Michael

VULTURES II REVIEW

2024-08-19T06:40:11.879Z

Да. Прошло полмесяца, однако всё ещё я считаю это большой шуткой. Поехали?

статья является продолжением первой части, которую вы можете найти в профиле в телетайпе, либо же в закрепе моего тг-канала.

ЕЩЁ БОЛЬШИЙ КИЧ НЕЗАЧЕМ)))

Ye & Bianca

Прошлый текст я хотел продвинуть одну большую идею и мысль. Что VULTURES — большой проект и крутая работа. В этом высказывании много эмоций, игнорирующих многие косяки, которые были в первой части VULTURES. А они действительно были. И, как и ожидалось, они вышли наружу во второй части (хотя она неплоха).

Кича здесь гораздо больше. Альбом музыкально напоминает собрание картин Picasso, в его синий период. Причем, незаконченных картин…

незаконченность и ШалОСти ye со сведеНием

Подобные твиты я получал

Пишу эту статью 19.08! И я не понимаю, пишу ли я про актуальную версию VULTURES 2. Вы меня спросите: «Майкл, а почему тебе не нравится? Что же не так в том, что артист обновляет альбом? А в том, что это изначально косячная работа, которая и нуждалась в обновлении. И даже очень хорошо, что он обновил альбом поза-позавчера!

Это правда.

Почему это хорошо. YE подогревает нас даже после выхода, постоянно взаимодействуя с альбомом. И ведь, правда, звучать стал лучше, его уже можно ставить наравне с главной работой.

То есть это как игра, которая обновляется и фиксит все неполадки. Проблема в том, что VULTURES 2 скорее Cyberpunk 2077, который также выпустили вперед всех сроков ради эпатажа и внимания, и только после доработок в него можно было играть.

Ох уж эти мемы про законченные игры

В музыке же иногда сам Ye не знает, в каком направлении ему идти. Трек-лист не сбалансирован, даже при наличии переходов, некоторые песни выпущены «ради галочки», либо вообще не закончены: 530 и SKY CITY. Он много времени уделил скелету, однако совсем позабыл о голове: очень много отсылок и к старому Ye, и к Yeezus, однако я не вижу настоящего исполнителя.

Дело в том, что такие моменты присутствовали в первой части, хотя были скрыты под "величием" CARNIVAL, ведь почти каждая композиция там была, хоть минимально, но перегружена различными элементами, это невозможно было слушать без напряжения. Вторая же часть вообще без должного внимания, она просто пролетает мимо. Даже такие хорошие работы, как PROMOTION, могут просто затеряться во всем этом беспорядке.

TY DOLLA $IGN — бриллиант VULTURES

Фото из твиттера Ty Dolla $ign

Самый непопулярный тейк во времена первого VULTURES 1 — то, что Ty Dolla $ign — это костяк всего VULTURES, его локомотив. После выхода второй части он стал вполне обсуждаемым и спорным.

Есть такие артисты, которых можно назвать "универсальными солдатами", которые хороши в любом музыкальном стиле, к которым они бы не прикасались. К ним относятся такие, как Tory Lanez, Doochie, а также Ty Dolla — действительно огромная часть музыкального успеха что первой, что второй части. И там, и там, он имеет огромное влияние на Ye, чего стоят песни PAPERWORK, TIME MOVING SLOW, где Копатыч как бы перепевает манеру своего коллеги по цеху. Интересно заметить, что на них $ign держит голосом скелет, пока Ye пытается вырваться со своим "виденьем". Мелодика, расставленные акценты — к этому точно приложил руку Ty Dolla $ign, в любой части альбома.

Тай стоит со своим братом

Эти альбомы показывают, что мы довольно поздно узнали о гении, который был рядом с нами. Dolla хорош как и в рэп, так и в r&b составляющей, в последнем же он раскрывается. Именно поэтому он и стоит на обложке альбома! Он показывает свою творческую сторону на полную катушку. FRIED — один из самых панковских перфомансов на всём альбоме, то лишь благодаря гроулу Тая в конце.

Альбом с бОльшим* размахом

Из одного

Про "захват индустрии" я писал в прошлой статье. Этот же альбом продолжает традиции первой части в плане графики, однако он смотрится уже гораздо больше и "listening party" чувствуются уже как что-то большое.

Музыкально же альбом наполнен различными синтезаторами, ритмическими рисунками, беря в пример уже наиболее современную музыку, что радует, хотя иногда этого немного неуместно, как в треке BOMB (это уже моя личная претензия к Джерси-в-лоб)

Также мы увидели анрелизы, которые стали лучшими версиями, пусть и не все. Помимо этого, альбом стал очередным событием, собирающим всех музыкальных гигантов вместе. Приятно было слышать как и голос Young Thug, так и эдлибы Дизайнера в SKY CITY. Печально, что делюкс с еще тремя треками (который также был обновлен несколько раз) не на площадках, поэтому послушать официально — только за $5.

What more can I say?

Эпопея с VULTURES не закончена, и так же, как бы давая намёк на продолжение.

Альбом выдержал все ожидания, к тому же стал флагманом чартов, хоть и не надолго. Вопрос «скатился ли дуэт» надо будет задавать во время третьей части. Да, альбом имеет объективные недостатки все еще, однако как музыкальная задумка вне контекста сюжета — это однозначные 10 баллов из 10.

Сам альбом оценивать не буду. Оставьте это другим. Могу лишь сказать, что он местами очень отзывается внутри (иначе я бы не писал про него)

спасибо за внимание!

VULTURES 1 REVIEW

2024-08-10T14:11:22.023Z

new michael article

Предисловие

Данная статья была начата неделю назад и долгое время пылилась. Во всяком случае, это произошло из-за ряда непредвиденных событий, связанных с Ye, которые могут полностью опровергнуть видение, которое я излагаю в данной статье. Я обязательно представлю его обратную сторону, ведь я считаю, что во всех происходящих событиях много негатива. Это я сделаю в статье про VULTURES 2, здесь же я затрону скорее позитивный аспект творчества эры VULTURES и самого Ye. Роль Ty Dolla $ign'а буду излагать уже в следующей статье.

Репутация может восстановиться, как оказалось

Ye в студии Alex Jones сказал много противоречивых вещей

Прошло уже как 5 лет, после того, как я стал осознанным последователем творчества Ye (коим до сих пор и являюсь, однако прошу не путать с фанатизмом). Вступление я обрамлю мыслью: "никогда не создавай себе кумира". Данный человек имеет в себе как и хорошее, так и плохое (второго гораздо больше). Он доказал, что любые слова могут создать наиболее сильную реакцию в окружающей среде, нежели совершённое деяние. Я также разочаровался в фанбазе, которая как бы не замечает серьёзных косяков.

Да, за это время произошла куча событий, в которых Канье показал, что значит не иметь имиджмейкера и делать и говорить всё, что вздумается, а после делать самый большой сингл этой зимы. Да, можно сказать, что Ye — всё ещё король. Однако далее продолжать поддерживать его во всём я не считаю правильным.

Однако в этой статье я буду рассматривать не характер Канье, а его музыкальный образ эры VULTURES.

Полгода Карнавала (китча) и гипер-Ye

Джефф Кунс — король китча

Что же, теперь перейдём к основной части статьи. Что я могу выделить, как основной фокус в (том числе музыкальном) стиле Ye — "тёмный" кич. Сам китч как явление не имеет широкого признания среди многих критиков. Однако многие используют данный способ выражения в своих произведениях. Основная цель — получение максимального количества внимания через проведение параллелей из поп-культуры. Отличие же темного китча от обычного — популяризация наименее популярных в светском обществе тем и явлений, в том числе легенд и чего-то мистического. Абсолютно неподдельный интерес к загробной тематике, убийцам, к открытым размышлениям о женских телах, всё это в рамках христианства. Видно, что Ye продолжает соединять не соединяемое, в большем масштабе. Стоит отметить, что китч в данном случае выступает лишь стилистическим элементом, никак не

Джейсон Вурхиз — серийный убийца, один из персонажей многих легенд, использовался в качестве "основного костюма" Ye.

И если раньше он предпринимал создать комьюнити (как это было с Donda, Life Of Pablo, MBDTF и в особенности с Yeezus), то комьюнити или ЦА Vultures — любой массовый потребитель. Поэтому нам сложно выделить эту эпоху в определённую главу, ибо всегда будет получаться что-то невнятное. Канье вроде так делал во время Donda (презентации), Yeezus (оформление и музыкальный вектор), Life Of Pablo (измученный перфекционизм), потому что здесь Ye сделал именно то, что так хотел на My Beautifel Dark Twisted Fantazy, а именно — собрал лучшее, что нравится людям в нём. Прошу не обманываться образом "изгоя", изначальная цель Ye — создать индустрию из своего музыкального образа, а не из одежды, высказываний и прочего. Скорее всего, благодаря этому мы впервые видим образ Kanye на обложке, придерживающийся той же стилистике китча.

VULTURES cover

Апогеем выступил CARNIVAL — песня, ради которой он собрал целый хор болельщиков! Эта песня настолько хочет быть везде, что ты невольно хочешь записать с ней Reels. Rich The Kid, Playboi Carti и просто нереальный бит от Digital Nas и компании создают отличную химию с хором ультрас клуба Интер (Милан). Настолько шаблонных хитов от Йе не было со времён All Of The Lights.

INTER

Эклектика, атмосфера и микс

Одно из сильнейших преимуществ данной пластинки — эклектичность в подборе материала и то, как он сделан. Канье затронул почти всё лучшее, что было в его творчестве, с огромным количеством отсылок к поп-культуре. На альбоме — огромное количество каверов и интеполяций на различных поп-исполнителей. Пришлось даже терпеть отсутствие "GOOD (DON'T DIE)" на площадках. И даже не сказать, что эти каверы — что-то вторичное, это абсолютно новый взгляд на классику. Йе смог совместить это с панковским стилем Playboi Carti, Freddie Gibbs и даже YG. То есть — он создал комфортную атмосферу, в которой возможно творить абсолютно любому музыканту. Что влечёт за собой интерес среди разных групп общественности, а не только заядлых слушателей Йе. Отдельно хочется отметить "PAPERWORK" с элементами бразильского фонка, который затесался между вест-костовским "DO IT" и "original-Kanye-based" "BURN". Такие прыжки возможны в грамотно выстроенной атмосфере, которая достигается общей линией продакшна. При этом хочу также отметить "FUK SUMN" где бит меняет своё строение в зависимости от участников.

Иногда экспериментальности настолько много, что ты просто не успеваешь переключиться. Трек "BEG FORGIVENESS" — тому прямое подтверждение. Его структура как будто намеренно сделана, чтобы ты недоумевал: "А этот хор действительно тут должен быть после части Криса?". Определённо либо это такая задумка, либо Ye наплевал на музыкальную форму в плохом смысле этого слова.

ye & chris brown on the stage

Нет сомнений, что у Ye была отдельная цель сделать уникальный релиз, как и все прошлые. И был шанс, что микс и сведение на этом альбоме провалятся из-а стремления к уникальности. Однако ожидания не оправдались, мы получили довольно качественную работу (относительно без косяков, хотя есть некоторые нюансы в сведении, которые были и на "Donda"). Это при условии, что с кресла инженера ушёл Майк Дин, впервые после "Late Registration".

Дизайн и доступность

что-то из того гардероба

Подход Йе эры Vultures заключается также в наибольшей доступности для общественности. Так, любой лот теперь стал стоить $20, что, как один парень выразился, всего лишь несколько школьных обедов. Йе продолжает создавать таким образом базу для создания собственной индустрии. И один из способов — повышение доступности за счёт дизайна и выставления определённых цен на него. Сайт Йе содержит лишь нужную информацию, обувь — носки, которые имеют подошву, а также могут быть свёрнуты в удобную форму.

Только товар на белом фоне...

Почему это важно? Все разговоры Ye о доступности своих продуктов до 2024 года были лишь разговорами, однако сейчас мы начали получать подтверждение. Конечно, раньше он пытался достичь доступности, путём понижения цен на свои продукты из линейки Adidas Yeezy, однако это не сильно сыграло роли.

Это началось путём сотрудничества с GAP, однако действительно доступность стала целью после отмены Йе отовсюду, а также последующего детокса. Скорее всего, это можно назвать гештальт-терапией... однако не про это сегодня.

Также хочется отметить, что символ "VULTURES" — двуглавый орёл, который присутствует на флаге очень многих бывших империй (Российская, австро-венгерская и т.д.), что как бы намекает на амбиции артистов стать всеобъемлющими.

Ролл-аут

Отдельно хочу отметить ролл-аут альбома, который очень напоминал какой-то тизер к фильму. Все эти пред-прослушивания, особенная фиксация на "домашней атмосфере", особенный выбор мест для записи альбома (Саудовская Аравия, Италия), назначение Гоши Рубчинского — всё это напрямую или косвенно относится к "VULTURES" — того, ради чего Ye сделал всё это.

кадры одного из листенинг пати VULTURES

Отдельная часть ролл-аута — тенденция доделывания проекта после его выхода — для того, чтобы интерес к релизу не угасал. Мы видим, что Ye не закрывает глаза на "пост-пост-продакшн", продолжая и искусственно, и натурально выпускать релиз снова и снова. Ye менял миксы, устраивал повторные прослушивания. Данный подход успешно работал с момента релиза "Life Of Pablo", позволяя нам постоянно получать новые впечатления на протяжении месяца или даже полугода после релиза.

кадры с презентации

В итоге, мы получили отличный по наполнению альбом. У него куча косяков в области сведения, структуры некоторых композиций, однако он справляется со своей задачей — он окружает тебя атмосферой, захватывает всё твоё внимание вне зависимости от музыкального вкуса.

Можно также сказать, что альбом всё же не стал центром индустрии, то есть "не выполнил ТЗ", однако показал, как вернуть репутацию, казалось бы, после величайшего провала. И именно поэтому

VULTURES 1 — ОПРЕДЕЛЁННО ВАЖНЫЙ АЛЬБОМ, ОПРЕДЕЛЯЮЩИЙ НАЧАЛО НОВОЙ ЭПОХИ. ЭПОХИ СТЕРВЯТНИКОВ

CHILDISH GAMBINO-2024 ИЛИ КАК ПРОЖИТЬ КРИЗИС СРЕДНЕГО ВОЗРАСТА ЗА 1 ЧАС

2024-07-21T18:28:06.033Z

DISCLAIMER

ДАННАЯ СТАТЬЯ ВОЗМОЖНО НЕ ПЕРЕДАСТ ПОЛНУЮ АТМОСФЕРУ АЛЬБОМА, НУЖНО ДОЖДАТЬСЯ ВЫХОДА ФИЛЬМА. ОДНАКО Я НЕ МОГ НЕ ОБОЙТИ ДАННУЮ РАБОТУ СТОРОНОЙ, ТАК КАК, ВСЁ-ТАКИ, МНЕ КАЖЕТСЯ, ЧТО — НЕМНОГО БОЛЬШЕ, ЧЕМ САУНДТРЕК. ПРОШУ НЕ ПРИНИМАТЬ ЭТО ЗА ДЕКОДИНГ. СПАСИБО, А ТЕПЕРЬ — К ДЕЛУ

INTRODUCTION

вкратце про кризис среднего возраста

Все мы когда-нибудь становимся большими, и, конечно, артисты не исключение. Очень многие на этом пути взросления сталкиваются со сложностями, одна из которых — кризис среднего возраста. Немного странное состояние, которое напоминает отрицание и неопределённость в подростковом возрасте, однако здесь ты уже на другом уровне личностного развития, чтобы ты мог в любой момент найти утешение в хорошей компании (если она у тебя ещё и останется к этому возрасту). В общем, похожее чувство я испытал, когда слушал последний альбом Дональда Гловера aka Childish Gambino. Специально для лучшего понимания я озаглавил некоторые абзацы строчками с альбома

NOBODY GIVES A ****

Любовь — для дураков,
Ведь всем — по***

Строчки, которые почти открывают альбом в треке Lithonia и задают настроение всему альбому. Действительно, чтобы понять этот альбом, нужно попробовать представить, что в мире всем на тебя — пофиг. Отчасти, это так! Но эта позиция безумно гиперболизируется в 35 — 40 лет, когда уже очень трудно заводить друзей, а твой мозг всё не хочет воспринимать новое. Все будут ценить твои практические качества, но никак ни то, чем ты самовыражаешься: деньги, стабильность, вид твоей деятельности. Очень многие поддаются стереотипам.

И это очень хорошо показано в переходе между треками "Steps Beach" и "Talk My Shit", где, после летней баллады, девушка в диалоге с Дональдом спрашивает, может ли он разжечь костёр или поймать кого-нибудь, на что он отвечает, что умеет петь. Девушка называет его бесполезным, после чего начинается рэп-трек, который изобилует барсами вроде "I can make a billie, like Eilish", которые кажутся, порой, глупыми, однако ими так полна современная рэп-сцена. Людям нужны рэперы из Атланты, а не певцы из того же штата. Ведь, опять же, всем пофиг на то, что не приносит тебе много денег. Все оценят лишь твою оболочку.

I'M AN ACTOR...

Сделал песню, но провёл больше времени над описанием
Я — актёр, ты можешь сказать камера, а я — мотор

Кризис среднего возраста также включает некое недовольство некоторым положением вещей, происходящих в твоей жизни. И ты можешь бегать от одной к другой, пытаясь нащупать то чувство новой деятельности.

Я ни в коем случае не говорю, что Дональду не нравится актёрская карьера, напротив, Дональд именно поэтому решил сделать перерыв в музыке. Именно в ней и прослеживается это бунтарство и желание попробовать максимально всё. Да, Господи, этот альбом — саундтрек к одноимённому фильму.

Однако, в этой статье я рассматриваю музыку в отрыве от визуальной составляющей. Я очень давно не слышал таких многожанровых альбомов. От — Хип-хопа, до денсхолла, от arnb до EDM — кажется, что сам артист не может определиться. Он зовёт Jorja Smith, Yeat, Flo Milli, в одном треке читает жесткий рэп, в другом — вообще вместе с Legend (это его сын) поёт под сопровождение мужского вокального ансамбля. Абсолютный несвязный, с первого взгляда, набор песен, однако, взяв на вооружение содержание, мы видим, как некоторые стили намеренно становятся напыщенными.

I WANNA BE THE HERO, BUT NOW I'M UNDER PRESSURE

Я хочу быть героем, но сейчас — я в напряжении.
Почему все так происходит?

А вы нашли параллели со Шреком?

Самый серьёзный момент с альбома — принятие того, что быть 40-летним — нифигашеньки не просто! Семья, тело, наконец, молодость — всё это совсем уже не то. И в очень многих песнях прослеживается именно хоть и трудность, но принятия себя. Как отца, взрослого, форменного, немного седого.

И в конце альбома ты чувствуешь, что наш лирический герой ещё до её начала себя таким, какой он есть и даёт нам надежду на то, что всё это — этап жизни, который можно проработать и стать гораздо сильнее. И да. Я считаю данную работу в творчестве Дональда самой сильной. Здесь он показал абсолютно всё, что он умеет в музыке. Поверьте, время этого альбома ещё придёт. А если и нет, то и фиг с ним! Пластинка не нуждается в признании, как и любой 40-летний мужик или женщина — он самодостаточен.

CODA

Да. Фильм, наверное, будет совсем другим и будет жестко отличаться от мнения, которое я высказываю здесь. Я лишь решил попробовать посмотреть на альбом, высказав альтернативную точку зрения.

Надеюсь, вы нашли и собственные образы. Не бойтесь их искать, ведь кто, если не слушатели сделают музыку по-настоящему живой и концептуальной!

Всем пис и до СКОРЫХ встреч;)

Duke Ellington & John Coltrane — мой первый джазовый альбом, который я послушал

2023-07-07T08:51:10.958Z

Автор: Michael

Duke Ellington & John Coltrane

Хей! Сегодня я решил снова опуститься во Вселенную джаза и рассказать читателям об одном из моих самых любимых альбомов из этой музыкальной эпохи. По совместительству, это первый джазовый альбом, который я послушал от начала до конца и начал знакомство с данным музыкальным стилем. Я поведаю свой путь прихода к этой пластинке: от невероятной ненависти, до безумной любви и страсти искать новое в музыке

Я посвящаю эту статью всем, кто начинает путь в абсолютно любой сфере, не только в прослушивании джаза, но и в нахождении своего ремесла, смысла жизни и её цели— Michael

Два гиганта. Две эпохи. Один альбом

Что же, начать эту статью хочется с того, почему этот альбом уникален и достоин внимания каждого, кто интересуется музыкой. За его созданием стоит 2 фигуры которые по-настоящему трансформировали жанр.

Один из них — Duke Ellington — тот, который вывел джаз в мейнстрим в 30-е—40-е годы, написал кучу композиций, которые стали стандартами (очень популярными композициями, которые много играют на джемах, концертах и т.д.) и сделал революцию в джазе тем, что управлял своим оркестром как одним музыкальным инструментом. Он был одним одним из первых чернокожих руководителей оркестра, ставший успешным и по-настоящему признанным. В условиях, когда белокожие создавали монополию на джаз, запрещая чернокожим играть в оркестрах на большой публике, что уж говорить о создании собственного оркестра. Однако у Duke'а получилось и он стал эталонным представителем жанра, наряду с Louis Armstrong, George Gershwin и др.

Практически каждая его аранжировка в оркестре смотрилась одинаково гармонично, с выверенным чувством времени и в то же время масштабно и помпезно. Он был тем, кто относился к джазу так, будто бы это большое и масштабное шоу. Благодаря ему в частности, такой звук надолго укрепится в джазе.

Satin Doll в аранжировке Duke Ellingtone

Другой же, John Coltrane, был из совсем другого поколения джаза. Он уже успеет пройти массовую оркестровую истерию 30-х, би-боп манию 40-х, успеет поиграть в квинтете Майлза Девиса в 50-х, а затем станет одним из самых значимых саксофонистов, которые повлияли на школу джазовой импровизации. Он — один из тех, кто стал продвигать модальный джаз — одну из самых сложных форм джаза. Он станет одним из, если не самым значимых джазовых музыкантов и саксофонистов.

Его подход к созданию музыки, его игра — всегда были частью чего-то большего, возвышенного и духовного. Конечно, он сам был очень техничным и талантливым музыкантом, однако он всегда описывал свою игру как молитву. Одним из доказательств тому можно считать альбом "A Love Supreme", который стал своеобразным манифестом христианству.

И не сказать, что эти двое музыкантов были слишком уж разными, ведь многие джазовые музыканты активно друг с другом сотрудничали, чего стоит ансамбль Арта Блейки, через который прошли и Wayne Shorter, и Freddie Hubbard, и Bobby Timmons, и многие другие. Здесь же немного особый случай. На одной пластинке встречаются не учитель и ученик, а два главных лица в джазе, два гиганта. Две абсолютно самодостаточных и добившихся успеха личности.

Казалось бы, наличие двух таких больших личностей на одном альбоме может вызывать ситуации, при которых они будут выталкивать друг друга из-за своего масштаба. Однако мы можем слышать обратную ситуацию, где они приятно дополняют друг друга.

На альбоме приятно уживаются как и старые (In A Sentimental Mood), так и новые композиции Duke'а Ellington'а. При этом, нашлось место даже для новой композиции John'а Coltrane'а — "Big Nick". При этом, альбом разноплановый и не заставляет скучать: тут есть, как и баллады, так и быстрый свинг. И главное — симбиоз двух мастеров: техничная и новаторская игра Колтрейна скрещивается с интересными аранжировками Дюка Эллингтона, которые очень вписываются в атмосферу времени, идут в ногу с музыкальном коллегой и дают понять, что настоящий творец находится в вечном поиске нового звучания.

Альбом получил безумный успех, однако благодаря интересным новаторским решениям, с которыми подошли к созданию Дюк и Джон. Он не слушается как альбом ради альбома, в нём содержатся те вещи, которые можно назвать актуальными и по сей день, хотя пластинке уже исполнилось 60 лет.

При этом, сама пластинка продолжает влиять на современную музыку всё ещё. Среди многочисленных примеров семплирования, выделяется композиция Mac Miller "Diablo" из микстейпа "Faces", где засемплирована заглавная композиция альбома — "In A Sentimental Mood"

Моя история знакомства с пластиной

Эта пластинка — мой первый джазовый альбом, который я послушал от начала до конца.

Всё началось с композиции In A Sentimental Mood, которая стала первой именно джазовой, которая попалась в рекомендациях музыкального приложения. Я заворожился красотой и чувственностью, которые излучала эта композиция. Я решил перейти к альбому и послушать его. И мне не понравилось.

Причина тому была невероятная сложность этого альбома тогда для меня и первый опыт взаимодействия с джазовой музыкой. Я, привыкший к классической музыке, впервые столкнулся с подобным искусством. Конечно, я не знал тогда, что в джазе есть тема и импровизация, интро и коденция (начальная и заключающая части композиции), а потому воспринимал всё сыгранное как большой перфоманс. Таким образом, для меня прослушивание этого альбома стало невероятной пыткой. Я смог дослушать до конца, однако через силу.

Затем, я включил его во второй раз, месяц спустя, собравшись с мыслями. Однако я и в этот раз ничего не понял, постоянно перекручивая каждую композицию в начало, пытаясь найти смысл. В итоге, я надолго забросил этот альбом, включив его уже лишь 2 года спустя.

Когда я включил этот альбом в третий раз, прошло 2 года. Я к этому времени сам начал играть джаз, послушал кучу альбомов. Но самое главное — я понял, что многое, что вызывает у нас отвращение в первые минуты, начинает приобретать другие краски после наиболее глубокого знакомства. Нужно лишь включить терпение и постараться проникнутся новой вещью.

Так может произойти с абсолютно любой вещью, которая повляется в нашей жизни в первый раз. Неизвестность может пугать, в следствие чего вызывать такие эмоции, как отвращение и недосказанность. Однако необходимо иметь терпение и напрячь мозг, чтобы вещь стала наиболее явной. После того, как вещь перестанет быть чем-то неизведанным и новым, она станет доступна для осознанного восприятия, соответственно отношение к ней также изменится.

Я понял джаз не потому,что я через силу послушал тонну альбомов. Я провёл работу мозгом, в течение которой я пытался полностью погрузить себя в джаз. Я делал это потому, что мне действительно хотелось его познать, а не для галочки. Сначала я слушал отдельные знаковые композиции, затем начал смотреть разные стили и слушать альбомы в этих стилях. Потом начал разбирать отдельных музыкантов, искать стиль в игре каждого из них.

И эта работа принесла результат — я стал не только слушать музыку, но и с интересом искать в ней новые грани. Самое главное — я получил кучу материала, который был для меня недоступен в силу моей непосвященности и неосознанности. А также — желание открывать новое в любой сфере.

Что же касается этого альбома, мне он безумно понравился. Для меня третий раз его прослушивания прослушивания стал своеобразным вознаграждением за всю ту работу, которую я провёл, чтобы понять джаз. Я периодически включаю его, переслушиваю с мыслью о том, почему же я забросил такой бриллиант в своё время.

Я с винилом этого прекрасного альбома

ИТОГ

Мне хочется пожелать каждому, кто читает эту статью: не бойтесь открывать новое. Каждый раз, когда перед Вами будет стоять новая вещь — не бойтесь, не забрасывайте её, даже если Вы считаете, что она Вам не пригодится. Ваше мнение может кардинально поменяться после погружения в неё.

Я не буду советовать этот альбом всем тем, кто не знаком с джазом, как первый альбом. Ибо мне понадобилось послушать много других альбомов, которые наиболее явно показывают стили и замысел джазовой музыки. Этот альбом — смесь всего этого, с добавлением новых вещей, которые даже сейчас интересно находить. От этого в первое прослушивание, может показаться, что это — абсолютный винегрет. Однако же, это сложная и интересная музыка со своей структурой. При этом, я не исключаю, что этот альбом Вам понравится с первого же прослушивания.

Делитесь вашими примерами альбомов, которые вам не понравились, однако потом стали одними из самых любимых.

И слушайте джаз! До следующей пятницы!

МУЗЫКАЛЬНОЕ ОБРАЗОВАНИЕ — нужно или нет?

2023-06-29T22:07:06.873Z

В последнее время в музыкальном мире часто происходят противоречиями между людьми, имеющих противоположные точки зрения по поводу необходимости музыкального образования в реализации тех или иных целей в музыкальной индустрии. В данной статье я постараюсь не только общо посмотреть на все плюсы и минусы данного образования, но и разрушить некоторые мифы, которые крутятся вокруг него. Давайте начнём!

Виды/ступени музыкального образования

В разных странах содержится своя система ступеней музыкального образования. Их несколько:

Музыкальная школа
Училище
Музыкальный ВУЗ (Академия/Консерватория)

И тут уже стоит разделять музыкальную школу и училище/ВУЗ. По одной и самой главной причине: музыкальная школа не влияет на будущую жизнь ребёнка. Она может быть, кау бы, сбоку, наравне с кружком рисования.

Зал Королевской Музыкальной Консерватории (Торонто, Канада)

Музыкальная школа (музыкалка)

Если рассматривать музыкалку(школу), то в неё дети обычно попадают неосознанно, особо не выбирая между активностями. И сразу хочется отметить первый плюс музыкалки — ты сразу попадаешь в среду музыкантов, где ты часто выступаешь, общаешься с творческими людьми, по-настоящему изучаешь свой инструмент и определяешься со своей ролью в музыкальном мире (на ближайшее время).

Во-первых, в музыкалке ты имеешь специальность (сокращенно я буду называть это спец). Это может быть либо музыкальный инструмент, на котором ты собираешься играть в ближайшие годы, либо же пение в хоре или сольно. По спецу регулярно проводятся экзамены. Однако здесь к ученику прикрепляется преподаватель, который будет вести его до конца школы. Этот спец является определяющим в конечном наборе тех предметов, которые будут в итоге.

Также, помимо специальности можно изучить и теорию музыки(на предмете сольфеджио), и историю музыки(на предмете муз.литературы), и пение в хоре(на хоре). Данный набор может меняться от школы к школе. Это базовый набор, который есть в каждой школе. Этот факт имеет две стороны медали. С одной стороны, сольфеджио и история музыки — важные предметы в музыкалке, которые с разных сторон развивают ребёнка. С другой — эти предметы полностью повторяются в музыкальном училище и не слишком просты в изучении, особенно детям.

Многие родители, отправляя детей в музыкалку, думают, что музыкальная школа поднимет культуру ребёнка, обогащая его всякими эстетикой и определённым вкусом к жизни. Это так, но отчасти. Если ребёнок готов впускать в себя эту эстетику, если он к ней приспособлен с рождения. В противном случае, он её возненавидит, будет всячески избегать.

Функция музыкалки — помочь определиться со своей музыкальной ролью, пока ты занимаешься другими делами. Это возможно и без неё, ходя на различные курсы, в студии и на музыкальные интенсивы. Там глубоко можно познакомиться с отдельными предметами. Поэтому обязательно проходить в детстве не сильно обязательно. Лишь только в том случае, когда не понятно,

Другое дело — среднее профессиональное и высшее музыкальное образования — училища с музыкальными ВУЗами. Зачем они нужны?

Зал Московской Государственной Консерватории им. П.И. Чайковского

Во многом, училища наиболее основательно проходят то, что было в музыкальной школе — с добавлением более глубокого изучения музыкальной теории вместе с другими предметами. Но и тут есть нюансы

Конечно, во многом ценность училищ — это связи и более профессиональная атмосфера. В училище, в отличие от музыкалки, наиболее широкий круг тех, с кем можно посотрудничать тем или иным образом, все находятся на одном уровне. Ты больше коммуницируешь, заводишь знакомств, которые можно использовать и после окончания обучения. Более того, люди в училищах наиболее осознанны в своём выборе профессии. Ибо в музыкалке большинство твоих сверстников не имеют осознанной цели стать музыкантом (как и ты, в процессе формирования личности). А в училище — целая толпа заряженных, осознанных людей, которые действительно хотят связать жизнь с музыкой.

И если в музыкалке в основном тебя ведёт твой препод, то в училище ты вынужден двигаться сам. Отсюда выходит ещё один плюс училищ — это модель музыкальной индустрии, в которой ты вынужден искать связи, информацию. Это очень помогает в самореализации. Никакого контроля — только ты и твоя зачётка, которую нужно периодически закрывать. А также различные события и конкурсы, которые ты ищешь в большей степени сам и готовишься — тоже сам.

И конечно, четвёртый плюс — это шанс для тех, кто пропустил музыкалку, наверстать упущенное и возрасти в своих музыкальных познаниях гораздо больше. Звучит парадоксально, но большинство талантливых музыкантов ушли из техниикумов, бросив учёбу на последнем курсе в погоне за музыкальной мечтой. Они получили гораздо большую базу именно там. И, хоть без музыкалки поступить в училище не так просто, ибо там даётся база, без которой, может, легко в жизни, но не в поступлении.

Здесь также есть спец, который наиболее углублённый, чем в музыкалке. Здесь он влияет на 50% всех предметов, проходимых в училище. Поэтому сюда нужно приходить со знанием того, что ты хочешь делать по жизни.

Я не стал рассматривать теоретический профиль училищ, так как он в основном взращивает музыкантов

На музыкальных ВУЗах останавливаться не буду, ибо там в основном закрепляется тот материал, который проходится в училищах

Зачем это всё молодому и перспективному музыканту?

Зал Венского университета музыки и исполнительского искусства

И вот, мы подошли к самой сути этой статьи. А именно — зачем всё это музыканту? Можно выделить следующие плюсы:

Во-первых — знания. Ты получаешь пласт огромного опыта профессионалов, людей, которые приносят тебе в самом понятном и сгрупированном виде. Тебя учат разбирать музыку, относиться к ней, как к конструктору, упрощают её понимание. Рассказывают про культуру и про различные периоды. Открывают для тебя много новых стилей. Но самое главное — тебе меньше надо будет искать то, что ты не знаешь.
Во-вторых — это необходимый опыт исполнительского мастерства. Каждый творец хочет быть услышанным, увиденным, признанным. Этот шанс отчасти даёт музыкалка на отчётных концертах. А в училище тебя учат искать концерты, учат продвигать своё творчество
В третьих — это то, что делает жизнь некоторых людей осознанной и гармоничной. Очень много творческих людей жалуется на то, что они попали не в ту атмосферу (школа/универ/работа), которая останавливает их креатив. Здесь вы будете получать максимум: огромное количество классов для занятий, личный гид по твоей специальности, который поможет с самовыражениием на начальных этапах.

Минусы?

Да, они тоже есть.

Стагнация образования. Помните, я писал про базу? Так вот, в условиях настоящего, который постоянно меняется, эта база уже успела несколько раз изжить себя. И я говорю не столько про отсутствие новых профилей, связанных с наиболее современной музыкой (хотя про это стоило бы написать очень подробно), сколько про сам подход, который считается единственно верным. Появляется много новых правил (даже в классической музыке, которая, да, существует даже сейчас и вполне развивается), расширяются границы дозволенного. Именно в музыкалках и училищах прививают стереотипное мнение о том, "как должна выглядеть музыка". Это вызвано как раз очень однобоким и консервативным взглядом на теорию музыки.

Однако я ни в коем случае не имею ввиду некомпетентность той теории, которая преподаётся в современных музыкальных школах и училищах. Именно эта база помогает понять структуру музыки. Однако эта система преподавания теории требует наиболее точного вкрапления различных факультативов, которые бы соответствовали тому времени, в которым мы живём.

Отсюда выходит другой минус, который тесно связан с прошлым — выравнивание всех учащихся на один общий уровень, игнорируя личные амбиции каждого ученика. Это создаёт проблемы в процессе творчества и убивает мотивацию учиться дальше, а также творчески развиваться.

Альтернатива?

Многие интересуются, а можно ли стать музыкантом, если не хочется проходить через эти этапы муз.образования. Что же, это возможно. Вот несколько способов:

Неформальное музыкальное образование. Здесь я могу сказать про совокупность методов подачи информации не путём педагог—ученик, а путём проводник—путешественник. Сюда можно отнести и музыкальные курсы, и интенсивы, и различные мастер-классы, в которых будет наиболее приземлённая и лёгкая атмосфера, в которой очень приятно получать информацию. Никто не ставит своей целью навязать тебе свои представления о творчестве. Именно такую систему проповедуют в Англии, Франции, Германии, Австрии.
Репетиторы — помогут заместить нехватку препода по спецу, который должен быть в училищах и музыкалках, а также той базы, которую человек пропустил, не ходя в музыкалку и училище.
Интернет. Все материалы про теорию музыки лежат в открытых источниках. Минус — та же несистемность. Информации много, поэтому нужно знать, как управлять ей, либо иметь под рукой репетитора. В заведениях музыкального образования же изучается эта же, но скомпонованная и поданная горячей информация.

Итог

Я рассказал Вам про плюсы и минусы одельных видов музыкального образования. Стоит напоследок отметить, что среди успешных музыкантов есть как те, кто хорошо знает теорию (например Charlie Puth, закончивший музыкальный колледж Беркли по классу фортепиано или Шарлот, который окончил музыкальную консерваторию по тому же классу фортепиано и др.), так и те, кто пришёл в музыку без базы (Tylet, The Creator, Kanye West и др.).

Вот моё мнение: Я честно считаю музыкальное образование в России очень нужным. Однако во многих училищах, школах, музыкальное образование приобрело образ, который отталкивает многих новых музыкантов тратить время на обучение там. Оно, без сомнений, требует реформ. Отличный пример проведения подобной реформы — введение в музыкальную программу в одном из музыкальных ВУЗов Канады творчество The Weeknd и Drake, как одних из представителей канадской музыкальной идентичности.

А как считаете Вы? Нужно ли образование современному музыканту? Пишите в комментариях!

Ну а я прощаюсь с Вами до следующей пятницы. Всем пис:3

МУЗЫКА И МОЗГ

2023-06-22T14:17:34.032Z

Авторы: Veliev и Michael

Музыка является неотъемлемой частью нашей жизни. Она сопровождает нас в путешествии, дома, на вечеринках и во время тренировок. Но вы когда-нибудь задумывались о том, как музыка воздействует на наш мозг, а именно как она его развивает? В этой статье мы исследуем уникальную связь между музыкой и нашим сознанием, а также разберем, как она может повлиять на нашу психику, настроение и когнитивные способности.

Музыка и эмоции

Музыка и эмоции тесно связаны между собой. Я бы даже сказал что настоящая музыка не может существовать без настоящих эмоций. Сопереживания, слезы и улыбка на лице людей при прослушивании музыки вызывают именно те эмоции, которые исполнитель вложил в эту композицию.

Музыка влияет не только на эмоциональное, но и ментальное состояние людей. Прослушивание музыки уменьшает симптомы стресса — уровень кортизола снижается, пульс замедляется, а люди начинают чувствовать себя спокойнее. Этот эффект наиболее ощутим при прослушивании спокойной музыки. При прослушивании более агрессивной и драйвовой музыки как треп метал или тяжелый рок выделяется больше адреналина и мы становимся более энергичными. Наши эмоции становятся наиболее яркими.

Есть артисты, в первую очередь, пишущие песни исключительно под эмоциями. В разные периоды их жизни выходят разные песни и конечно же с разным настроением, но есть и те, кто всю карьеру выражал почти всегда одну и ту же эмоцию. Я бы хотел разобрать одну из основных эмоций в музыке: грусть.

XXXTENTACION

Грустные баллады XXXTENTACION — это то, во что влюбились миллиарды слушателей. Конечно, вы скажете, что Джасей делал не только депрессивную музыку, у него были и спокойные и агрессивные треки. Поэтому я и подчеркнул выше, что разберем мы ОСНОВНУЮ эмоцию в песнях артиста, а тут грусть — точно основная. Так вот, Икс — отличный пример того, как артист может собирать стадионы только потому, что его переживания, эмоции, страдания и мысли соприкасались с мыслями и эмоциями миллонов людей по всему земному шару. Инструменталы, настроение его голоса, текста — все было настолько синергично, что вызывало бурю эмоций у слушателя. Многие люди переживали с его песнями личные проблемы, утраты близких или же просто очень сложные периоды в их жизни. Справившись со всем этим и переслушивая песни, с которыми они проживали это, их берет чувство ностальгии, люди начинают вспоминать все те ужасные события, что происходили с ними. Очевидно, в большинстве случаев это вызывает слезы, как минимум ком в горле. Вот так эмоции одного человека могут стать помощью, поводом поплакать или же просто дать понимание, что ты не один.

Музыка и память

Конечно же, одной из высших психических функций, с помощью которой мы можем запоминать, хранить и, впоследствии, воспроизводить информацию, поступающую в наш мозг, является память. Она тесно связана с музыкой. Именно память всегда была одной из самых важных психических функций, которая помогла большей части музыки сохраниться. Всё дело в истории музыки. Современный способ записи музыки появился в XVII в. (нотами на нотном стане из пяти линеек). До этого же многие довольствовались тем, что запоминали мелодию и передавали её другим. Это отсутствие общего физического носителя музыки развило способность людей запоминать большие объёмы мелодии. Кстати, эта способность получила отдельное название — "музыкальная память".

Моцарт в детстве

Эта способность не только помогала людям сохранять музыку, но и реализоваться с помощью неё многим музыкантам. Хорошей памятью могли и могут похвастаться такие успешные музыканты, как, Вольфганг Амадей Моцарт, который стал вундеркиндом в раннем возрасте и признанным лидером классики в конце жизни, благодаря способности запоминать большие объёмы музыкального материала, Рэй Чарльз, который, будучи слепым, научился играть на фортепиано и писать песни и стал одним из самых влиятельных артистов XX в. Стоит отметить также и реп-музыкантов, которые были способны запоминать кучу своих песен и создавать на ходу новые (фристайлить), благодаря своей невероятной памяти: Jay-Z, Lil Wayne, Snoop Dogg и многих другие. Именно память является одним из самых важных качеств, которыми должен обладать репер (ведь запомнить надо не только текст, но и его ритмический рисунок).

Предлагаю также посмотреть на то, как работает музыкальная память и наслушанность на примере композиторского искусства. В написании песен очень распространено цитирование музыкальной фразы (мелодии). Это может быть как мелодия, которая крутится в голове, так и та, которая запомнилась совершенно случайно и появилась в голове в самый неожиданный момент. Для этого, мы послушали например 100 музыкальных альбомов. Если мы даже не запомним его весь, мы всё равно сможем выделить для себя минимум одну мелодию, а вобьём в наш мозг другую, которая вспомнится чуть позже. Именно это свойство помогает музыкантам импровизировать: вспоминая и додумывая различные мелодические фразы, которые они когда-либо слышали, благодаря наслушанности и музыкальной памяти.

Музыкальной памятью обладает каждый человек, благодаря ей мы можем запоминать мелодии, напевать их друг другу. Именно это свойство нашей психики помогает нам по-настоящему любить этот вид искусства. Музыка — один из тех видов искусства, произведения которого — это лишь момент во времени, который имеет своё начало и конец. Учитывая, что мы проживаем некоторые моменты нашей жизни с включенной в этот момент музыкой, они начинают играть абсолютно новыми красками, отпечатываясь в нашем сознании вместе с той песней, которая была в наушниках (именно поэтому очень многие связывают музыкальный треки с местами, людьми и другими моментами из жизни). Запоминая музыку, мы запоминаем момент во времени. Поэтому, слушая музыку, мы также учимся запоминать и другие моменты в таком же изменчивом мире, имеющем своё начало и конец.

Музыка и концентрация

Однако не одной памятью всё ограничивается. Есть ещё одно свойство нашей психики, которое развивает музыка, а именно концентрация внимания. Данное свойство очень необходимо в современном мире. Благодаря ему мы не сошли с ума.

Концентрация внимания как способность нашего мозга необходима во многих рутинных вещах. Вспомните моменты, когда необходимо написать доклад, сделать пару подходов упражнений в тренажёрном зале, сделать уборку. Эти дела, хоть и не требуют слишком пристального внимания, однако эти во время их выполнения могут приходить посторонние мысли, которые будут мешать. Одним из способов избавиться от лишних мыслей является различная музыка. Она не только заполняет наше мыслительное пространство во время длительной и энергозатратной работы, но и определённый настрой, который поможет, например, отжать от груди штангу. Тем самым, концентрация внимания становится повышена. В таких целях, популярностью пользуется жанр Lo-Fi, который не нагружает наши извилины, а наоборот дает им работать эффективнее. Все же видели бесконечное видео с девочкой на заставке, не так ли?

Музыка и селективное внимание (зачем нужна трудная музыка)

У этой концентрации есть и обратная сторона. Слушая музыку для того, чтобы сконцентрироваться на определённых вещах, мы забываем концентрироваться на самой музыке. Это создаёт поверхностный взгляд не только на неё, но и на многие другие вещи в жизни. С одной стороны, человек начинает отвлекаться во время разговора, переставать докапываться до истины, если это музыкант, его игра становится очень пресной. С другой стороны, становится трудно найти себя в жизни. Чтобы избавиться от такой поверхностности, начать смотреть на вещи более глубоко, нам необходимо селективное внимание — способность человека отбирать для себя приоритетную информацию, отсекая ненужное в данный момент. Оно помогает нам, например, общаться с человеком в шумной толпе, искать нужную информацию среди кучи сайтов.

Симфония #6

Одним из упражнений на его развитие, как ни странно, является прослушивание трудной музыки. Например, мы не можем просто включить одну из симфоний Прокофьева во время тяжёлой работы. Когда ты начинаешь понимать эту музыку, ты начинаешь любить её, ненавидеть и т.д. Однако её понимание требует сосредоточенности во время прослушивания, что значительно затрудняет остальную активность, отводя её на второй план.

Трудная музыка помогает не только развить селективное внимание, но и начать по-другому смотреть на более простую музыку и открывать в ней новые для себя вещи.

ВЫВОД

Музыка - это не только приятное звучание, но и инструмент, сильно влияющий на наш мозг и сознание. Она может вызывать эмоции, улучшать память, помогать сосредоточиться, благоприятно влиять на здоровье и способствовать творческому развитию.
Развивайтесь, слушайте музыку, переселяйтесь в необъятные миры этой уникальной вселенной под названием "Музыка и мозг"

—С любовью, Veliev и Michael

МУЗЫКА — ЭТО НАУКА?

2023-06-01T20:19:41.630Z

За всю историю музыки люди продвигали идею того, что "Музыка — это наука". Она звучит спорно, не правда ли? Так ли это? Давайте же разберёмся в этом вопросе, рассмотрев музыку с непривычного ей ракурса — как на часть на науки, а не искусства. Давайте начнём!

История отношения к музыке, как к науке

Сначала стоит отметить, что музыка в разных странах имела свою историю развития. Однако в этой статье я обращусь к истории именно европейской музыки, так как в этом регионе впервые стали относиться к ней по-научному.

История музыки очень разнообразна. У неё были и взлёты, и падения. Она сопровождала церковные службы, различные светские мероприятия, также создавала усладу для людей. Однако издревле люди не видели в музыке закономерность, присущую науке. Ибо одни говорили, что музыка — дар Божий, другие, что это музыка — лишь услада для ушей, не более. Никто не понимал музыку, гармонию, мелодию как закономерность.

Первые люди стали задаваться вопросом о научной природе появились не сразу, ибо они не имели того уровня знаний, примерно в Средневековье. Тогда различали в основном 2 подхода к музыке (на основе философии):

теоретическую музыку
практическую музыку

К первым можно отнести тех, кто видел в музыке начало многих естественных наук, а именно сравнивал звуки и числа (теоретическая музыка). И конечно, это последователи Пифагора, математика, который и сравнил музыку и математику. Он утвердил интервалы, придал каждому звуку числовое значение, и главное — создал строй, который впервые определил звуки в соотношения, которые можно высчитать. Однако, чуть позже эта теория всё больше ставиллась под сомнение, ибо между различными интервалами от разных звуков при сравнении находили несоответствие. Тем не менее, идеи, предложенные пифагором по сей день считаются основополагающими в развитии музыкальной теории.

Пример того, как работает Пифагоров строй

Другим способом познания была практическая музыка, ставшая наиболее релевантной для нашего времени. Последователи этого способа познания музыки не концентрировались на значении и природе звука, а обращали внимание на то, какой эффект производят на человека эти звуки. Поэтому их способ, может, и нельзя назвать более осознанным и "числовым", однако он фокусируется на музыке как на объекте, а руководствуется человек при этом вполне эмпирическим методом. К людям, которые руководствовались данным способом, можно отнести Гвидо Д'Ареццо, того, кто придумал современный способ записи нот на нотном стане. Помимо этого, он дал название каждой ноте, которые мы знаем и пользуемся по сей день (По сути, ноты — заглавные слоги каждой строчки гимна Иоанну Крестителю, к которому и написал музыку сам Гвидо).

Ноты того самого Гимна

Однако на этом развитие познания музыки не остановилось, музыка всё больше обретала очертания интеллектуальной дисциплины, которая изучалась в академиях, которые постепенно открывались по всей Европе. Старые теории савились под сомнение, новые заполоняли музыкальное пространство. Отдельно хочется выделить эпоху классицизма — период, когда музыка обрела форму — систему правил, по которой она может быть написана, и законов. Именно тогда музыка убрала от себя импровизацию и любые вольности, мешающие этому списку утвердившихся правил. Именно те многие музыкальные формы из того периода мы знаем и всё ещё используем по сей день.

Немалую роль в рационализации музыки также сыграло всеобщее развитие системы музыкального образования. Она помогло систематизировать те знания и опыт, которые накопились у музыкантов за долгие годы (учитывая, что музыка — самое вольное в интерпретации искусство), выведя теорию музыки — комплекс дисцииплин, помогающих сделать процесс познания музыки наиболее простым и наглядным. Именно поэтому в следующей статье мы попробуем определиться в том, нужна ли эта "база" современным музыкантам. Ждите!

Попробуем на практике

А теперь попробуем выявить главные сходства науки и музыки. К таким можно отнести следующие признаки науки:

Система знаний — музыка, как и любая другая наука, упорядочена в определённый комплекс дисциплин, который называется "Теория Музыки"
Терминология — термины, которые применяются в музыке, особые "языки" гармонии.
Наличие научных методов познания — при создании музыки, как и при поиске нового знания, мы руководствуемся как теоретическим (использования гармонической теории), так и эмпирическим (поиск новых гармоний)

К отличиям мы отнесём:

Субъективность музыки — музыка, в отличие от науки может быть воспринята по разному, в том числе, учитывая вкусы каждого человека. Именно этот фактор и не позволяет нам назвать музыку наукой в полном смысле этого слова.
Музыка — часть искусства. Ни одна наука ей не является.

Как нам помогает подобный подход к музыке?

Мы поговорили о сходствах и различиях науки и музыки, однако какие плюсы у такой концепции отношения к музыке, как к науке? Вот одни из них:

Музыка при таком подходе становится планомерной и систематизированной. Данный подход делает более наглядными те вещи, из которых состоит музыка (музыкальная фраза, гармония, многолосие, форма музыкального произведения и многое другое). Он хорош не только при понимании, но и при создании музыки, помогая нам построить её фундамент (трека, альбома, сюиты и т.п.).
Наука даёт нам также повод искать новое и экспериментировать, "проводить опыт", делать выводы, задавать (нужные) вопросы — все эти действия, проводимые научными исследователями. Они могут помочь нам сделать музыку лучше, если мы посмотрим на неё как на объект исследования, сделав процесс создания музыки ещё более увлекательным и логичным.

При этом, в музыке существует немало примеров, доказывающих, что она не научна и абсолютно субъективна. Одним из таких можно назвать авангардную музыку.

Связь музыки с искусством невозможно переоценить, ибо она сопровождала его на протяжении очень долгого времени. Так, многие тенденции в живописи, архитектуре, перекочевали в музыку. Это было и с барокко, и с классицизмом, и с романтизмом и со монгим другим. Это произошло и с авангардом — направлением в искусстве 20-го века, отрицающего любые традиции в чем-либо и ищущего новые грани. Именно тогда над традициями преобладали экспериментальность, поиск новых смыслов в искусстве, даже способ самовыражения и отношению к смыслу искусства (см. концептуализм и абстракционизм). И музыка, как мы знаем, не стала исключением. В ней стало появляться много новых стилей, отрицающих традиции и полностью меняющие её восприятие в целом. Так, в 60-е, под влиянием хиппи, появился психоделический рок, который изменил предназначение музыки, сделав таковым не сами музыкальные образы или историю, а именно то состояние, которое можно назвать наркотическим опьянением с их помощью. В этом плане поменялась конечная цель, которая могла быть достигнута абсолютно любыми способами (в данном случае муз.образами). Музыканты стали использовать диссонансы, смену ритма, новое оборудование, нестандартное ведение фразы, чрезмерная тяжесть в звуке — всё это нехарактерно для музыки, которую считали "эталоном правильности и благозвучия". Именно субъективность в музыке помогла найти этому стилю новых последователей, которые находятся и по сей день. В науке бы про данную "псевдотеорию" забыли бы.

При этом, сам психоделический рок породил кучу других направлений, ставших очень популярными. К таким можно отнести и прогрессивный рок(смена размера и сложность), и соул(экспрессия), и метал(тяжесть в звуке), и многое другое.

Альбом The Piper At The Gates Of Dawn, дебютный альбом Pink Floyd

Те самые бокальчики вина, мотив которых очень напоминает Shine On You Crazy Diamond

Одним из самых явных подобных примеров авангардной музыки можно назвать группу Pink Floyd, которая не боялась экспериментировать со звуком, наряду с Beatles, Charlatans, Rolling Stones и др. Их конкретная фишка была в самых неожиданных, а порой и опасных для того времени (со стороны музыкальных критиков) НЕмузыкальных приёмов сыгранных на вполне себе музыкальных инструментах. После они наоборот, начали создавать музыку без использования самих музыкальных инструментов (невышедший лонгплей группы под названием "Household Projects", использование звона бокалов для вина в записи альбома). Вклад этой группы в музыку оценён очень многими, при этом перед нами ломается общепринятая ранее концепция о предназначении музыкальных инструментов (которая говорила нам о том, что они могут быть только музыкальными), о том, что музыка может быть сыграна на специализированном оборудовании. Это уже не говоря об особом подходе к концепции альбомов.

Другие же музыканты видели в музыке протест, поэтому активно продвигали свои идеи через творчество. Так, группа Sex Pistols активно занималась выражением идей, которые были популярны в то время в Англии — нонконформизм, всеобщее равенство, свобода мысли и др. (см. Идеология Панков). При этом, ни один участник этой группы не обладал особыми способностями игры на своём инструменте. Например, басист группы, Сид Вишес, вообще почти не умел играть, однако отлично вписался в группу из-за своего развязных образа и стиля жизни. В треках, Sex Pistols использовали различные провокационные темы, которые вызывали бурное обсуждение.

Так, в одном из треков была спета фраза "I am an Antichriste", что в купе с религиозностью Англии (лозунг "God, Save the Queen" говорит о многом) было очень противоречивым.

Эти ребята хоть и не стали слишком популярными, однако тоже поменяли представление о музыке. Они показали, что музыка также может открыто выражать чаяния общественности, без использования смыслов и образов, а также очень популярный стереотип о том, что музыка даётся лишь тем, кто имеет талант и должную теоретическую базу.

Это лишь некоторые примеры, показывающие, что те правила в музыке, которые были доказаны очень давно, могут быть легко разрушены и заменены альтернативой. Это абсолютно невозможно в научной дисциплине

ИТОГ

Мы имеем науку, точно определяемую систему знаний, которая ИСТИННА и музыку, такую же систему знаний, которая НЕ ИСТИННА во всех её проявлениях.

Стоит ли приравнивать музыку к науке?

Да. По моему мнению, это создаёт тот баланс искусства и рациональности, который помогает упорядочить тот хаос, создаваемый нашим мозгом во время создания нового, ибо музыка это и есть постоянный поиск нужного звука.

Стоит ли объяснять научным методом музыку?

Нет. Музыка неподвластна влиянию объективности, поэтому я считаю, что всё-таки, наука — это про одну, нашу Вселенную, а музыка — про все Вселенные сразу (и про метавселенные тоже). Музыку мы можем объяснить лишь музыкой или же художественными образами (этот вопрос я рассматриваю в статье о том, смодостаточна ли музыка)

Поэтому, отвечая на вопрос, является ли музыка наукой, нам нужно определить цель, и уже потом говорить о том, целесообразно ли употреблять музыку, как науку.

А как считаете Вы? Пишите в комментарии ваши догадки и примеры по этой теме.

Я Вас благодарю за прочтение и прощаюсь до следующей пятницы. Всем пис;)

Понятие жанра в музыке переоценено (слишком)

2023-05-25T19:54:05.659Z

Именно такой текст я увидел у одного инересного джазового (и не только) пианиста в его био на странице. Данный текст слишком запал мне в душу: "А ведь и правда" — подумал я — "Определять музыку жанром в наше время не слишком необходимо". И сегодня я попытаюсь проследить историю такого феномена, как "разделение на жанры в музыке", как жанры стали растворяться/сливаться друг с другом и, наконец, объяснить, почему в наше время подразделять музыку на определённый "жанр" не стоит.

История жанров музыки

История разделения людьми музыки (и вообще любого искусства) на жанры имеет очень большую и широкую историю. Начиная с психологической составляющей человека. Для этого я обращусь к психологической теории.

Человек, начиная со своей личности, проходит сквозь огромные изменения в его образе мышления. Когда мы были маленькими, нам было трудно внятно понять ту или иную вещь, не попробовав её на вкус, не потрогав, не понюхав и т.д., так как в нашей голове ещё не сформировались логические связи. С появлением логики, мы начали строить цепочки, которые помогают нам понять предназначение той или иной вещи. В этом возрасте обычно формируется мировоззрение человека и ему гораздо проще давать точное определение, построив логическую цепочку у себя в голове, чем пытаться и пробовать новое, экспериментировать, как в детстве.

При этом, само общество всегда изменялось и накапливало тот опыт, через который прошли люди. Именно так люди придумали науку, выявив закономерность многих вещей. Именно так, люди и придумали жанры. Жанры, которыми подразделялось (и продолжает подразделяться) искусство и музыка в частности. Подразделять их стали, кстати, совсем недавно (примерно тогда, когда стала создаваться всеобщая история музыки), по разным признакам:

Светская/религиозная музыка (появилось с популяризацией музыки в религии, в частности, в католичестве)
Культурные особенности каждой страны (с появлением новых стран на карте музыкального мира)
Тенденции в искусстве (Эпоха Возрождения, барокко, классицизм и т.д.) и так далее

Хочется отметить, что именно следование жанру в музыке началось с эпохи классицизма, когда музыку стали называть наукой и написали ей определённый свод правил, как и в каком виде она должна быть написана. Тогда в музыке полностью исчезла импровизация. До этого в музыке были различные вольности (например, на каждый концерт музыкант-солист обязан был придумать импровизацию). С появлением классицизма, необходимость в каких-либо вольностях пропала: всё стало записываться заранее в определённой форме, без отклонений в другие жанры. Именно поэтому классицизм можно назвать самым "точным" жанром в музыке.

Подразделение музыки на жанры имеет давнюю историю, и связано с развитием музыкальной культуры и технологий. Оно помогает нам классифицировать и организовывать музыкальные произведения по сходным характеристикам, что позволяет лучше понимать и оценивать музыкальное наследие. Однако не всё так просто.

Как и почему жанры стали скрещиваться

Не правда ли отличный план: взять и объединить музыкальные произведения в жанры для лучшего понимания музыки? Просто великолепный. Однако не всё так просто.

С появлением и развитием технологий люди стали больше узнавать о других культурах, заимствовать что-то у них, а то и вовсе создавать новое, скрещивая различные культуры. Именно так и появился джаз — в котле Нового Орлеана, где были и европейские мигранты, и африканские беженцы, и люди из Центральной Америки. Стоит ли говорить, что все люди там играли абсолютно разную музыку (про его историю можете почитать мою статью). Этот "компот" люди стали называть отдельным жанром со своими главными героями.

Однако на этом скрещивание культур не остановилось. С появлением СМИ, достаточно было включить радио, чтобы открыть для себя новые грани в музыке. Это абсолютно взорвало мозг юным создателям музыки, которые стали скрещивать латинскую музыку с джазом (bossa nova) или же шаффл и блюз. Также стали появляться электронные средства, делающие музыку наиболее тяжёлой (так появился рок), и наконец — апогей всей истории со скрещиванием жанров — семплинг, с появлением которого, музыка стала обретать неизведанные до этого момента формы.

Почему определить музыку жанром в наше время практически невозможно (почему не стоит так делать)

Мы живём в то время, где всё в музыке заимствуется друг у друга. Мелодия, ритмика, манера и подача. Соответственно, это постоянный поиск новых границ в музыке, непрекращающийся эксперимент. Это не вяжется с понятием жанровости, где всё определено в логические группы, о котором я говорил в самом первом разделе этой статьи. В создании музыки не может быть точных определений, потому что определить, какая музыка правильная просто нельзя. Соответственно невозможно определить жанр до максимальной точности. Это невозможно по 2 причинам:

Музыка не постоянна
Нету сдерживающих факторов, запрещающих изменять музыку (Например, предписания церкви, всеобще принятая норма написания музыки и т.д.)

И тут Вы мне скажете, что если современная музыка не имеет чётких приписанных границ в жанрах или же логики в своём развитии, значит она не может быть взрослой (о чём я писал в том же первом разделе). Но здесь опять всё не так просто. Создавая музыку, люди создают всё ещё создают систему. Просто она постоянно будет отличаться от предыдущих. Создание системы из поиска не позволяет назвать музыку такой обычной.

обложка 4:44

Как это работает (на примере альбома Jay-Z — 4:44)

В одном только альбоме от Джея-Зи, 4:44, мы можем слышать Стиви Уандера (соул), Дэмиана Марли (регги) и даже некоторые замашки на вокальную поп-музыку вместе с Бейонсе. И только следующие вещи позволяют назвать нам этот альбом в жанре хип-хопа — репер Джей-Зи, его продюсер и форма треков. Однако в своей сути он имеет различные стилевые особенности. При этом, этот альбом можно назвать цельным музыкальным произведением со своей концепцией и формой развития. То есть, это всё ещё система, просто по-другому построенная.

Это касается не только современной музыки

При этом, это можно применить не только к современной, но и к классической музыке. Предлагаю посмотреть на примере Первого Скерцо Шопена:

Оно имеет название и структуру построения обычного скерцо. Однако оно написано в минорной тональности, звучит очень грозно и не так весело, как оно должно звучать (scherzo (итал.) — "шутка").
Оно написано вне симфонии, когда Скерцо по своей сути должно быть её частью — здесь это отдельное произведение.
В середине мы можем слышать мотивы польской колыбельной

Тут есть лишь форма скерцо. Однако его едва ли можно назвать таковым.

Итог

Нужны ли жанры в наше время? Да. Подразделение музыки на жанры помогает нам находить новую музыку, которая может быть интересна нам. Если мы знаем, что мы любим определенный жанр, мы можем искать новых исполнителей в этом жанре.

Стоит ли говорить, что музыку надо объединять в жанры? Нет. Жанры это лишь закономерность, которая может и выявит что-то общее, однако всё ещё не будет проводить его глубокий анализ. Поэтому... понятие жанра переоценено. Особенно в музыке. Почему я так пишу? Потому что многие в спорах о том, какой жанр лучше, забывают об истоках музыкального материала, об уникальных его особенностях и о том, что каждый жанр состоит из двух других (и более). Ибо обобщать можно многое в жизни, однако в музыке это сделать очень трудно (об этом мы поговорим в другой статье).

Пишите Ваше мнение в комментарии насчёт жанров, стоит ли дать им ещё один шанс?

А я с Вами прощаюсь до следующей пятницы! Всем большое спасибо за прочтение!

BITCHES BREW: история одной авантюры

2023-05-11T09:17:51.690Z

Как изобразить творческую экспрессию с помощью музыкального альбома?

Всем привет. Ты попал на обзор самого противоречивого и самого продаваемого (более 500 тыс. копий!) альбома джаза в истории. Кто-то считает его просто странной эпохой в жизни Майлза Девиса, а кто-то считает это апогеем всего его творчества. Так что же такое Bitches Brew? Давайте разберёмся в этой статье!

Фигура Майлза Девиса и Bitches Brew

О Майлзе и о его импакте на всю джазовую сцену говорить можно сколько угодно. Об этом вкратце и не только вы можете почитать в моей давней статье на тему In A Silent Way (1969) — альбома, который определил дальнейшее развитие творчества Девиса. Здесь я бы хотел обсудить саму фигуру Майлза, то, как она проявилась при записи

Фигура музыканта включает в себя личные качества, которые провляются не только в творчестве, но и процессе его создания. Практически у каждого успешного музыканта имеется фигура. У Джона Колтрейна — связь творчества со Служением Богу, у Телониуса Монка "обрывистость" в игре и т.д.

У Майлза Девиса творческая фигура состоит из двух компонентов:

Постоянное стремление к развитию творчества и поиск нового
Невероятное чувство командного духа

Казалось бы, два качества, которыми должен обладать каждый музыкант. Однако у Майлза данные компоненты выкручены на полную силу. Во время работы, Майлз следил за тем, как работает его коллектив. Он одёргивал, давал советы, настраивал музыкантов на нужное настроение. При этом, что самое важное, он давал им раскрыться, играть "своей душой" и никогда не бояться проявить себя. Хоть он был полноценным участником всего коллектива, очень многие почётно называли его дирижёр.

Я помню, как Майлз подошёл ко мне из-за спины, положил на мои руки свои и сказал: "Слушай, эти трезвучия звучат интересно, не находишь?" — и показал мне аккорды прямо на клавиатуре. — Chick Corea о записи Bitches Brew.

Именно на Bitches Brew Майлз начал проявлять свой настоящий талант — умение создавать музыку в моменте. И в этом ему несомненно помогли его бесконечная тяга к новым идеям и организаторские способности, помогающие их воплотить.

Отрывок из фильма про Майлза

Что же такое Bitches Brew?

И вот мы подходим к главному вопросу: "а что же собственно такое "Bitches Brew?"

Название "С*чье Варево" для альбома от джазового гиганта было весьма провокационным, действительно, не каждый день услышишь такое словосочетание по радио или ТВ. Многие продюсеры уговаривали Майлза заменить название, однако он стоял на своём. И не прогадал.

Этот альбом — и правда, С*чье Варево. Это огромнейшая музыкальная сессия, которая проходила 5 месяцев. К команде Майлза присоединились как его прошлые соратники — Wayne Shorter (саксофон), Jack Dejohnette (ударные), Dave Holland (бас), так и новые — Chick Corea (клавиши), John Mclaughlin (гитара), Harvey Brooks (электробас) и многие другие.

Музыканты собирались и джеммили, имея под рукой лишь аккордовую сетку. Всю основную работу проводил Майлз. Он задавал форму, давал рекомендации по импровизации — был настоящим руководителем коллектива. Все происходило в режиме импровизации, никто ничего не писал заранее. Так, в течение 5 месяцев была записана куча материала, из которых впоследствии, с помощью продюсера, Тео Масеро, выбрали 8 треков, которые попали на конечную пластинку.

Однако, назвать альбомом это трудно. Если присмотреться, в названии на обложке написано "Направления в музыке Майлза Девиса — С*чье Варево". Это целое музыкальное направление, в котором шли все его последующие концерты и туры. Это эпоха.

Как же он звучит?

Сама музыка уже больше напоминает Фьюжн, смесь джаза и рока. Есть немного фанка, который потом захватит музыкальную индустрию в 70-х. Однако этот альбом во многих моментах уходит в авангард, а где-то и в этническую музыку (на полной версии сессии с Bitches Brew можно слышать конго, а также сантур — индийский народный инструмент).

И если на In A Silent Way Майлз лишь искал формулу фьюжна, то на Bitches Brew этот стиль обретает ту форму, в которой он будет вариться вплоть до наших дней.

Один из самых фьюжновых треков на альбоме

Отдельно хочу написать про влияние психодела. Психоделический рок был очень популярен в конце 60-х. Рок-музыканты (например Pink Floyd, Beatles в то время были одними из пионеров психоделического рока в 60-х) под влиянием психотропных веществ, создавали музыку, напоминающую их эффект. На этом альбоме слышны отголоски как раз этой эпохи. Различные фразы, мотивы, особый эффект "эхо" на трубе Майлза, а также другие эффекты — все эти приёмы в некоторые моменты создаёт впечатление, что этот альбом слишком зависит от иллюзий, которые приходили музыкантам во время записи. Да, Майлз и на прошлом альбоме заигрывал с психоделом, однако на этом альбоме он возводит данную тенденцию в абсолют.

Вся эстетика психоделического рока в Bitches Brew

А также этот альбом можно считать эталонным в работе со студийным оборудованием — на альбоме активно используются лупы (зацикливание музыкальной дорожки, например в треке Pharaoh's Dance) и многие другие приёмы, впоследствии крепко укрепившиес в индустрии музыки.

Настоящее удивление приходит, когда смотришь на состав: в каждой композиции присутствует 2 или 3 клавишника (один звучит слева, другой — справа, а третий — в середине), 2 ударника + барабанщик на конго (традиционный африканский барабан), 2 басиста (электронный и контрабасист), два саксофона (сопрано и барритон — самый высокий и самый низкий) и ещё парочка музыкантов + Майлз. И каждый музыкант выполняет свою роль, либо дополняя атсмосферу парой аккордов, либо просто помогая импровизировать другим музыкантам. При этом, в композициях есть рифы, которые могут повторяться, обыгрываться разными инструментами. Так, в композиции "Bitches Brew" саму тема звучит в басу, которую время от времени могут повторять левый и правый клавишники. Это создаёт ощущение единения группы, чувство полной включённости в процесс. Каждый — индивидуален, но при этом — в общем потоке.

И здесь хочется отметить работу продюсера — а именно, как ни странно, его невмешательство и абсолютную вседозволенность, которую Тео позволял Майлзу во время работы. При этом, он был также вовлечён во весь процесс, Майлз всегда показывал ему свои наработки.

Я помню, как он мог позвонить мне прямо посреди ночи и сказать: "Послушай это" - и на протяжении 40 минут играл мне. Мало того, он просил меня еще и покритиковать это — Тео Масеро, продюсер и саксофонист о работе с Майлзом Девисом над Bitches Brew.

Teo Macero о работе с Майлзом

Концепция

Концептуально данный альбом считается идейным продолжением In A Silent Way. Однако тут Майлз пошёл дальше и выставил альбом с очень интересной обложкой:

Полная версия обложки Bitches Brew

С одной стороны, обложка это лишь обрамление музыки. Однако её также можно считать частью задумки, объясняющей концепцию и смыслы этого альбома.

Так, обложка сдвоенная. В ней можно увидеть день, ночь. А в самом альбоме мы можем слышать две разные стороны: саксофон с самым высоким и низким тембром (мужское и женское начало), контрабас и электронную бас-гитару (атрибут старой механической и новой роботизированной культуры), конго и ударную установку и т.д. Даже сантур смотрится уместно вместе с электронным пианино. Эти противоречия сливаются в одно с*чье варево, в котором мы пониимаем, что всё нас самом деле имеет один общий корень, общее начало.

Именно обложка станет неотъемлемой частью всех концептуальных музыкантов в будущем, проливая свет на её сюжет — при этом, она также, как и здесь может указывать на какие-то отдельные смыслы и художественные задумки автора. А также, это один из самых явных случаев использования программности в джазовой и околоджазовой музыке.

Итог

Мы имеем самый продаваемый альбом в истории джазовой и околоджазовой музыки — в 2003 году он стал платиновым (RIAA, >1 млн копий). Причину такого успеха обсуждать можно долго. Это всё было достигнуто при:

спорном названии альбома
абсолютно новом сеттинге — фьюжн
общей импровизованности альбома

Этот альбом активно развивает ту идею, которую Майлз заложил в In A Silent Way: нужно всегда пытаться находить новые грани в музыки. Их можно найти. Просто стоит послушать звуки в полной тишине. Или же просто повариться.

При том, я лишь рассказал о том, что есть в основной части альбома. Весь поток идей Майлза выложен в полной версии этой легендарной сессии — The complete sessions of Bitches Brew. Именно там можно услышать стукающий метроном, некоторые разборки майлза со звукорежиссерами — весь рабочий процесс изнутри и оочень много музыки)))

Так что, если вы ещё не слушали Bitches Brew, то самое время это сделать.

А я с Вами прощаюсь до следующей пятницы! всем пис:3

)))))

Самодостаточна ли музыка в искусстве или же нет?

2023-05-01T14:26:42.650Z

Слева-Брамс, справа-Вагнер

Главным вопросом в спорах музыкальных критиков, искуствоведов, самих артистов и обычных слушателей был, есть и остаётся тот, что затрагивает смысл существования самой музыки.

"Музыка — есть цель достижения творческой цели, или же лишь средство?" "Нужны ли музыке другие средства, чтобы передать конечный образ?".

Или проще. Если бы Вам всю оставшуюся жизнь предложили слушать музыку только с картинками и текстом, или просто музыку, то что бы Вы выбрали? На этот вопрос мы сегодня и ответим.

История проблемы восприятия музыки

Музыка это самый непонятный вид искусства. Я сейчас вам это докажу

Есть вопрос. "Что такое музыка?" На него вообще невозможно ответить адекватно, ведь у каждого найдётся свой ответ на этот вопрос. Кто-то назовёт музыку видом искусства, который является системой взаимоотношений между звуками, которые создают художественные образы (определение из учебника); наукой ладно-размеренного пения, системой чисел (Кассиодор), проявлением математики, а кто-то вообще назовёт музыку ничем иным, как просто палитрой красок.

Музыку нельзя увидеть, понюхать, дотронуться. Её можно лишь услышать.

Кстати, цветным музыкальным слухом обладали очень влиятельные музыканты, такие как Джимми Хендрикс, Александр Скрябин. Впоследствии даже была создана "Цветомузыка" — прибор, включающий цвета в соответствии со звуком мелодии.

Так вот. Невозможность адекватно объяснить музыку, её место в искусстве, то, какой она должна быть на протяжении веков, создавала противоречия между людьми в этом вопросе. Одни считали, что музыка — это разговор с Богом, язык молитв, поэтому она должна посвящаться именно Всевышнему и исполняться соответственно канону церкви. Другие считали, что музыку нужно рассматривать музыку как светское занятие, которое могло сопровождать работу, войны и т.д. Третьи вообще называли музыку ничем иным, как наука, которую можно измерить. Тем самым эти противоречия создавали различные музыкальные стили, которые впоследствии либо заменяли друг друга, либо развивали идеи предыдущих.

Так, музыка успела побывать и одноголосной, сменилась на многоголосие, позже перестала быть только церковной и начала захватывать умы светского населения. Потом стала усложняться и впитывать в себя национальные особенности отдельных стран. Чуть позже, музыку на официальном уровне стали творить не только придворные и церковные музыканты, но и независимые артисты.

Первое большое противоречие было между теми, кто считал что музыка является наукой, имеет свод правил и не предполагает самовыражения композитора (Классицисты) с теми, кто называл музыку выражением чуств и эмоций человека, которые могут как следовать всеобщим правилам, так и избегать их (Романтисты). Борьба сторонников разума и эмоций в музыке была одной из самых ярых. Романтистов по началу не принимали и называли пошлыми, в итоге, романтизм захватил всю европейскую музыку 19-го века, закрыв собой классицизм.

Стоит отметить, что многие романтисты использовали в своих произведениях те формы, которые были определены в эпоху классицизма. Так что романтизм можно назвать как антиподом, так и органичным развитием и продолжением классицизма.

Но главное противостояние ещё было впереди.

Лагерь первых - ПРОГРАМНАЯ МУЗЫКА

Тут мы подходим к другому вопросу, который актуален по сей день — стоит ли считать музыку самодостаточной? Стоит ли ещё придумывать что-то, что помогло бы объяснить замысел композитора в произведении?

Многие считали и считают, что да. Для этого они придумали даже целый термин — "программная музыка". Программа в названии здесь обозначает какой-то замысел, который выражен либо в названии, либо на иллюстрации к ней, либо в написанном сюжете. Просьба не путать программную с концептуальной музыкой. Цель программы - более точно передать образ. Концепция же заставляет осмыслить этот образ. Тем не менее, программа во многом помогает понять концепцию, а концепция — программу.

Эта программность в музыке также появлялась постепенно. Сначала один композитор назовёт каприччио "причудливым", затем сам Бетховен назовёт 6-ю Симфонию "Пасторальной". При этом, в то время в музыке происходит развитие жанра оперы — организованного музыкального театрального представления с заранее написанным сюжетом и т.д.

Во многом, это стремление создавать "программность" было связано с развитием романтизма — стиля, через который композиторы самовыражались и выкладывали собственную картину мира. И конечно, тут требовалось более точное определение тому, что они хотели донести.

Самым пиком развития программной музыки можно считать Рихарда Вагнера, который полностью изменил понимание музыки в целом. Он считал, что музыка была лишь одним из средств в достижении конечного художественного замысла. Он писал сюжеты к своим операм, также прописывал либретто (текст) и конечно, сам писал музыку. Отношение же его к сюжетам опер было слишком серьёзным — за основу брались лишь самые масштабные немецкие легенды

Именно Вагнер в итоге продвинул идею того, что музыка впоследствии станет никому не нужна, а останется лишь то шоу, которое этой музыкой и обрамлялось. То есть в итоге музыка — лишь часть всего замысла.

В наше время

Впоследствии классическая музыка сошла на второй план, однако и в 20-ом веке стали продвигаться идеи программности. Особенно стала развиваться изобразительная программность

Так, Disney в 40-х сняли целый мультфильм с собственными сюжетами на музыку классических композиторов. То есть сам анимационный ряд наложили на музыкальную дорожку.

Отрывок из мультфильма "Фантазия"

Именно с появлением рок-музыки, а затем и развившегося параллельно хип-хопа программность снова стала набирать обороты. Переломным моментом можно считать появление клипов, которые доводили понимание музыки на наиболее новый уровень.

В наше время идея "программности" в музыке является одной из самых востребованных. Например, Канье Уэст, чтобы передать смысл своего альбома "My Beautiful Dark Twisted Fantazy", снимает короткометражный фильм, в котором по мере того, как сменяются локации и сцены, включаются треки из него.

Фильм про альбом

Объяснить такую популярность можно. Как и тогда, так и сейчас, музыка это всего лишь набор звуков, какие бы смыслы мы в них не закладывали, мы лишь можем услышать это. И очень многим людям, чтобы представить перед собой образ, нужно включить воображение, которое не всегда будет соответствовать мнению большинства людей. Программа же, унифицирует понимание творца, позволяя всем немного "заглянуть за занавес" создания произведения, понять более мелкие моменты задумки автора. Так что "программность" можно считать гармоничным дополнением к музыке.

Лагерь вторых - ПРОТИВНИКИ ПРОГРАМНОЙ МУЗЫКИ

Однако, как Вы понимаете, не все придерживались подобного отношения к музыке.
Были (и даже есть сейчас) другие люди, которые считали музыку самодостаточной. Они абсолютно отрицали все те принципы, которыми хотели обвернуть музыку тогдашние "программисты". Их называли консерваторами.

Именно они пропагандировали идею невмешательства в музыку других видов искусств. Самые явные из них — Иоганнес Брамс и Клара Шуман. В эпоху романтизма — одни из самых влиятельных противников идей Вагнера . В качестве собственных тезисов они выдвигали:

Возвращение к старым традициям
Уход от программности

Да. Музыку эти люди понимали как абсолютно самодостаточную единицу в искусстве. Ей не нужны дополнительные "костыли" ввиде написанных сюжетов, картин. Поэтому в названии у таких композиторов редко можно встретить что-то, что передавало бы какой-то сюжетный замысел, в отличие от программных музыкантов.

Такой подход очень не нравился сторонникам прогрессивной программной музыки, которые всеми правдами и неправдами старались очернить имя консерваторов в статьях, называя их подход слишком устаревшим. Их противники отбивались, говоря, что именно они являются главными невеждами в музыке. Об этой "войне" в классической музыке написана куча книг. Тем не менее, и Клара Шуман, и Иоганнес Брамс в наше время считаются одними из самых влиятельных и известных классических музыкантов, хотя их подход считали слишком устаревшим.

В наше время

Если программная музыка оставила существенный импакт в восприятии музыки, то ей противоположная, принесла в творчество современных авторов осознанность и специфическое отношение к созданию музыки, как отдельного вида искусства, отличимого от картин, скульптур. Отношение — "Музыка — отдельный элемент культуры"

Museum Of Modern Art - "Blonde"

Именно такое отношение прослеживается в творчестве очень многих современных музыкантов. Одним из таких можно назвать R&B-исполнителя и сонграйтера Френка Оушена, который в 2016 году выпустил альбом под названием "Blonde". Там есть интересная обложка (которую вывесили в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке), однако знаменит он большей частью своей музыкой, которая может быть воспринята каждым человеком по-своему. Френк не давал никаких пояснений по поводу сюжета альбома, также по поводу названия. В интернете есть лишь домыслы того, что может значить тот или иной объект на альбоме. Также ни на один трек не было снято ни одного клипа. История с "Blonde" показывает именно такой разговор артиста со слушателем. Лишь музыка даёт чёткое объяснение тому, что происходит в голове у исполнителя. И, как ни странно, влияние того самого "консервативного" подхода, как раньше считали, к музыке - отсутствие сюжета, клипов (программы) сделало этот альбом одним из самых прогрессивных для своего времени, о концепции которого спорят до сих пор.

Такое отношение по сей день держит музыку от сливания с картинами и фильмами. Именно поэтому по фильмам до сих пор выпускаются отдельные саундтреки.

Итог — какой взгляд лучше?

Ответ — ничего. Оба взгляда как и отрицают, так и взаимодополняют друг друга. Именно поэтому я написал, что программа не заменяет, а, во многом, гармонично дополняет произведение. Однако и взгляды противников программы об обособленности музыки помогли ей добиться того влияния в мире искусства, которое оно имеет сейчас. А порой, отсутствие программы, даже помогает лучше понять концепцию и заставляет нам самим додумать картину, включить наше воображение.

Поэтому, моё мнение — и то, и то, хорошо в меру и в правильном сочетании и пропорции. А как считаете Вы? Пишите мнение в комментарии.

А я с Вами прощаюсь до следующей пятницы. Всем Пис:3

Thank you