Lev

Сюжет «купания» в произведениях разных художников

2020-11-02T20:05:14.212Z

Вашему вниманию представляю «подборку» картин на тему купания, купальщиц, купальщиков, но авторства разных художников и в разных стилях.

В теме «купания» важнейший обряд и таинство, связанные с водой - Крещение.

Крещение Христа, Леонардо да Винчи, 1475

Именно этот момент изображён многими художниками XV века: Сандро Боттичелли, Пьетро Перуджино, Джованни Беллини, Жан Фуке и другие.

«Фома Аквинский в Сумме теологии (III, 66, 3) писал, что «вода является надлежащей материей крещения» (aqua est propria materia Baptismi)».

Крещение Христа, Пьетро Перуджино, 1498 - 1500

В Античной культуре придавали значение чистоте тела. В Древней Греции существовали известные греческие бани - термы. В Древнем Риме по греческому образцу были созданы римские термы, которые были центром общественной жизни.

Лоуренс Альма-Тадема, Любимый отдых, 1909, Как иллюстрация античных терм

Таким образом вода и очищение человека как связанные понятия существуют издревле.

Джорджоне, Примерно 1500 год, Юноша с гитарой и две девушки на берегу реки

Интересно узнать как видели и как изображали купание людей или людей, взаимодействующих с водой.

Возрождение (Ренессанс)

Паоло Веронезе, Актеон и купающиеся нимфы, 1560

Барокко

Габриель Метсю, Охотник, одевающийся после купания, 1656

Рококо

Франсуа Буше, Купание Дианы, 1742

Романтизм

Эжен Делакруа, Купальщицы, 1854

Бидермайер

«(от нем. biedermeier -простодушный, обывательский) - это направление в немецком и австрийском искусстве, популярное в первой половине XIX века. Стиль являет собой некоторую смесь ампира и романтизма, в которой эстетическое богатство ампира преобразовывается в картину камерного домашнего уюта».

Карл Шпицвег, Купальщицы (Купающиеся нимфы), 1859

Импрессионизм

Клод Моне, Купальщицы в Ла Гренуйере, 1869

Ранний импрессионизм с элементами академизма

Жан Фредерик Базиль, Летняя сцена (Купальщики), 1869

Салонный академизм

Вильям Бугро, Купальщица, 1879

Символизм

Константин Сомов, Купальщицы, 1899

Примитивизм

Пабло Пикассо, Вытирающиеся купальщики, 1908

Постимпрессионизм

Морис Дени, Купальщицы в сумерках,1912

Экспрессионизм

Эдвард Мунк, Купающийся мужчина, 1918

Фовизм

Казимир Малевич, Купальщицы, 1930

Метафизическая живопись

Джорджо де Кирико, Купальщицы на пляже, 1934

Кубизм

Андре Лот, Купальщица, 1957

Социалистический Реализм

Дмитрий Жилинский, У моря, Семья, 1964

Неоэкспрессионизм

«Направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970 и доминировало на арт-рынке до середины 1980. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970».

Василий Рябченко, Купальщица, 1988

Реализм

Владимир Гусев, Купальщицы. 2014

Сюрреализм

Виталий Сергиенко, Купальщица, 2018

«Каждый видит по-своему», старая как мир фраза.

#искусство

#живопись

#художник

Скандальный шедевр Уистлера: «Павлинья комната»

2020-10-31T19:35:10.048Z

Роскошь, краски, экзотика... Для тех, кто знает «Мать» Уистлера в варианте мистера Бина, как и для тех, кто досконально знает историю этого серьезного произведения: преподносим вам совершенно другой культовый объект мастера. Что бывает, когда судоходный магнат уезжает, поручив художнику оснастить зал для коллекции экзотики?

Куда подевались гранаты, изображенные на старинных кожаных обоях и как Джеймс Макнил Уистлер отомстил своему заказчику, отказавшемуся платить за павлинов?

Рассказываем о бурных страстях, разыгравшихся вокруг «Павлиньей комнаты», и показываем шедевр во всех ракурсах.

Павлинья комната

Перед тем, как стать «Павлиньей комнатой», чьи стены украсили росписи талантливого американца Джеймса Макнила Уистлера, это помещение было столовой в лондонском особняке Фредерика Лейланда. Судоходный магнат коллекционировал китайский фарфор и мечтал превратить одну из комнат в небольшую галерею, где его собрание было бы представлено во всей красе.

Можно считать, что история Павлиньей комнаты началась в 1844 году, когда небогатая английская дама Энн Джейн Лейланд убедила ливерпульскую компанию «John Bibby & Sons» принять на работу ее сына Фредерика. И юноша, и его мать, и крупнейший оператор морских торговых путей - все остались в выигрыше. Лейланд сделал карьеру и 1861 году стал партнером компании, на которую отработал 17 лет.

Укрепив свои финансовые позиции, он наконец-то получил время и средства, дабы отдаться любимому хобби -коллекционированию произведений искусства. Фредерик Лейланд обожал прерафаэлитов, покупал полотна Данте Габриэля Россетти, Джеймса Уистлера, Альберта Мура, Эдварда Берн-Джонса, увлекался эпохой Возрождения, а также коллекционировал китайский фарфор.

В 1873 году, после распада фирмы, на которую проработал всю жизнь, Лейланд выкупил у братьев Бибби 21 судно и сменил название компании на «Leyland Shipping Line», став ее полноправным хозяином. Его лондонский дом на Princes Gate, 49, требовал реконструкции, и после раздумий Лейланд нанял архитектора Ричарда Шоу.

Джеймс Эббот Макнил Уистлер

2020-10-30T19:47:08.117Z

Джеймс Эббот Макнил Уистлер (англ. James Abbot McNeill Whistler) – выдающийся американский художник, один из главных героев такого направления как тонализм, участник знаменитого Салона отверженных 1863 года, почетный член Академии художеств в Мюнхене, кавалер Ордена Почетного легиона, автор трактата «Изящное искусство создавать себе врагов». Ученик Шарля Глейра.

Родился 10 июля 1834, Лоуэлл, штат Массачусетс, США, скончался 17 июля 1903, Лондон, Великобритания.

Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872, Институт искусств в Детройте, США.

Хотя принято считать, что тонализм состоит в ближайшем родстве с импрессионизмом, Уистлер был солидарен с импрессионистами далеко не во всем. В частности, он не одобрял культ пленэра и говорил, что «писать с натуры лучше всего дома».

Особенности творчества художника Джеймса Уистлера: для картин Уистлера характерны нетрадиционные цветовые решения, почти «акварельная» прозрачность и «музыкальные» названия: свои работы Уистлер нередко называл «ноктюрнами», «Симфониями» и «Импровизациями».

Джеймс Эббот Макнейл Уистлер родился в России в 1844 году. То есть, конечно, найдутся зануды-биографы, которые поправят: не в России, а в американском городе Лоуэлл (штат Массачусетс) и не в 44, а на десять лет раньше. Но сам Уистлер (в те времена еще не Джеймс Эббот Макнейл, а просто Джимми) часто говорил, что родился - как художник и личность - когда приехал к отцу, военному инженеру, проектировавшему в Петербурге Николаевскую железную дорогу.

В 11 лет он начал брать уроки рисования у Александра Корицкого – папиного подчиненного, студента Императорской академии художеств. Корицкий водил мальчика в музеи, возил его в Петергоф, знакомил с петербургской архитектурой. В доме Уистлеров часто бывал наставник Корицкого – Карл Брюллов, за ужином взрослые много и с удовольствием спорили об искусстве. Плотность прекрасного вокруг была столь высока, что дальнейшая судьба Джеймса Уистлера была предопределена – у него не было другого выбора, кроме как стать великим художником.

Джеймс Уистлер. «Гармония в сером и зеленом: Портрет мисс Сесили Александер» 1872

В 12 лет Джеймс, подававший большие надежды, был зачислен в Академию художеств – сразу на второй курс и за казенный счет. Увы, на его пути вскоре возникло неожиданное препятствие. Опасаясь, что эпидемия холеры (свирепствовавшая в те годы в России) доберется до столицы, Джордж Уистлер отослал сына в Штаты.

Опасения не были напрасными: Джордж умер от осложнений холеры в 1849 году. По настоянию матери, рассчитывавшей, что Джеймс продолжит дело отца, юноша поступил в военную академию Вест-Пойнт.

Нужно ли говорить, что после шести волшебных лет в Петербурге, учеба в Вест-Пойнте казалась Уистлеру невыносимо скучной? Он никогда не был фанатом дисциплины. Среди искусствоведов популярна легенда о том, как молодой Уистлер рисовал на уроке мост. Вместо скупого чертежа Джеймс изобразил реку, покрытые сочной травой берега и соединяющий их изящный каменный мост. На мосту он разместил двоих детей, удивших рыбу. «Уберите детей с моста! – потребовал рассерженный ментор. – Это же чисто инженерное задание!» Уистлер стер детей с моста и нарисовал их с удочками на берегу. Разумеется, преподаватель впал в ярость и потребовал «убрать детей совсем». Уистлер подчинился. На работе, которую он сдал в следующий раз, уже не было никаких детей. Зато на берегу виднелись два скорбных могильных камня.

В конце концов, Уистлер завалил экзамен по химии, и был отчислен из Вест-Пойнта – к немалому своему облегчению.

Джеймс Уистлер. Портрет Матери. Аранжировка в сером и черном. 1871 Музей д’Орсе, Париж

Едва дождавшись совершеннолетия, Джеймс Уистлер отправляется в Париж – город, в котором (как ему кажется) никто не станет наказывать его за детей, мирно удящих рыбу с моста.

В Париже Уистлер учится у Шарля Глейра – преподавателя, в чьей мастерской в разные времена занимались Сислей, Ренуар, Моне. Он вращается в богемных кругах, живет на широкую ногу, никогда не отказывает себе в удовольствии украсить интерьер дорогим веером или ориентальной ширмой (увлечение Уистлера японской культурой приобретает в те годы характер одержимости). Равно как и в каких-либо других удовольствиях.

Несмотря на то, что копии Веласкеса или Рембрандта (которые Уистлер делает на заказ) приносят какой-никакой доход, он периодически оказывается на мели. Впрочем, это его не тяготит: быть в Париже нищим и вместе с тем расточительным художником – немеркнущая классика. Постепенно Уистлер приобретает известность среди коллег: в частности, его первую большую картину «У рояля» восторженно принимает маститый парижский реалист Гюстав Курбе.

В 1857 году Уистлер едет в Англию, которая производит на него могучее впечатление. По возвращению в Париж, он работает над циклом офортов, изображающих Темзу, а в 62 участвует в выставке в Лондонской королевской академии. В декабре 62 Джеймс Уистлер в компании своей подруги Джоанны Хифферман покидает Париж, чтобы навсегда поселиться в Лондоне. И, возможно, совершает одну из главных своих ошибок.

Джеймс Уистлер. Набережная Черного Льва (гравюра). 1859

Дело в том, что Джеймс Уистлер был завзятым пижоном или, как сказали бы сейчас, – хипстером. Он мог появиться на улице с ядовито-лимонным зонтом вместо трости, надеть пурпурные носки или украсить карман пиджака розовым платком. По меркам XIX века все это было сродни тому, что сейчас носит, к примеру, Мерилин Мэнсон. «Вы – один из самых странных людей в Париже. Хорошо еще, что вы – гений», - сказал однажды Уистлеру Эдгар Дега. Однако то, к чему терпимо относились в Париже, нервировало чопорных обитателей Челси: лондонцы считали Уистлера позером и выскочкой.

Сейчас в это трудно поверить, но не менее эпатирующими современники находили и его картины. После переезда в Лондон, Уистлер часто бывал в Париже, можно сказать, что он жил на две столицы. И в обеих успевал получить свою порцию тумаков от критиков и публики.

В 1863 он принял участие в знаменитом Салоне отверженных – выставке картин, не принятых жюри «основного» Парижского салона. Конечно, главной «жемчужиной» в 63 стал скандальный «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. Но и картине Уистлера «Симфония в белом № 1. Девушка в белом» досталось изрядно: белое на белом – что за варварская цветовая гамма!

В основном, художнику перепадало за его палитру. Уистлер превыше сюжета, «похожести» или тщательно выписанных деталей ценил настроение. И старался передать его в первую очередь за счет цвета. Годы спустя, то, что он делал в середине XIX века, выльется в весьма модное ответвление импрессионизма – тонализм. Но современникам его невесомые, почти акварельно прозрачные полотна казались вычурной эстетской дичью.

Уистлера критиковали яростно и безоглядно. Его привычка писать не на пленере, а по памяти, «по впечатлению». Его приверженность восточным мотивам. Его страсть давать картинам музыкальные названия – все эти «ноктюрны», «симфонии» и «аранжировки». Его краски и, конечно, его носки – все становилось объектом нападок.

Через 10 лет после парижского Салона отверженных в Лондоне состоялась первая персональная выставка Уистлера. И обернулась для него финансовым крахом.

Вопреки неудачам Уистлер продолжал сражаться с реальностью по обе стороны холста.

Разумеется, дело было в творческом мировоззрении. Однако, описывая войну, которую Уистлер вел с реализмом, нельзя не упомянуть один вполне житейский нюанс.

Однажды его подруга – Джоанна – пошла позировать к старому приятелю Уистлера Гюставу Курбе (напомним, одному из главных парижских реалистов XIX века). И не вернулась. С тех пор Джеймс Уистлер чаще всего употреблял слово «реализм» в соседстве со словом «проклятый».

В конце концов, Уистлера признали. Признали коллеги, критики, публика. Признали – что важно - при жизни. Его картины удостаивались высоких наград по обе стороны Атлантики. В 1884 его избрали почетным членом Академии художеств в Мюнхене. В 92 наградили Орденом Почетного Легиона в Париже. И все же признание оказалось запоздалым – в письмах друзьям Уистлер все чаще жаловался на душевный износ и физическое истощение.

Художник в своей студии, 1865

Нужно заметить, что экспозиции, которые Уистлер организовывал, начиная с 80, тоже стали революцией. Он сам придумывал сценарии для открытия выставок, сам делал рамы для картин, сам разрабатывал «униформу» для смотрителей музеев, сам выбирал цвета, в которые надлежало покрасить стены. С некоторых пор он отдавал предпочтение желтому. Сотрудники галерей в желтых ливреях встречали гостей, раздавая им желтые галстуки-бабочки, сам Уистлер, разумеется, являлся на открытие в желтых носках и так далее.

В 1903 году Уистлер – уже тяжело больной - готовил большую ретроспективную выставку своих картин, по обыкновению работая над каждой мелочью. До открытия он не дожил – ретроспектива состоялась лишь через два года после его смерти.

Можно спорить о том, какая из его картин имеет больший вес для истории живописи. Но главное наследие Уистлера – пожалуй, его приверженность идее, что мир можно сделать красивее и лучше, двигаясь от малого к большому. От рамы – к картине. От картины – к стене, на которой она висит. От стены – к фасаду, улице, кварталу, городу, стране, планете, мирозданию. Судя по нынешнему облику мироздания, Уистлер многое не успел. Но он, по крайней мере, пытался.

#музей

#арт

#выставка

#искусство

#красота

#живопись

#художник

Лондонская национальная галерея

2020-10-28T11:51:59.347Z

Лондонская национальная галерея - музей в Лондоне на Трафальгарской площади, содержащий более 2000 образцов западноевропейской живописи XIII - начала XX века. Входит в первую пятёрку самых посещаемых художественных музеев мира. Картины в галерее экспонируются в хронологическом порядке.

Лондонская национальная галерея — музей в Лондоне на Трафальгарской площади

История галереи

Галерея открыта 9 апреля 1839 года. Иногда датой основания считают май 1824 года, когда у наследников банкира Джона Джулиуса Ангерштейна была приобретена его коллекция из 38 картин, которая послужила ядром будущей галереи. В 1824 году правительство решило приобрести эту коллекцию: пять пейзажей Клода Лоррена, полотно Себастьяно дель Пьомбо «Воскрешение Лазаря», картины «Венера и Адонис» Тициана, «Похищение сабинянок» Рубенса, хогартовскую серию «Модный брак», портрет адмирала Хитфилда кисти Рейнольдса и «Деревенский праздник» Дейвида Уилки.

Картины выставлялись на улице Пэлл-Мэлл в доме № 100. 2 апреля 1824 парламент постановил выделить на покупку 57 тысяч фунтов стерлингов вместе с 3 тысячами фунтов на нужды галереи на первых порах. Затем Джордж Хоулэнд Бомонт, британский меценат и живописец-любитель, сыгравший важную роль в создании Лондонской национальной галереи, пополнил коллекцию новыми картинами, среди которых были «Дом каменотеса» Каналетто, «Орест и Пилад» Уэста, «Слепой скрипач» Уилки, «Пейзаж с замком Стен» Рубенса. Число картин достигло 54.

В 1831 году галерея пополнилась большим числом картин, завещанных коллекционером Холуэлл-Карром («Святой Георгий» Тинторетто, «Святое семейство» Тициана, «Святое семейство» Андреа дель Сарто, «Купающаяся в ручье женщина» Рембрандта). В 1831 году в галерее насчитывалось 105 картин.

Рост количества экспонатов вызвал необходимость в обеспечении соответствующего помещения. В 1831 году началась постройка здания по проекту архитектора Уильяма Уилкинса на северной стороне Трафальгарской площади. В 1838 галерея была торжественно открыта для публики.

В 1836 году был издан первый каталог всего собрания в двух томах, в которых были даны гравированные воспроизведения всех 114 картин с подробным описанием каждой из них.

В 1838 году по завещанию лорда Фарнборо галерея пополнилась такими картинами, как «Вечер» Рубенса, «Пейзаж с закатом солнца», «Водопой», «Телега, едущая на рынок» Гейнсборо, «Хлебное поле» Констебла.

В 1847 году Роберт Верон подарил галерее 156 картин английских художников. В 1851 после смерти Джозефа Маллорда Уильяма Тёрнера по завещанию художника в фонд музея перешло 300 его картин и 19 тысяч рисунков и акварелей. В 1857 приобретена коллекция Ломбарди-Бальди (картины Дуччо, Маргарито из Ареццо, Паоло Уччелло). В 1860 году был приобретены десять разрозненных панелей полиптиха хорватского художника падуанской школы Джорджо Скьявоне из церкви Святого Николая в Падуе.

В 1869 году галерея получила пять новых залов.

В 1874 году сэр Фредерик Уильям Бёртон получил назначение на пост директора Лондонской национальной галереи, сменив сэра Уильяма Боксолла. В июне 1874 года он получил специальный грант на приобретение художественной коллекции Александра Баркера, которая включала картины Пьеро делла Франчески и «Венеру и Марса» Боттичелли. В 1876 году галерея пополнилась 94 картинами от Уинна Эллиса -преимущественно произведениями голландских художников, а также работами Поллайоло, Дирка Баутса и Каналетто. В этом же году добавилась пристройка к галерее Барри в восточном крыле. В 1884 куплены «Мадонна Ансидеи» Рафаэля и «Конный портрет Карла I» Ван Дейка. Затем последовали «Послы» Ганса Гольбейна младшего и «Дон Адриан Пулидо Пареха» Диего Веласкеса (впоследствии приписана помощнику Веласкеса -Хуану Батиста Мартинесу дель Мазо).

В 2013 году годовой поток посетителей галереи впервые превысил 6 миллионов человек. В этот период её возглавлял Николас Пенни, при котором была проведена самая успешная выставка в истории музея -«Леонардо да Винчи, живописец при дворе в Милане», -а также ряд крупных выставок таких художников, как Веронезе, Рембрандт и др. В 2014 году Николас Пенни накануне своего 65-летия, после шести лет работы на должности директора Национальной галереи объявил, что покидает этот пост. По словам Марка Гетти, председателя совета попечителей галереи, Пенни «был чрезвычайно успешным директором... Под его руководством были приобретены, совместно с Национальной галереей Шотландии, два великих полотна Тициана -«Диана и Актеон» и «Диана и Каллисто».

В 2015 году на пост директора заступил 49-летний Габриэль Финальди. Британский гражданин, уроженец Лондона, он начал работать с Национальной галереей в 1995 году; под его кураторством здесь прошли выставки «Испанский натюрморт: от Веласкеса до Гойи» (1995), «Открытие итальянского барокко» (1997), «В поиске спасителя: образ Иисуса Христа» (2000) и др. С 2002 года Финальди работал в мадридском музее Прадо.

#музей

#арт

#выставка

#искусство

#красота

#живопись

#художник

Гюстав Курбе

2020-10-27T18:24:09.646Z

Жан Дезире Гюстав Курбе (фр. Jean Desire Gustave Courbet; 10 июня 1819, Орнан, Франция - 31 декабря 1877, Ла-Тур-де-Пельз, Швейцария) – выдающийся живописец, один из основателей и ключевая фигура французского реализма. В период Парижской коммуны занимал должность комиссара по искусству. Позднее был обвинен в сносе знаменитой Вандомской колонны и вынужден эмигрировать в Швейцарию.

Жан Дезире Гюстав Курбе

Особенности творчества художника Гюстава Курбе: отказ от романтических трактовок в пользу жизненной правды – наиболее эта особенность заметна в его жанровых картинах; кроме того, Курбе была свойственна сатирическая интонация, которая отделяет его произведения от более позднего французского натурализма.

Осенью 1839 года в Париж прибыл молодой человек при шляпе и щегольских усах. Он был хорош собой, шумен, дерзок и честолюбив. Юноша не испытывал ни малейшего пиетета перед признанными авторитетами и был готов вызвать на дуэль целый мир. Впрочем, в отличие от героев Дюма, он предпочитал шпаге кисть.

Подобно другому знаменитому провинциалу – д’Артаньяну - он не сомневался, что в Париже о нем вскоре заговорят. Разумеется, так и произошло. Звали молодого человека Жан Дезире Гюстав Курбе.

Гюстав Курбе родился в 1819 году в Орнане – деревушке на границе с Швейцарией. Его отец – Режи Курбе – был зажиточным землевладельцем: детство Гюстава прошло среди фамильных виноградников и живописных рощ восточной Франции. Он рано увлекся рисованием – уже в 12-летнем возрасте Гюстав, не проявлявший большого рвения в других науках, охотно посещал семинары по живописи, которые проводил в Орнане заезжий ученик Антуана-Жана Гро.

В 18 лет, повинуясь воле отца, Гюстав Курбе отправился в Королевский колледж Безансона учиться на юриста. Однако, вместо того, чтобы штудировать право, он все больше времени уделяет занятиям в местной академии живописи, и два года спустя, отправляется покорять столицу.

Гюстав Курбе неоднократно подчеркивал, что всему учился сам и никогда не принадлежал ни к какой школе. Это, разумеется, не вполне правда: прибыв в Париж, он учился в мастерской некоего Стобена. Кроме того, на первых порах Курбе много копировал – Рембрандта, Халса, Караваджо. Что касается современников, к их творчеству Курбе отнесся скептически. Он даже заявлял, что разочарован современным французским искусством и «если живопись должна быть такого свойства, то он никогда не станет художником». Впрочем, Курбе вскоре передумал – не в последнюю очередь, благодаря работам Эжена Делакруа, которыми искренне восхищался.

Напускное презрение к мнению публики уживалось в нем с лютым желанием добиться признания. Достичь успеха без благословения парижского Салона было в те годы практически невозможно, и Курбе бомбил жюри заявками. Он экспериментировал с разными техниками, пробовал себя в разных жанрах, искал выигрышные сюжеты, пытался просчитать салонную конъюнктуру. В 1844-м осада увенчалась первым успехом: автопортрет «Курбе с черной собакой» попал в экспозицию и был удостоен сдержанно благожелательной критики.

Гюстав Курбе, «Автопортрет с чёрной собакой», холст, масло, 56×46 см, Живопись, XIX век, Малый дворец (Пти-Пале), Париж

В 1848 году у Гюстава Курбе появился неожиданный союзник – буржуазно-демократическая революция. Несмотря на то, что счета Гюстава долгое время исправно оплачивал отец-феодал, сам он придерживался вполне революционных взглядов. Курбе унаследовал их от деда по материнской линии – убежденного республиканца. Кроме того, в Париже он сдружился с философом анархистом Пьером-Жозефом Прудоном. Так что февральскую революцию Гюстав Курбе встретил с энтузиазмом. Главным же революционным завоеванием для него стало то, что в 48-м была упразднена квалификационная комиссия парижского Салона. Воспользовавшись ситуацией, Курбе выставил сразу 10 своих полотен, одно из которых – «Послеобеденный отдых в Орнане» - приобрело новое правительство. Это был год триумфа: Курбе удостоился Большой золотой медали Салона, стал настоящей знаменитостью. Увы, его дальнейшие отношения с парижским Салоном были не столь безоблачны.

В 1850-м картина «Похороны в Орнане», которую Курбе посвятил памяти своего деда, провоцирует громкий скандал. Критики возмущены тем, что композицию и тему, ранее ассоциировавшиеся с библейскими сюжетами и эпическим размахом, Курбе использует, изображая будничные события в маленькой деревушке. Хуже того, не испытывая благоговения перед таким явлением как Смерть, Курбе привнес в полотно личные мотивы – по меркам тех лет, это была шокирующая нескромность.

Гюстав Курбе, «Девушки на берегу Сены (Лето)», холст, масло, 206×174 см, Живопись, 1857, Малый дворец (Пти-Пале), Париж

Три года спустя история повторяется – на этот раз, поводом для всеобщей истерики становится картина «Купальщицы». Обнаженная крестьянка, чей «тыл» критики сравнивают с лошадиным крупом, у другой – о, ужас! – грязные ноги. Публика окончательно укрепляется во мнении, что реализм Курбе – слишком уж реалистичный. Даже вчерашние сторонники (в их числе Эжен Делакруа) отмечают «вопиющую вульгарность форм».

Нужно заметить, что самых непримиримых критиков нервировали не только картины Курбе, но и сам Курбе. Столичная богема воспринимала Гюстава Курбе как эдакого сельского медведя – шумного, могучего и неотесанного. Один из критиков писал о нем: «Природная мощь Курбе бьет все мыслимые рекорды – это он орет громче всех, это он выпивает наибольшее количество кружек пива, это он несет с охоты самую крупную добычу, это он меньше чем за два часа рисует пейзаж». Гюстав ни в чем не знал меры. Он любил поесть и выпить. Любил женщин (одну из них Курбе, к слову, увел у своего коллеги и приятеля Джеймса Уистлера). Он любил жизнь и умел взять у нее все, что она могла предложить. Кроме того, он был заносчив, категоричен в суждениях и ценил свою творческую свободу превыше устоявшихся канонов и правил. Не удивительно, что отдавая дань его таланту, Париж все же не спешил раскрывать дружеские объятия провинциальному гордецу.

Несколько скрасило ситуацию появление Альфреда Брюйя – мецената и большого поклонника Гюстава Курбе. Брюйя оплатил несколько доброжелательных отзывов в газетах и купил все картины, выставленные художником на Салоне 1853-го. Позднее, когда работы Курбе по традиции отвергнет жюри Всемирной выставки в Париже, Брюйя даст ему денег на строительство персонального павильона под недвусмысленно лаконичной вывеской «Реализм». Этот «контркультурный» жест оценили коллеги – о выставке «Реализм» восторженно отзывались Делакруа и Энгр. Однако, публика и критики встретили ее прохладно. Измотанный подготовкой экспозиции и несколько разочарованный Курбе потом еще долго болел.

На Салоне 1857-го разразился новый скандал: критики обрушились на картину «Девушки, отдыхающие на берегу Сены». Отчаявшись что-либо доказать, Курбе уехал в Германию – в некотором смысле это было бегством. «Я волочусь по чужим краям, чтобы хоть мысленно обрести независимость, без которой не могу жить», - писал он одному из своих немногих друзей. Вернувшись во Францию, Гюстав Курбе открыл мастерскую, в которой собрал более 30 учеников. Свои принципы он формулировал аудитории примерно так: «Не делайте того, что делаю я. Не делайте того, что делают другие. Даже, если бы вы делали то, что когда-то делал Рафаэль, вы бы принесли в жертву свое собственное искусство, а это равносильно самоубийству. Делайте только то, что видите и чувствуете сами».

В 1867-м, когда в Париже открывается очередная Всемирная выставка, Курбе, как и полагается грамотному революционеру, идет своим путем. На деньги Альфреда Брюйя он строит новый персональный павильон – втрое превосходящий размерами прежний.

Гюстав Курбе, «Дробильщики камней», холст, масло, 257×165 см

Пришедшую к власти Парижскую коммуну Гюстав Курбе встречает с распростертыми объятиями. Это чувство – взаимно: при новой власти известный оппозиционер Курбе становится кем-то вроде комиссара по искусству. Когда Парижская коммуна приняла решение снести Вандомскую колонну (монумент, воздвигнутый Наполеоном во славу французского оружия), Курбе не возражал. Он и раньше выступал за перенос колонны в какое-нибудь пустынное место, находя ее «естественной, словно кровавый родник в мирном саду». Но раз уж парижане решили разрушить памятник, так тому и быть. Разрушение колонны было символичным жестом: Курбе казалось, что на Вандомской площади рассыпается в прах старый мир с его закостенелыми устоями.

Охваченный революционной эйфорией, он писал: «Париж сегодня – настоящий рай, не видно ни полиции, ни малейшей глупости в поведении граждан, никакой обдираловки, никаких драк. Так должно быть всегда».

Разумеется, рай просуществовал недолго: вскоре коммуна была раздавлена. А Гюстав Курбе угодил за решетку – главным образом, за снос Вандомской колонны.

Правительство полагало, что Курбе, как президент федерации художников, должен был оберегать исторические памятники, а не сносить их. Через полгода его освободили, обязав оплачивать восстановление Вандомской колонны из своего кармана.

Это было тяжкое моральное и финансовое бремя: ежегодно Курбе должен был выплачивать десять тысяч франков. Его имущество было описано, картины – конфискованы.

Сразу после освобождения Курбе уехал в родной Орнан, а оттуда эмигрировал в Швейцарию. Некоторое время он продолжал работать, но писал в основном натюрморты на продажу, чтобы покрыть долги.

В 1877-м Гюстав Курбе скончался от цирроза печени. Кроме своих картин он оставил потомкам что-то вроде словесного завещания: «Когда я умру, скажите: он никогда не принадлежал ни к одной художественной школе, ни к одной церкви, ни к одной академии и не был сторонником ни одного политического устройства, за исключением устройства свободы».

#музей

#арт

#выставка

#искусство

#красота

#живопись

#художник_

Жан Огюст Доминик Энгр, картина «Турецкая баня»

2020-10-26T17:46:43.769Z

«Единственной в своём роде» называл Г. Тинтероу картину «Турецкая баня». Эта работа, выполненная в возрасте 82 лет, подытоживала многолетние изыскания Энгра в жанре ню. Форма тондо позволила сплести сложную арабеску из женских тел, а округлые объёмы строят сферическое пространство. Среди фигур помещены многочисленные реминисценции на собственные работы Энгра, в том числе «Купальщицу Вальпинсона» (на переднем плане), «Анджелику» и одалисок. Кеннет Кларк говорит о почти «удушающем» впечатлении, которое производит картина:

«Художник наконец позволил себе дать волю чувствам, и всё, что косвенно выражала рука Тетии или ступня Одалиски, теперь обрело открытое воплощение в пышных бёдрах, грудях и роскошных сладострастных позах».

Жан Огюст Доминик Энгр «Турецкая баня», холст, масло, 108x108, 1862, Музей Лувр, Париж, Франция.

Повторение «Купальщицы» задаёт волнообразные линии, которые в композиции акцентируются немногими стоящими фигурами. Энгр, казалось, вернулся к методам молодости, весьма вольно обращаясь с перспективой и пропорциональными отношениями. В колорите доминируют нейтральные оттенки: обнажённые тела - золотистые, они оттеняются пятнами синего, жёлтого и красного. В этих же тонах выполнен сложный по структуре натюрморт на переднем плане.

Подготовительные рисунки к «Турецкой бане» сохранились и показывают, насколько глубоко Энгр интерпретировал натуру, а затем изменял её в угоду своему замыслу. Тем не менее немногие современники, которые могли видеть картину, восприняли её как «порнографическую» (хотя при желании там можно найти намёк на лесбийскую сцену).

Н. Вольф отмечал, что эта работа как нельзя лучше иллюстрирует тематическое противостояние Энгра и Делакруа, причём «Турецкая баня» воспроизводит западные «гаремные клише и фантазии». В то же время, используя классицистскую стилизацию, Энгр не опустился до китча, как в аналогичных по тематике полотнах Труайе или Жерома. Широкая публика смогла увидеть картину только в начале XX века.

Жан Огюст Доминик Энгр. Портрет Инесс Муатесье.

2020-10-26T17:23:54.843Z

Жан Огюст Энгр прославился как портретист, хотя сам считал портрет низшим жанром в сравнении с исторической живописью. С 1806-1824 он жил в Италии и изучал античное искусство и творчество художников Возрождения.

Жан Огюст Доминик Энгр «Портрет мадам Муатессье», холст, масло, 120x92, 1856, Нацианальная галерея, Лондон, Англия.

Когда банкир Сигисберт Муатесье заказал Энгру портрет своей жены, Марии-Клотильды-Инесс, он отказался от работы, но позже, увидев молодую женщину, был покорен ею и взялся за картину. Можно предположить, что Муатесье представлялась ему олицетворением классической красоты. Однако произведение не было закончено сразу: мастер дописал портрет через семь лет.

Судя по всему, создавая этот холст, Энгр вдохновлялся образцами Ренессанса: поза модели очень близка положению богини на римской фреске в Геркулануме. По первоначальному замыслу автор хотел запечатлеть и дочь Инесс, Катерину, но к моменту завершения портрета она повзрослела, и Энгр отказался от неизбежного анахронизма.

Прежде чем был закончен этот, Энгр создал другой портрет Инесс (1861, Национальная галерея искусств, Вашингтон). На нем она изображена в рост и также представлена как идеал античной красоты (но модель пополневшая).

#музей

#арт

#выставка

#искусство

#красота

#живопись

#художник

Картина «Источник», Жан Огюст Доминик Энгр

2020-10-26T12:23:20.145Z

Композиция «Венеры» была использована в другом известном полотне Энгра — «Источник». И эта картина писалась долго: начатая во Флоренции в 1820 году, она была завершена лишь 36 лет спустя.

Жан Огюст Доминик Энгр «Источник», холст, масло, 163x80, 1856, Музей Лувр, Париж, Франция.

Картина была посвящена поиску недостижимого идеала, причём образ девушки с сосудом, из которого льётся вода, является традиционным для европейского искусства и имеет символическое значение. Женское начало ассоциируется с льющейся водой - и то, и другое означает начало жизни.

По сравнению с «Венерой Анадиоменой» композиция «Источника» более статуарна, контуры фигуры более чёткие, но менее живые, более слащавое выражение лица.

По мнению А. Бонфанте-Уоррен, «в этом полотне наиболее полно воплотились особенности его стиля, умение претворить реальность в образы идеальной красоты. В данном случае виртуозный идеализм Энгра как нельзя лучше соответствует избранному им сюжету».

Поскольку на это полотно претендовали сразу пять коллекционеров, Энгр устроил аукцион. Картина досталась графу Шарлю-Мари Танги Дюшателю за 25 000 франков.

#музей

#арт

#выставка

#искусство

#красота

#живопись

#художник

Рецензия к картине «Жанна д'Арк на коронации Карла VII в соборе Реймса»

2020-10-26T12:10:42.447Z

«... чем проще линии и формы, тем больше красоты и силы. ... Изучая натуру, обращайте внимание, прежде всего, на целое...»
Ж.О.Д. Энгр

Жанна д'Арк на коронации Карла VII в соборе Реймса, холст, масло, 240x178, 1854, Музей Лувр, Париж, Франция.

Семнадцатилетняя Жанна д'Арк классической изящной красавицей с искусственным лицом в «неприступной» позе отображена в полотне с названием, дублирующим исторический факт 1429 года, рукой известного француза Жана Огюста Доминика Энгра. Работа была рождена в период последнего этапа развития творчества художника, именно по этой причине она так подробна, профессиональна и уникальна в своем исполнении.

На протяжении последнего десятилетия живописец Жан Огюст творил только в направлении исторического повествования реальных событий, отдавая предпочтение собственной устоявшейся технике - гладкой, ровной, без хаотичных мазков.

Примером меланхоличного письма служит представленное полотно с Жанной - довольно темное, построенное на игре света и тени с использованием крупных и мелких деталей. Собственно говоря, подобный стиль стал визитной карточкой Энгра, как представителя классицистской школы живописи.

И так, д'Арк - девица, слышавшая с тринадцати лет призывные голоса Господа на свершение подвигов во имя веры. Какою она предстанет, решал сам автор. В его руках была, по сути, судьба девушки и дальнейший шанс на всеобщую любовь и поклонение фанатиков. Жан Огюст предпочел внести некую скульптурность в образ Жанны, наделив восковой бледностью лицо с искусственным румянцем, стерев лишнюю мимику и прелесть юного личика.

Факт, что впечатан рукой автора в холст, отражает торжественное миропомазание короля Карла в Реймском соборе. Это немытое средневековье, закутанное в латы, кои Энгр водрузил на хрупкое тело Жанны. Точное отображение мелких деталей и люда, сопутствующего главной героине, не перевесило значимости основного образа. Ни мало и ни много композиционных отступлений - дань многолетнего труда и понимания жанра исторического искусства.

Хочется отметить довольно точную передачу молчания и помпезности события. И свеча, что горит, не коптя пространства, и безмолвие челяди - все пропитано вязкой тишиной. Тихое письмо с интенсивным мраком и полутонами дотошно правдиво передают гнет обстановки мероприятия коронации, предшествующей дальнейшему увещеванию девицей короля на начало наступления на столицу Франции.

В целом полотно имеет четкое построение, точно обрисованные детали, контрастность, выдающую почерк художника. Впервые работа была экспонирована в 1855 году на Всемирной выставке среди 66 работ Энгра в индивидуальном зале.

#музей

#арт

#выставка

#искусство

#красота

#живопись

#художник

Виртуальная экскурсия по Лувру

2020-10-24T17:22:08.898Z

Вашему вниманию предлагаю шедевры XIX века. Часть IV

Ари Шеффер, «Отчаявшиеся женщины на скалах побережья Румели (Крит) во время нападения турецкого флота»

Ари Шеффер, «Робер де Ламеннэ»

Ашил Этна Мишалон, «Вид Неаполя с высоты Везувия», Бумага на холсте, 29х40. Происходит из коллекции графа де Леспина, передана Лувру его дочерью, принцессой де Круа в 1930 году.

Ашил Этна Мишалон, «Вид Колизея в Риме», Холст, 25х40. Происходит из коллекции графа де Леспина, передана в Лувр его дочерью, принцессой де Круа в 1930 году.

Ашил Этна Мишалон, «Руины театра в Таормина (Сициллия)», Бумага на холсте, 27х39. Происходит из коллекции графа де Леспина, передана в Лувр его дочерью, принцессой де Круа в 1930 году.

#музей

#арт

#выставка

#искусство

#красота

#живопись

#художник