной манги Хотару Окамото и Юко Тонэ «Только вчера». Это история о Таэко Окадзиме, 27-летней офисной работнице в Токио, которая на протяжении всего фильма переживает моно-но аварэ, когда отправляется навестить родственников в деревню. Сельская местность навевает на ней воспоминания о детстве, и вы вместе с ней оказываемся втянуты в это горько-сладкое ностальгическое путешествие, которое должно помочь ей разобраться в себе.

Таким образом, пытаясь суммировать все вышесказанное, можно сказать, что моно-но аварэ — это и связь между красотой и печалью окружающего мира, и ее созерцание, и чувство ностальгии, и едва уловимое переживание гармонии объективного и субъективного, и печали от человеческого несовершенства и быстротечности его жизни.

На самом деле, моно-но аварэ дало название тем ощущениям, которые я много раз испытывала, но не знала как обозвать. Я склонна думать, что все хоть раз испытывали что-то подобное. Наблюдая за тем как дети играют во дворе, в котором прошло и ваше детство, смотря как первый снег медленно покрывает землю, сигнализируя о приближении зимы, а там и весны. И все это так циклично: и эх, и аа, и харэ, в общем, вы поняли, моно-но аварэ, друзья! Делитесь опытом, что у вас вызывает подобные чувства?

Танка («короткая песня») — лирическое стихотворение, состоящее из 31 слога с чередованием пятисложных и семисложных метрических единиц (5–7–5–7–7).
Вака — японский средневековый поэтический жанр. Название жанра вака возникло в период Хэйан для отличия собственно японского поэтического стиля от преобладавшего в то время жанра китайской поэзии канси. Его поджанры танка (краткая песнь) и тёка (долгая песнь).

Список литературы:

Гудимова С.А. Символы японской эстетики // Вестник культурологии. 2017. №3 (82)
Данилова Юлиана Николаевна Восприятие пространства и времени в японской культуре // Вестник Курганского государственного университета. 2011. №3 (22)
Шибико Ольга Сергеевна Термины традиционной японской эстетики как межъязыковые лакуны в русском языке // Филологические науки. Вопросы теории и практики. 2019. №10
Татьяна Петровна Григорьева. Японская художественная традиция Библиотека всемирной литературы. Классическая поэзия Индии, Китая, Кореи, Вьетнама, Японии.) Изд. «Художественная литература». М. 1977г.
Евгений Антонов Ваби-саби, сатори и макото: как принципы японской эстетики помогают понять скрытую красоту вещей и быстротечность жизни и как они повлияли на менталитет японцев URL: https://paperpaper.ru/vabi-sabi-satori-i-makoto-kak-principy/
Скворцова Е.Л. Ониси Ёсинори - теоретик японской эстетики. Философские науки. 2016;(12):98-109 с.
Быкова, Г. В. Лакунарность как категория лексической системологии / Г. В. Быкова. — Благовещенск: Изд-во БГГТУ, 2003. — 277 с.
Кин Д. Японская литература XVII – XIX столетий. М., 1978.

Художник, писатель, музыкант. Кем был основатель русского театра?

2023-11-24T14:33:59.894Z

Одним из древнейших видов искусства является театр. Его появление связано с религиозными обрядами, которые обычно сопровождались песнями, танцами и небольшими сценками. История развития театрального искусства уникальна для каждого отдельного региона — сегодня поговорим о том, как, когда и кем был основан первый профессиональный театр в России.

Франческо Бартоломео Растрелли, Большой Екатерининский дворец / А.П. Лосенко, Портрет А. П. Сумарокова / И.П. Аргунов Портрет неизвестной в русском костюме

Как много нам открытий чудных...

Искусство Российской империи второй половины XVIII века переживало свой расцвет. В это время были созданы великие произведения: Франческо Растрелли спроектировал Большой дворец в Петергофе и в Царском селе, Иван Аргунов написал «Портрет неизвестной в русском костюме», а Каспар Преннер — полотно «Конный портрет Елизаветы Петровны со свитой». В это же время окончательно сформировался постоянный профессиональный театр.

Стоит уточнить, что российский зритель был знаком с зарубежными постановками — в Петербург регулярно приглашали европейские труппы. Также при дворе существовала группа кадетов, разыгрывающих для императрицы трагедии Сумарокова, одного из первых отечественных драматургов. Но большой шаг в развитии полноценного российского театра сделал Федор Григорьевич Волков — художник, писатель и музыкант.

А.П. Лосенко, Портрет Ф.Г. Волкова

Человек-оркестр

О ранних годах его жизни известно немного. Волков родился в Костроме в 1729 году в купеческой семье. Когда Федор был еще ребенком, его отец умер, после чего мать вышла замуж за ярославского купца Полушкина. Семья не имела финансовых трудностей. Более того, Полушкин, осознавая важность образования, отдал юного Федора Волкова на обучение к пастырю герцога Бирона. Считается, что именно он заинтересовал мальчика театром.

Федор был талантливым ребенком. Заметив это, Полушкин отправил его в Славяно-греко-латинскую Академию в Москву. Проучившись там около трех лет, Волков глубоко погрузился в музыку, к которой у него с детства были способности. Однако самое главное, что именно в стенах Академии юный Федор стал участвовать в создании учебных спектаклей.

Поворотным моментом оказалась поездка в Петербург, благодаря которой Федор Волков впервые побывал в настоящем театре. Опера настолько заинтересовал юношу, что он стал посещать все городские представления, общаться с артистами, узнавать тонкости постановочного процесса. Однако вскоре будущий режиссер был вынужден вернуться в родной Ярославль, где впоследствии он организует собственный театр.

Драматический театр им. Ф.Г. Волкова в Ярославле

Весь мир — театр

Итак, 29 июня 1750 года в амбаре с каменными сводами состоялась премьера драмы «Эсфирь», поставленной Федором Волковым. Спектакль исполняла собранная режиссером труппа местных артистов. Важно, что ими стали не приглашенные из других стран исполнители и не случайные любители, собравшиеся ради одного выступления, — Волков впервые организовал постоянную труппу.

Позже, на средства, пожертвованные местными купцами, Волков построил для своего театра отдельное помещение. С тех пор на этой сцене регулярно показывали трагедии Сумарокова, комедии Мольера и драмы митрополита Дмитрия Ростовского. Ко многим спектаклям Волков самостоятельно писал музыку и создавал декорации.

Спустя два года до Петербурга дошли слухи о новом ярославском театре и Федор Волков со своей труппой был приглашен к императорскому двору. Приняв гостей в Царском Селе, Елизавета Петровна повелела ярославцам поставить пьесу Сумарокова «Хорев». Спектакль был высоко оценен как императрицей, так и самим Сумароковым. С тех пор в Российской империи официально появился первый постоянный театр — он до сих пор работает в Ярославле.

Это и есть тот финал, за который мы отдали свои сердца?

2023-11-18T14:16:19.866Z

Мы любим трагедию. Мы обожаем конфликты. Нам нужен Дьявол, а если Дьявола нет, мы создаем его сами. Это не хорошо и не плохо. Это просто способ существования человеков. Они так устроены, люди. Рыбки плавают. Птички летают.
Чак Паланик «Призраки»

«Это и есть тот финал, за который мы отдали свои сердца?» — вопрос, который задает Леви образам погибших товарищей из разведкорпуса. Он отчасти актуален и для нас.

4 ноября вышла финальная серия Атаки титанов, закончился этот сон длиною в 10 лет, и осознание этого, если честно, приходит с трудом. Теперь ждать больше нечего и остается только пытаться осмыслить увиденное.

Это не глубокий анализ произведения, а попытка понять, что это все значило не в масштабах мировой культуры, а в масштабе меня самой. «Это было навсегда, пока не кончилось».

Аниме на аве — здоровья маме

Как и многие, впервые я столкнулась с «Атакой титанов» в 2013 году, когда она только вышла, но осилить ее целиком смогла лишь два года назад. И уже не одна в своей комнате, а с друзьями, разделяющими мое увлечение. Эмоции одолевали нас при первом просмотре — при смене масштаба конфликта, который расширил свои границы до реального мира. Кучу раз приходилось хвататься за голову, куча догадок была высказана, кучу раз было спето «сасагео».

«Атака титанов», на мой взгляд, сильно повлияла если не на популяризацию аниме в мире, то на более лояльное к нему отношение, за счет того, что с определенного момента она постоянно была на слуху. И теперь уже с гордостью можно сказать, что ты «анимешник» (лол) с незапамятных времен, не увидев при этом искривленное лицо собеседника.

Послевкусие от финала горькое. Хэппи-энда не случилось, и это было предрешено с того момента, когда стало понятно, что и в том мире главный источник зла — человек. Когда этот мир стал до омерзения напоминать наш, и нам пришлось вновь убеждаться в том, что вражда не закончится никогда, какой бы ценой не был достигнут хрупкий мир.

Несмотря на то, что развязка истории мне была известна достаточно давно, урона от этого я не ощутила, так как экранизация все равно не позволяла оторвать от себя взгляда. Многие сцены впечатлили меня намного сильнее, чем при прочтении манги благодаря музыкальному сопровождению и озвучке. Сделано с размахом, экшн не сбавляет хода, да и 3D-анимация уже не так бросается в глаза. В общем, минусы искать не приходится, да и разве за этим мы тут собрались спустя 88 серий?

Мы любим трагедию

«Атака титанов» — это трагедия мира и трагедии отдельно взятых людей (мы постоянно перепрыгиваем с крупного плана на общий и обратно). И для нас это, в первую очередь, трагедия Эрена, ставшего рабом обретенной свободы, на которого была возложена непосильная ноша, ответственность, которую он не хотел на себя брать, выбор, который пришлось сделать, жертва, на которую впоследствии пришлось пойти и которая едва ли оправдала себя.

Это и трагедия Райнера, который в попытках искупить свою вину за содеянное стремится при каждой удобной возможности умереть. Трагедия Армина, осознавшего, что люди никогда не смогут понять друг друга. Трагедия Микасы, которой во имя спасения мира пришлось убить того, кого она любила и за кого сама она была готова отдать жизнь. Трагедия мира, восемьдесят процентов которого было истреблено. Ради чего? Цикл не прервался, приторно-сладкого утопического мира не получилось. И в этом сложившемся устое, где мы лишен возможности влиять на что-либо, не остается ли человеку лишь начать ценить жизнь, больше, чем смысл жизни?

Каждый выносит после просмотра свои выводы, и для меня «Атака титанов» была и остается большим антимилитаристским высказыванием. И та нота обреченности на которой все закончилось ему соответствует. Отвечая на вопрос в названии, я могу сказать — да, за этот финал я отдала свое сердце, отдала множество часов своей жизни и сделала бы это еще раз, появись у меня возможность выбирать заново. Спасибо за эту историю, за пережитые эмоции и за вынесенные уроки, за оставленные в воздухе вопросы, на которые нам еще предстоит найти ответы.

Это было по любви с самой первой до самой последней серии.

Мы очень мало говорим о 2004 годе и зря.

2023-11-16T09:54:32.128Z

В 2004 году вышло сразу три невероятных альтернативных альбома, которые перевернули представление о инди-музыке как таковой и до сих пор звучат прогрессивно и свежо, хотя и прошло почти 20 лет.

Вообще хочется отметить, что не всегда что-то очень экспериментальное и уникальное двигает индустрию вперед. Очень часто хорошие популярные работы становятся ключевыми для индустрии в моменте и пролонгировано. И вообще популярная музыка — это не плохая музыка, что очень часто пытаются транслировать в претенциозных кругах.

О трёх знаковых для всей музыки альбомах, которые вроде как не выделяются чем-то выдающимся рассказываю сегодня.

1. Arcade Fire «Funeral». Альбом Arcade Fire стал одним из лучших музыкальных альбомов XXI века вообще, получил высокие оценки критиков и открыл общественности одну из самых трогательных песен о любви всех времен и народов — Crown of Love. Магически гипнотические песни о жизни и разных ее проявлениях, нежные гимны любви, грусти и свету, музыка завораживает, благодаря ее плотности и насыщенности. Альбом создает полноценную картинку, при этом каждая песня абсолютно самодостаточная.

Вообще это истории о маленьких людях и их маленьких проблемах и чувствах, которые под определенным углом становятся сказочными. Поэтому и неудивительно, что именно песня из этого альбома Wake Up звучит в трейлере фильма «Там, где живут чудовища».

2. The Killers «Hot Fuss». Первый альбом группы «Убийцы» (не той, что с Древляниным) помог ей сразу стать одной из лидирующих в начале столетия. А песня Mr. Brightside настолько въелась под кожу жителей англоговорящих стран, что там очень популярны мемы о том, что она — реальный гимн, текст которого знают вообще все (см. комменты). А еще Mr. Brightside дает мне столько эндорфина, сколько не дает ни одна другая песня — песня об измене, которая заставляет жить — это особая категория песен, в которых очень просто перейти грань, но The Killers работают филигранно. Просто фиксируя собственные ощущения и то, что он видит (как акын практически), Флауэрс переживает травмы (уважаемо) и дает себе и слушателю заряд идти дальше. Во много, безусловно, истерический.

Ну и, конечно, именно этот альбом подарил нам The Murder Trillogy — трилогию песен группы про убийство Дженни, основанную на реальном кейсе preppy killer — Роберта Чемберса (во многом это спекуляция, но связь с реальным кейсом отрицать сложно, учитывая сколько совпадений и фактов есть у фанатов). Песни Leave the Burbon on the Shelf (вышла в 2007 уже году, но написана раньше всех), Jenny Was a Friend of Mine и Midnight Show создают одну историю убийства девушки ее бойфрендом во время свидания. На концертах Флауэрс подыгрывает этой мистификации, подтверждая существование Мердер Трилоджи, и поет:

«she kicked and screamed while I held her throat»

вместо

«she couldn't scream while I held her close».

Такой вот Брендон Флауэрс затейник.

Собирать песни в одну историю до сих пор интересно и весело, будто бы они вышли вчера. Да и мало кто строит сейчас такие мистификации вокруг своего творчества, кто создает такие неочевидные сюжеты, по настоящему заставляя слушателя думать, искать и вступать в метаигру (это вам не банальный альбом-антиутопия).

3. Interpol «Antics». Если вас не выносит с первого же «роузмери» в песне Evil, то мне сложно воспринимать вас как реального человека. Монотонные песни Интерпола — это будто бы миллениальское переосмысления пост-панка, Джой Дивижн если бы у Кертиса не было клинической депрессии. Веселые, но хтонические песни Interpol не мимикрируют под упомянутых Joy Division или Depeche Mod (дипи шмот), они создают собственный узнаваемый стиль группы, во многом благодаря особенному голосу солиста Пола Бэнкса.

Хочется отметить, конечно, что никакого здесь глубокого переосмысления музыки прошлого и музыкальной индустрии после смерти панка нет. Это не поиски конца 80-х музыкантами пост-панка способов примирить свое эстетство с бунтарством, нет. Интерпол использует музыкальные особенности этого жанра в своем в творчестве, но интеллектуально никак не перерабатывает их — это просто хорошие песни о людях. И, на самом деле, разве нам нужно что-то еще?

В общем, Северная Америка в 2004 году показала, что настоящая музыка не умерла с приходом y2k. Я очень советую послушать упомянутые альбомы, выборку песен из каждого я объединила в плейлист для удобства (и вся Мердер Триллоджи там тоже есть, а вот Arcade Fire нет — они удалили все свои песни из Яндекс.Музыки). И, конечно, делитесь любимыми песнями с них и любимыми работами вышедшими в 2004 году в комментариях. Посмотрим, какой разный 2004 год для каждого человека.

Дарья Матысяк.