Просто рисуй

3 обязательных элемента акварельного натюрморта

2023-08-17T12:17:31.488Z

Бывало ли у вас так, что смотришь на какой-нибудь красивый, яркий и реалистичный натюрморт в акварели, хочешь сотворить нечто подобное и… не знаешь, с чего начать? Так вот, дорогой амбициозный художник: вы нашли то, что искали! Сегодня мы рассмотрим три необходимых составных части успешного, просто великолепного натюрморта: интенсивность, свет и цвет.

Однажды утром, когда на завтрак у меня была вот эта простая миска ягод, я увидела солнечный свет, падающий на них из окна, и просто не смогла устоять. Они просились на полотно! Я их сфотографировала и пошла в город.

Но для рисунка по моей инструкции необязательно доставать миску ягод - подойдет любой предмет, имеющий много сильно освещенных участков, глубоких теней и контраста.

Начните с наброска, затем нанесите маску-защиту на все места бликов. Я использовала удаляемую маску-жидкость Winsor&Newton. Но прежде не забудьте обмазать кисточку мылом. И почаще мойте ее и снова намыливайте, когда будете использовать маску.

ИНТЕНСИВНОСТЬ

Большое количество слоев краски, углубляющих темнейшие из темных цветов на вашей картине, добавит интенсивности и объема.

Когда высохнет маска, первый слой мокрым по мокрому должен выглядеть, как на левой нижней ягоде на рисунке выше. Я взяла для него Ализариновый кармазин (Alizarin Crimson), Фиолетовый (Violet) и Французский ультрамарин (French Ultramarine), плюс немного Серого Пейна (Payne's Gray).

Для второго и третьего слоев на ягодах в центре и справа я стала писать детали и тени более яркими цветами. Вам может понадобиться несколько слоев, пока цвета на картине не станут достаточно глубокими.

Посмотрите: ближе к центру цвет прямо-таки чернеет. Смешивайте краски и берите самые насыщенные для темных участков картины.

СВЕТ

Вначале убедитесь, что ваша работа полностью высохла.

Свет на картине создается прежде всего фоном и падающими тенями. У себя я быстренько положила туда, где тень от миски, слой Зеленого Хукера (Hooker's Green) (с легким оттенком Жженой умбры (Burnt Umber)) и Серого Пейна (Payne's Gray). Пока рисунок был еще сырым, я немного прошлась Индийским желтым (Indian Yellow) и сделала фон поярче. И вот уже установлен источник света.

Затем я принялась за миску. На верхней картинке видно, где я отметила у нее свет и рефлексы.

Я написала две части миски: сначала снаружи, потом внутри. И все время сверялась со своим фото, чтобы уловить все цветовые нюансы и форму теней поточнее. И вам советую превратить это в привычку. Пусть вашей второй натурой станет тщательное изучение предмета натюрморта.

Чтобы сделать свет на картине четче, я добавила еще Серого Пейна (Payne's Gray) в тень миски. Снова намочите всю затененную область и поскорее накладывайте цвет. Не забывайте и про маленькие тени: здесь я также использовала круглую кисточку номер 2 для теней от ягод внутри миски.

Свет у вас должен выделяться, когда будут готовы тени и рефлексы, ведь почти все участки света - это незакрашенная белая бумага.

ЦВЕТ

Ближе к концу работы начинайте лессировать самый яркий предмет легкими слоями чистого цвета. Так вы усилите его тон. Повторяйте сколько угодно раз, пока цвет на картине не станет достаточно глубоким.

Посмотрите, какой темный у меня центр миски. Эта интенсивность создает 3D-эффект - и тут не надо бояться как следует прорабатывать цвет. Я в последний раз намочила фон и слегка углубила оттенки зеленого и синего вокруг миски, не переусердствуя с краской, а позволяя воде размывать очертания, чтобы потом увидеть, какими интересными они получатся.

Затем я удалила маску-жидкость и смягчила светлые участки с помощью чистой мокрой кисточки, а потом промокнула эти места тканью. От этого ягоды и миска блестят, а замаскированные участки выглядят не так кричаще.

Когда закончите картину, посмотрите на нее издалека и спросите себя:

Есть ли в ней интенсивность? Кажется ли, что можно взять сладкую ягодку и съесть ее, как на забавной картинке, что внизу?
Есть ли свет? Можно ли определить источник сильного света и самые освещенные места?
Цвета живые и точные? Красный - это красный? А оттенки синего тусклые или яркие?

Интенсивность, свет и цвет - вот три кита очаровательного натюрморта. Сможете передать их все в картине - и зрителя точно увлечет ее реалистичность.

Руководство по рисованию перспективы

2023-07-20T08:04:55.442Z

Вероятно, мы все слышали (или даже произносили) фразу: «Эта картина действительно создает ощущение глубины, иллюзию трехмерного пространства».

В мире искусства перспектива по-прежнему связана с вашим мнением и отношениями объектов друг к другу. Когда вы учитесь рисовать, то узнаете важность перспективы. Все зависит от того, как вы смотрите на мир, и это именно то, чему учит Патрик Коннорс в своем видеоролике «Руководство художника по перспективам».

В Руководстве по Перспективе, часть 1, Коннорс делится основными уроками перспективы и показывает, как можно научиться рисовать, видя объекты по-другому. В Части 2 Коннорс расширяет эти уроки рисования, демонстрируя, как сделать одно- и двухточечную перспективу; затем он применяет эти методы рисования, чтобы поэтапно завершить натюрморт.

ПОЧЕМУ ПЕРСПЕКТИВА И ВОСПРИЯТИЕ ИДУТ РУКА ОБ РУКУ?

Хотя основы перспективного рисования кажутся довольно прямолинейными, возможности того, как вы можете применить перспективу в своем искусстве, огромны. На самом деле, перспектива почти синонимична восприятию.

Я имею в виду, что вы можете использовать принципы этой техники, чтобы создать свое собственное восприятие окружающего мира через искусство. У вас есть сила иллюзии, способность заставить зрителя видеть то, что вы хотите. Вы можете изменить восприятие вашего искусства, - всего лишь путем завоевания основ рисования перспективы.

Как научиться рисовать в перспективе? Ну, для начала, давайте рассмотрим несколько ключевых терминов, которые вы должны знать, прежде чем вникать в перспективный рисунок, извлеченный из книги, Перспектива для Абсолютного Новичка, Марк и Мэри Уилленбринк.

ЛИНЕЙНАЯ ПЕРСПЕКТИВА

Визуальная глубина выражается через линейную и атмосферную перспективу, а также использование цвета. С линейной перспективой глубина достигается по линиям, размерам и расположению форм. И хотя композиции могут различаться по сложности, основные термины и определения, описанные в этом разделе, присущи линейным перспективным чертежам.

Горизонт (horizon) - линия, на которой небо встречается с землей или водой. Высота горизонта будет влиять на размещение точки схода, а также уровня обозрения сцены.

Точка исчезновения, точка схода (vanishing point) - место, где параллельные линии появляются вместе на расстоянии. На рисунке ниже вы можете увидеть, как параллельные линии дороги отступают и визуально сливаются, чтобы создать единую точку схода на горизонте. Сцена может иметь неограниченное количество исчезающих точек.

Плоскость земли (ground plane) - горизонтальная поверхность ниже горизонта. Это может быть земля или вода. На изображении ниже плоскость заземления находится на уровне. Если он был наклонным или холмистым, точка схода, созданная параллельными линиями пути, может не опираться на горизонт и может казаться, будто она находится на наклонной плоскости.

Ортогональные линии (orthogonal lines)- это линии, которые направлены в точку схода; например, параллельные линии железнодорожных путей. Слово «ортогональный» на самом деле означает прямой угол. Он относится к прямым углам, образованным линиями, такими как угол куба, показанный в перспективе.

Преимущественной точкой (vantage point), которую нельзя путать с точкой схода, является место, из которого просматривается сцена. На точку зрения влияет размещение горизонта и точек схода.

Одноточечная перспектива (One-Point Perspective). Линейная перспектива с одной точкой схода - одноточечная. Точка исчезновения, как правило, появляется в центральной части сцены.

С этой точки зрения вы смотрите на плоскость земли к горизонту на расстоянии. Параллельные линии железнодорожных путей сходятся в точке схода на горизонте. Если бы линии коробки были отведены назад к горизонту, они сходились бы в той же точке схода, что и железнодорожные пути, потому что линии ящика параллельны железнодорожным путям. Обратите внимание, что все линии в этой сцене либо сходятся в точке схода, либо вертикальны (перпендикулярно к плоскости заземления) или горизонтали (параллельно горизонту).

Двухточечная перспектива (Two-Point Perspective). Линейная перспектива, использующая две точки сбрасывания, называется двухточечной перспективой. Сцены в двухточечной перспективе обычно имеют точки схода, расположенные в крайнем левом и правом углу.

Вот двухточечная перспектива, смотрящая через плоскость земли к горизонту на расстоянии. Параллельные линии железнодорожных путей и ящика сходятся в точке схода в крайнем правом углу. Другие линии коробки, которые параллельны железнодорожным путям, имеют одну и ту же точку схода в крайнем левом углу. Все линии этой сцены сходятся либо в левой, либо в правой точке схода или вертикальные линии (перпендикулярно плоскости земли).

Многоточечная перспектива (Multi-Point Perspective). Линейная перспектива не должна ограничиваться одной или двумя точками исчезновения. Сцена может иметь несколько точек исчезновения в зависимости от сложности предмета. Например, трехточечная перспектива похожа на двухточечную перспективу; она имеет левое и правое исчезающие точки на горизонте. Кроме того, есть третий пункт исчезновения ни ниже, ни выше горизонта.

Помимо наличия точек слева и справа, эта сцена имеет дополнительную точку исчезновения ниже объекта. С этим рисунком горизонт находится над предметом. Каждая строка объекта является ортогональной линией и переходит в одну из трех точек сбрасывания.

С двухточечной перспективой эти вертикальные линии остаются прямо вверх и вниз перпендикулярно плоскости заземления. С точки зрения трех точек зрения, точка обзора либо смотрит вниз, либо вверх на объект. Вместо вертикальных линий она имеет третий набор ортогональных линий, которые сходятся в третьей точке исчезновения.

АТМОСФЕРНАЯ ПЕРСПЕКТИВА

Атмосферная перспектива, также называемая воздушной перспективой, передает глубину через вариации значений (свет и тьма), цвета и ясность элементов. Элементы переднего плана в композиции имеют более ценные контрасты, более интенсивные цвета и большее определение деталей. На расстоянии значения и цвета становятся нейтральными, детали менее определены, а элементы приобретают тусклый сине-серый вид.

Атмосферная перспектива возникает, потому что частицы в воздухе, такие как водяной пар и смог, влияют на то, что видно. Формы, просматриваемые с расстояния, не так определены и имеют меньший контраст, поскольку в атмосфере между формами и зрителем больше частиц. Аналогично, на длину волны цвета влияет расстояние. Блюз отскакивает, в то время как более длинные цветные длины волн не влияют на частицы одинаковым образом. В результате блюз остается более заметным, чем другие цвета в спектре.

Значения (values) - это светлые и темные оттенки композиции. Значения могут влиять на впечатление глубины в сцене. Высококонтрастные значения, как правило, проявляются в направлении значений с небольшой контрастностью.

Освещение сцены (lighting) влияет на тени и значения форм. Это также может повлиять на восприятие этих форм.

При рисовании глубина может быть выражена как в линейной, так и в атмосферной перспективе, а также путем использования цвета. Объединение всех трех будет давать оптимальные результаты.

СОЗДАНИЕ ВНУТРЕННЕГО БЛОКА

Теперь, когда основы пройдены, вот забавная пошаговая демонстрация на перспективном рисунке, которая играет с силой иллюзии. Этот урок включает в себя эскизные квадраты с линиями, которые отступают до одной точки схода. Глубина в готовом чертеже передается с помощью линейной перспективы и использования значений.

Материалы, необходимые для завершения этой демонстрации:

Бумага: бумага для рисования средней текстуры 8" x 8"; 8" x 8" среднеструктурная эскизная бумага
Карандаши: 2B и 4B
Мягкий ластик
Лайтбокс или переносная бумага
Линейка
Треугольник
Т-образная линейка

ШАГ 1: НАРИСУЙТЕ КВАДРАТЫ

На кусочке эскизной бумаги используйте карандаш 2B, чтобы сформировать большой квадрат размером 8" x 8" (20 x 20 см). Нарисуйте маленькие квадраты внутри большого квадрата с помощью линейки, чтобы отметить линии. Измерения должны быть одинаковыми как сверху вниз, так и слева направо: 1,3 см, 5 см, 1,3 см, 5 см, 1,3 см, 5 см. Нарисуйте линии, используя Т-образную линейку и треугольник, чтобы убедиться, что они прямые и точные.

ШАГ 2: ДОБАВЬТЕ ТОЧКУ ИСЧЕЗНОВЕНИЯ И ОРТОГОНАЛЬНЫЕ ЛИНИИ

Поместите точку в центре бумаги для точки схода. Начните добавлять ортогональные линии от углов квадратов к точке схода. Избегайте рисования линий над передней поверхностью, которые должны оставаться белыми.

ШАГ 3: ДОБАВЬТЕ БОЛЬШЕ ОРТОГОНАЛЬНЫХ ЛИНИЙ

Продолжайте добавлять линии, которые сходятся в точке схода.

ШАГ 4: ОТСЛЕЖИВАНИЕ ИЛИ ПЕРЕДАЧА ИЗОБРАЖЕНИЯ

Используйте карандаш 2B для легкого отслеживания или переноса структурного эскиза на лист 8" x 8" (20 см x 20 см) чертежной бумаги. Оставьте ненужные строки.

ШАГ 5: ДОБАВЬТЕ СВЕТОВЫЕ ЗНАЧЕНИЯ

Добавьте более светлые значения карандашом 2B. Сделайте значения темнее, когда внутренние формы отступают.

ШАГ 6: ДОБАВЬТЕ ВНУТРЕННИЕ ЗНАЧЕНИЯ

Добавьте средние значения. Продолжайте затемнять туннельные формы, когда они уходят вдаль.

ШАГ 7: ДОБАВЬТЕ ТЕМНЫЕ ЗНАЧЕНИЯ

Добавьте темные и детали с карандашами 2B и 4B. При необходимости осветите любые области с помощью мягкого ластика.

Не забудьте подписать свою работу! Потому что ваше произведение является уникальным выражением себя. Это даст вам чувство выполненного долга, а также поможет отслеживать развитие художественных навыков.

Как написать экспрессивный автопортрет с помощью зеркала

2023-06-27T06:30:57.219Z

Мне нравится писать портреты акварелью. Полупрозрачные слои идеально передают цвет кожи, а наслаивание темных тонов обеспечивает драматичный эффект, который зачастую не ассоциируется с этим видом красок.

Чтобы добавить картине экспрессии, начинайте работать с абстрактными формами. Старайтесь наносить первые слои свободно и произвольно, задавая настроение всей картине. Ваша поза имеет большое значение. Автопортрет будет выглядеть динамичнее, если вы расположите одно плечо выше другого, либо слегка наклоните или повернете голову в одну сторону.

Поставьте мольберт вертикально и немного под углом, чтобы вы могли видеть себя и рисунок, не меняя положения головы. Также обратите внимание, что я сместила лист к самому краю планшета, устраняя все преграды между моим отражением в зеркале и бумагой. Держите все необходимые принадлежности под рукой. Пытайтесь писать от плеча, стоя на расстоянии вытянутой руки от рисунка.

Надеюсь, что этот урок вдохновит вас смело взяться за рисование своего автопортрета. На протяжении всего процесса работы внимательно рассматривайте свое отражение в зеркале. Помните, что при необходимости всегда можно снять краску. Но прежде всего я хочу, чтобы вы познали вкус экспрессивной техники акварельной живописи. Только путем экспериментов можно освоить любой вид искусства.

Вам понадобятся:

Бумага акварельная холоднопрессованная плотностью 535 г/см2, формата 76 x 56 см;
Акварель: Виридоновая (Viridian), Перманент травяной зеленый (Permanent Sap Green), Французский ультрамарин (French Ultramarine), Церулеум синий (Cerulean Blue), Краплак красный (Аlizarin crimson), Кадмий красный (Cadmium Red), Охра желтая (Yellow Ochre), Желтая лимонная (Lemon Yellow), Коричневый Ван-Дэйк (Vandyke Brown) и Сиена жженая (Burnt Sienna) – все из набора профессиональной акварели Winsor & Newton;
Кисти: овальная размывочная однодюмовая, полудюймовая и 3/4 дюйма; плоская № 1, 2 и 3, соболья круглая № 8 – все бренда Royal & Langnickel.

1. НАМЕТЬТЕ ТЕНИ

Свет падал на мое лицо слева. Прищурив глаза, я определила общие очертания тени на второй половине лица, и изобразила ее двухдюймовой плоской кистью размывкой из Краплака красного (Аlizarin crimson), Перманента травяного зеленого (Permanent Sap Green) и Охры желтой (Yellow Ochre). Широкими кистями удобнее и экономичнее закрашивать одним тоном большие участки рисунка на начальном этапе.

2. ОГРАНИЧЬТЕ КОНТУРЫ

Слегка коснувшись листа краем плоской двухдюймовой кисти, я установила четкую границу лица. Этим же методом я нарисовала и воротник моего ультрамаринового джемпера – я расположила кисть у края плеча, и провела полосу цвета вертикально вниз. Я люблю, когда краска течет и капает с бумаги. Пол Кли (Paul Klee) однажды сказал: «Создавайте как можно больше возможностей».

3. НАБРОСАЙТЕ ОСНОВНЫЕ ФОРМЫ

Пока лицо сохло, я продолжила намечать более крупные фрагменты картины. Здесь уместно приступить к прописыванию волос смесью Французского ультрамарина (French Ultramarine) и Коричневого Ван-Дэйка (Vandyke Brown), постепенно воспроизводя структуру лица. Я держала кисть вертикально, позволяя краске беспрепятственно стекать вниз. Кое-где я дала пигменту скапливаться в лужицы, чтобы тон стал более явным, - например, в ложбинке на шее или на коже у края воротника.

4. ПЕРЕВЕРНИТЕ ВСЕ С НОГ НА ГОЛОВУ!

Закрасив область волос водянистой размывкой, я ненадолго перевернула планшет, чтобы темные потеки не испортили светлый тон кожи. Эти несколько мгновений помогут уменьшить напряжение, и дадут вам пару минут отдыха. Меня очень радовали подтеки, образующиеся при каждом повороте картины, ведь они объединяют мой портрет с фоном.

5. СМЕЛО НАКЛАДЫВАЙТЕ ЦВЕТА

Теперь я начала увереннее орудовать темными тонами. Я обозначила отличительные особенности и сделала форму лица объемнее путем прорисовки теней более насыщенной смесью из Краплака красного (Аlizarin crimson), Виридоновой (Viridian) и капли Кадмия красного (Cadmium Red). На этой стадии рекомендую изобразить линию, разделяющую губы. Так вы сможете прописать тень на верхней губе, и наложить пару мазков этого же оттенка еще в кое-каких местах. Также я четче выделила плечо мазком плотного синего пигмента.

6. ПРОПИШИТЕ ФОН

Я сосредоточенно всматривалась в свое отражение в зеркале на протяжении всей работы. Замечая что-то новое, я тут же делала свежие отметки на рисунке. На этом этапе большинство их было связано с передачей тени правой глазницы и отображением бликов на освещенной части лица. Свет ярче заиграл на лице, когда я прокрасила фон по контуру лица вплоть до нижнего края шеи размывкой из Перманента травяного (Permanent Sap Green), крупицы Французского ультрамарина (French Ultramarine) и Коричневого Ван-Дэйка (Vandyke Brown). Краска оставалась довольно влажной. Ни в коем случае не распределяйте акварель кистью по листу слишком усердно.

7. НАЙДИТЕ НОВЫЙ УГОЛ

Я положила планшет на бок, чтобы побольше темных тонов собралось в правой половине лица. Это также способствовало скоплению темного оттенка шеи на самой границе между кожей и белой футболкой. Пока картина лежала на боку я воспользовалась возможностью наложить еще один темный мазок Французского ультрамарина (French Ultramarine) на плечо. В этот раз струйки акварели устремились вдоль края плеча по направлению от фигуры.

8. ГЛУБОКИЕ ТОНА

Когда кожа на лице высохла, размывкой из Краплака красного (Аlizarin crimson) и Виридиана (Viridian) я добавила выразительности форме лица, смоделировав изгиб бровей и четче передав линию челюсти. Я затемнила цвет волос с помощью небольшого количества Французского ультрамарина (French Ultramarine) и Коричневого Ван-Дэйка (Vandyke Brown). Теплые тона ушей и других участков кожи я получила, смешав Кадмий оранжевый (Cadmium Orange), Кадмий красный (Cadmium Red) и немного Французского ультрамарина (French Ultramarine).

9. СОЕДИНЯЙТЕ ЦВЕТА

Мне нравится наслаивать акварель пятнами, покрывая водянистой смесью высохшие участки краски. В этом случае цвета смешиваются в областях, где бумага не успела просохнуть. Полученные цвета изменялись согласно темным и светлым тонам, которые я увидела на своем лице в зеркале. Оттенок подлежащего слоя также оказывает влияние на результат. Например, если вы хотите сделать зеленоватый фрагмент кожи теплее, вам поможет размывка из Кадмия красного (Cadmium Red) или Краплака красного (Аlizarin crimson), нанесенная сверху. Кожу шеи я прописала, соединив Перманент травяной (Permanent Sap Green) с Сиеной жженой (Burnt Sienna)

Уроки композиции. Как найти баланс и не перегрузить картину

2023-06-15T09:03:54.682Z

Вопрос, который часто вызывает путаницу, - сколько информации должно быть заключено в картине? На него нет однозначного и быстрого ответа.

Я полагаю, излишняя перегруженность деталями может создать дискомфорт в восприятии. Поэтому мне всегда нравится уравновешивать их контрастирующими областями пустот.

Да, зритель может увлечься рассматриванием деталей, но у него при этом есть возможность переключить взгляд на более простые в восприятии участки картины. Тогда контраст, который возникает в местах недосказанности, как правило, только усиливает иллюзию насыщенности.

УРОКИ КОМПОЗИЦИИ: РАЗБИРАЕМ БАЛАНС ДЕТАЛЕЙ В КАРТИНЕ НА КОНКРЕТНЫХ ПРИМЕРАХ

Пример 1

Картина должна привлекать внимание издалека. Именно в этот момент цветовое решение, тональный контраст и сильное композиционные начало делают свое дело.

Как только внимание зрителя привлечено, важно, чтобы интерес к картине не "угас". Тогда в игру вступают мелкие детали, которые раскрываются только при тщательном рассмотрении.

В этой картине внимание зрителей привлекают цветовой и тональный контрасты вокруг фокусной точки. (зоны главного внимания - прим. )

По мере того как зритель изучает картину более подробно, раскрываются мелкие замысловатые детали:

Старые кирпичные и каменные стены, овощные грядки, лестница и велосипед не видны издалека, но, при рассмотрении с близкого расстояния, добавляют очарование, усиливая тем самым впечатление от картины.

Пример 2

Атмосфера этой картины мягкая и воздушная.

Основное внимание сосредоточено вокруг главной арки. При дальнейшем рассмотрении картины можно заметить причудливые металлические конструкции, детали окон и участки кирпичной кладки.

По мере того, как взгляд блуждает, возвращаясь к менее насыщенным деталями фрагментам, зритель самостоятельно "додумывает" недостающее, опираясь на "подсказки" фокусной зоны картины.

Кирпичная кладка и камень, замысловатые железные кружева, оконные ящики с геранью, фигурки в лодке - всё это мелкие детали, которые видны только при тщательном рассмотрении.

Пример 3

На этой картине несколько старых нью-йоркских высоток "собраны" с помощью оригинальных фактур.

Области с мелкими деталями контрастируют с огромными пустотами. В этих пустотах "спрятаны" крошечные детали, видимые только с близкого расстояния.

Это поддерживает интерес зрителя и побуждает к более внимательному рассмотрению.

Фокусная зона картины подразумевает насыщенный цвет, сильный тональный контраст и сложные фактуры.

Размытые чернильные линии, следы пастельных карандашей, участки гуаши и кусочки марли, приклеенные к поверхности, помогают создать иллюзию пошарпанности этих старых зданий.

Пример 4

Здесь у нас есть еще одно старое, обветшалое здание, на этот раз в маленькой французской деревушке. По мере приближения к фокусной зоне фактура усложняется. А по мере удаления от нее четкость здания и тональный контраст уменьшаются.

Это побуждает взгляд зрителя возвращаться в зону фокуса. В "упрощенных" участках все ещё есть детали, но уменьшение тонального контраста делает их менее заметными, особенно на расстоянии.

Разнообразие формы, размера и цвета придает интерес камням и кирпичам. Использование одновременно акварели, угля, туши и гуаши помогают зрительно "разбить" поверхность и создать сложную, разнообразную фактуру.

Пример 5

БОльшая часть этой картины заполнена небом и водой, она контрастирует с основной областью, состоящей из лодок, причала и зданий. Детали сосредоточены вокруг рыбацкой лодки и крупных зданий.

По мере того, как взгляд движется вдоль горизонтальной пристани по обе стороны от картины, деталей становится все меньше, а четкость теряется.

Тональный контраст и насыщенные цвета добавляют эффектности фокусной зоне. Контрастные теплые цвета привлекают внимание к прохладным оттенкам синего, зеленого, серого тонов неба и воды на переднем плане.

ПОДВЕДЕМ ИТОГ.

Иногда возникает соблазн добавить картине слишком много деталей.

Но приведенные примеры показывают, что для привлечения и удержания внимания зрителя достаточно сконцентрировать детали вокруг фокусной зоны, а остальные участки "увести" в недосказанность.
Именно этот контраст деталей и недосказанности делают картины интересными, но не "давящими".

В следующий раз, когда вы столкнетесь с информационно насыщенным объектом рисования, сделайте несколько набросков, чтобы найти баланс между деталями и легкостью.

Попробуйте нарисовать картину на расстоянии, чтобы привлечь внимание, а затем выявите ряд наиболее интересных вашему взгляду деталей.

Оттачиваем навыки натюрморта

2023-06-06T12:54:55.576Z

Рисование натюрморта в спокойной обстановке, в помещении, позволит вам набить руку и подготовиться к пленэру. А эти подсказки вам помогут.

Для меня нет ничего лучше, чем расположиться на свежем воздухе и запечатлеть мир, раскинувшийся вокруг, но поначалу, когда я только начал пользоваться гуашью — это было для меня настоящим мучением. Работа с незнакомыми инструментами, техникой рисования или сложностью композиции может показаться пугающей. Именно поэтому небольшая композиция, в комфортной для вас обстановке, может стать отличным началом для отработки самых основ и укрепления вашей уверенности перед тем, как вы выйдете за дверь.

Вы знаете лучше, чем кто-то ещё, сколько разных форм и цветов можно отрыть в вашем доме, а для некоторых художников — таких как я — это источник постоянного вдохновения. Работая над статичными предметами под постоянным источником света, вы можете не торопиться, отдаться наблюдению за тем, как как взаимодействуют форма, свет, цвета, так как это — один из самых важных навыков.

Мой любимый метод — найти несколько предметов, которые кардинально различаются по структуре и поместить их под один источник света — к примеру, под настольную лампу. В этой статье у меня средняя игрушка, небольшая чёрная колонка (самое тёмное, что у меня есть), белая доска (самое светлое, что я нашёл), и какие-то вещи на заднем плане. Все эти предметы достаточно просты, но именно эта разительная разница в характеристиках поможет мне создать действительно интересное изображение.

Но самое важное, что нужно запомнить, это то, что объекты натюрморта не то, чем они являются, а абстрактные объекты, обладающие своей формой. Чем больше вы тренируетесь смотреть на вещи в таком ключе, тем легче будет для вас изобразить сложные кадры внешнего мира за дверью.

Что рисуем?

Постарайтесь не думать о том, чтобы найти вещи «поприкольнее». Вместо этого подумайте о том, чтобы соединить совершенно различные, какие-нибудь контрастные качества. В моём натюрморте контраст заключается в соседстве яркой круглой игрушки с тёмной геометрической колонкой на плоской белой доске. Подобный подход поможет прокачать ваши навыки в композиции, объёмах фигур и цвете.

02. Чем проще — тем лучше

Мне нравится думать, что эскиз для художника, как для писателя — заметки. Я быстро зарисовываю основные моменты, такие как пропорции объектов и композиция в целом. Более свободное рисование позволяет приспосабливаться к ситуации и не ограничивать себя процессом обводки.

03. Цветовой набросок

На стадии наброска я наношу те чистые цвета, которые вижу. Мне больше нравится начинать с самого центра и постепенно охватывать всю композицию целиком. Обычно это происходит на протяжении всего процесса рисования, поэтому я не зацикливаюсь на одном месте. И здесь я стараюсь делать более свободные и расслабленные мазки, используя чуть больше воды, как если бы это была акварель.

04. Упрощаем

На промежуточном этапе главной задачей является разбиение объектов. Иначе говоря, сложные предметы и элементы разбиваются на более простые формы и цвета. Для освещённых участков я использую тёплые цвета, а холодные, соответственно, в тень. Краску я наслаиваю, не стоит особо думать о смешении цветов — вместо этого я мазками создаю грани.

05. Делаем композицию натюрморта более утончённой при помощи деталей

Как только картина приобретает целостность, наступает момент для последнего этапа. Он достаточно прост. Здесь я думаю о более мелких элементах, таких как рог на игрушке или изображение текстуры деревянного стола. Также я думаю над тем, какие едва заметные изменения я могу добавить, чтобы сделать картину более интересной. К примеру, здесь я наношу на белую поверхность немного жёлтого и светло-серого.

Сочетание акварели и цветных карандашей

2023-05-16T11:19:13.852Z

Ничто не может придать изящества больше, чем красиво драпированная ткань и лента с каллиграфией по всей странице. В этом исследовании ткани меня привлекли утончённость конусообразных складок и нежные изгибы и завитки лент, и мне удалось скомбинировать эти материалы, используя гуашь, акварель и цветной карандаш. В качестве основных я использовала усовершенствованную версию обычной тройки цветов: красного, желтого и синего. Красный – красно-фиолетовый, желтый — золотой, а синий — очень приглушенный сине-серый оттенок отбрасываемой тени. Я использовала серый Пейна – тёмный сине-серый цвет (Payne’s gray), синий хром (a low-chroma blue), в камне сережек.

Я начала это исследование с поездки в большой магазин тканей с самого сердца швейного района на Манхэттене. Я хотела найти ткань с лёгкой драпировкой, что-то мягкое и абсолютно женственное. Я уже продумала цветовую концепцию в соответствии с подобранными элементами моего исследования. Как только я вернулась в свою студию, я расположила предметы и прикрепила их к куску пенопласта. Затем я подсветила составленную мной композицию лампой под углом 45 градусов – этого достаточно, чтобы создать красивую отброску теней, которые добавляют композиции.

Моей целью было изучить формы, цвета и композиции, используя элегантную ткань и изящную линию ленты. Я работала на бумаге Stonehenge Aqua Coldpress, используя как акварель, так и цветной карандаш.

МАТЕРИАЛЫ

Бумага:

140-футовый Stonehenge Aqua Coldpress

Акварели Winsor & Newton:

перманентный пурпурный (permanent magenta)
жёлтая охра (yellow ochre)
коричневая охра (brown ochre)
голубовато-чёрный (blue black)
серая Пейна (Payne’s gray)

Гуашь Winsor & Newton:

ярко-жёлтый (brilliant yellow)
жёлтая охра (yellow ochre)
белый цвет

Кисти:

Winsor & Newton серии 7, разных размеров

Цветные карандаши Caran d'Ache Pablo:

тёмно-фиолетовый - баклажан (aubergine)
фиолетовый
пурпурно-фиолетовый (purple violet)
пурпурно-красный (purplish red)
малиновый красный (raspberry red)
коричневая охра (brown ochre)
золотой (gold)
золотая охра (golden ochre)
светло-коричневый — орешник (hazel)

Студия Blick:

серый грифель (slate gray)
серый с голубым отливом (steel gray)

Прочее:

графитовый карандаш 3H
палочка для тушёвки
ластик

УРОК СМЕШАННОЙ ТЕХНИКИ

ШАГ 1

После того, как я нарисовала первоначальный эскиз на копировальной бумаге и перенесла его на акварельную бумагу, я внесла изменения в свой рисунок с помощью графитового карандаша 3H (лёгкая линия). Затем я сделала тень акварелью над драпировкой, лентой и украшениями.

ШАГ 2

Я начала наносить слоями цветной карандаш – первым делом в теневые области, затем в полутон и в тёмное освещение. Я делала это лёгкими движениями, чтобы грифель цветного карандаша посыпался по акварели. Это позволило следующим цветам лечь на бумагу равномерно. Я брала ластик, чтобы немного стереть цвет (сделать светлые участки на ткани).

ШАГ 3

Я продолжала добавлять слои цветов к красно-фиолетовой драпировке, уточняя плоскостные изменения складок ткани. Чтобы смягчить переходы и сделать их более естественными, я использовал палочку для тушовки. Затем я начала работать и над лентой, добавляя золотого цвета, охры, жёлтый и умбру – тёмно-коричневый (umber)

ШАГ 4 – ФИНИШНАЯ ПРЯМАЯ

На этом последнем этапе я работала над украшениями, используя как акварель, так и гуашь, чтобы подчеркнуть грани черных камней в серьгах. Затем я добавила мягкий темно-серый тон цветным карандашом в области теней, чтобы создать объём. В качестве последних штрихов я использовала гуашь — желтую охру (yellow ochre), цвет жёлтого и белого кадмия (cadmium yellow and white), чтобы добавить несколько бликов к краям ленты.

Как рисовать автопортрет

2023-05-02T14:14:32.789Z

Когда дело доходит до рисования портретов, мы, голодающие художники, знаем, что в крайнем случае, нам всегда доступна одна модель абсолютно бесплатно: мы сами!

Автопортрет - одно из древнейших направлений в искусстве, и не зря. Вы не только всегда можете позировать (если у вас есть зеркало), но нет лучшего способа попрактиковаться в достижении сходства, чем с лицом, которое вам больше всего знакомо.

Давайте пройдемся по некоторым советам о рисовании автопортрета.

СОВЕТ #1: ИЗБЕГАЙТЕ РИСОВАНИЯ ТОЛЬКО ПО ФОТОГРАФИЯМ

Лучший способ научиться рисовать автопортрет - с натуры. В конце концов, вы живые! Рисование автопортрета с помощью зеркала позволяет увидеть, что вы рисуете в трех измерениях.

Становится намного легче понять объемы, свет и темноту, чем когда вы просто смотрите на плоскую фотографию. К тому же, вы можете настроить источник света по своему усмотрению, вместо того, чтобы останавливаться с заданным освещением на уже сделанной фотографии.

СОВЕТ #2: СДЕЛАЙТЕ РАБОЧЕЕ МЕСТО КОМФОРТНЫМ

Убедитесь, что рабочие условия оптимальны. Для некоторых из нас, возможно, своя студия – роскошь, но все же, лучше иметь что-то, чем просто скетчбук на коленях.

Поставьте зеркало там, где его легко увидеть - не перетаскивайте материалы для рисования в ванную! Установите настенное зеркало на штативе камеры; так оно будет ближе к поверхности для рисования, без необходимости головой вперед и назад между рисунком и зеркалом.

Убедитесь, что у вас есть хороший источник света и поверхность для рисования в вертикальном положении, потому что на плоской поверхности рисунок может “уйти от вас” и стать искаженным. Недорогой мольберт и лампа-подсветка – отличный вариант.

СОВЕТ #3: РАБОТАЙТЕ ОТ ОБЩЕГО К КОНКРЕТНОМУ

Лучший способ справиться с чем-то таким сложным, как автопортрет, - быть проще. Подумайте о самых больших формах и контрастах — свете и темноте.

Сначала работайте свободно и легко, разрабатывая правильные пропорции и контрасты, постепенно приближаясь к деталям. Не переключайтесь на рисование реалистичного глаза, например, а затем двигайтесь дальше. Весь ваш рисунок должен быть на одном уровне. Это помогает вам держать в голове полный образ, вместо того, чтобы сосредотачиваться на мелочах.

СОВЕТ #4: ПОПРОБУЙТЕ И ПРОБУЙТЕ СНОВА!

Будем честны. Нет короткого пути в становлении великим художником. Может быть это и клише, но старая поговорка, что успех - это “99% пота” абсолютная правда.

Практика, практика, практика – таковы правила. Мы можем учиться только на ошибках, и каждая осознанная ошибка - это шаг к лучшему автопортрету.

Таким образом, лучший совет при рисовании отличного автопортрета - нарисовать столько, сколько сможете, и не работать в одиночестве. Позвольте другим художникам увидеть, что вы делаете, и поговорить с ними о вашей работе. Принимайте критику!

Но самое главное - работа. Один профессор искусства однажды сказал так: «У каждого есть тысяча ужасных работ. Чем быстрее ты избавишься от них, тем быстрее доберешься до хороших». Хорошая новость в том, что это не тысяча ужасных работ подряд. Время от времени вы будете создавать что-то отличное, и чем больше вы так делаете, тем чаще будут появляться хорошие работы. Так что рисуйте!

10 советов для художников-самоучек

2023-04-13T11:04:26.925Z

То, что я сейчас знаю о превратностях судьбы художника-самоучки мне бы определенно хотелось знать четырнадцать лет назад, когда я только ступила на этот путь. Мое путешествие было наполнено изучением творчества, бизнеса, маркетинга, людей, и проблем, с которыми мне приходилось иметь дело, из-за того, что я самоучка.

Так как я ненасытный полиглот, я полностью посвятила себя изучению всего, что мне было нужно для успеха. Усилия приносили много плодов. Для тех, кто только начинает изучать рисование - мои советы помогут сохранить вам время. Стать успешным и иметь карьеру художника – это реальная цель, не позволяйте никому убедить себя в обратном. Да, оно потребует много усилий и вдохновения… которые приведут вас к очень красивой жизни.

ПОЛЮБИТЕ ТВОРЧЕСКИЙ ПРОЦЕСС

В какой-то момент своей жизни, в детстве, вы ЛЮБИЛИ создавать разные штуки. И с карандашами, и с клеем, и даже с грязью… вам нравилось быть создателем. Как взрослый человек, который решил стать художником-самоучкой, вы должны снова полюбить этот процесс. Изучайте новые идеи и бросайте их. Пробуйте новые техники и инструменты, чтобы узнать, что нравится, а что нет. Рассматривайте работы старых мастеров и художников нашего времени. Изучайте то, что вас притягивает, какой стиль вас захватывает, к какому жанру вы склоняетесь. Затем спросите – почему? Спросите вновь. Просыпайтесь с восторженной мыслью, что каждый день - это новая возможность, чтобы создавать, учиться...Ощущать жизнь как художник! Делайте это только потому, что вы любите это. Потому что вы можете, потому что вас это делает счастливым. Первым делом оставайтесь верны себе, как творцу.

УДЕЛЯЙТЕ ВРЕМЯ ТОМУ, ЧТО ВАС ВОСХИЩАЕТ

Художник-самоучка должен знать, что его восхищает в этом мире. Может вас восхищают птицы и они привлекают ваше внимание, как никакие другие животные? Может любовь или расставания приводит к музыке, к цвету, к выражению? У нас у всех есть разум и сердце, которые находят некоторые вещи в жизни более захватывающими, чем другие. Мы сами находим то, что нас потрясает, и тогда мы можем формировать наш уникальный взгляд который приведёт нас к нашему художественному вкусу. Создавайте в ответ на то, что вас вдохновляет.

НИ ДНЯ БЕЗ ТРЕНИРОВКИ

Вы не можете этого избежать. Если вы хотите быть успешным художником-самоучкой, нужно практиковаться. Не только практиковаться, но и принять креативность как стиль жизни. Изучайте методы практики которые приносят радость. Проявите постоянство в своей работе. Во время выходных мыслите креативно в другом русле: приготовьте что-нибудь, вырастите что-нибудь, постройте что-нибудь, но продолжайте создавать. Когда захотите отдохнуть – отдохните. Будьте благодарны тому, что у вас есть возможность практиковаться и делать то, что вы любите и создавать будущее. Развивать наши таланты и навыки - это то, что мы призваны делать. Нет никакого обходного пути к успеху. Вы должны работать… Вы должны работать.

КОГДА ПРИДЕТ ВРЕМЯ ПРЕВРАТИТЬ ХОББИ В ЗАРАБОТОК - ИЗУЧИТЕ БИЗНЕС

Как только вы решите зарабатывать на своем хобби – и это здорово, создавать что-то для продажи – ИЗУЧИТЕ БИЗНЕС. Достаньте бизнес-лицензию, изучите ее, узнайте о налогах, уделите внимание рынку и тому, с кем вы конкурируете. Я говорю это, потому что в бизнесе всегда есть, с кем конкурировать. Знайте свою гору. Узнайте, как на нее забраться, изучая, как это сделали другие художники. Создайте план. Бизнес может сильно навредить вашему творческому настрою, верите или нет, но не каждый художник рожден бизнесменом. Пользуйтесь помощью. Спрашивайте… и понимайте, что теперь вы в бизнесе, и ваша работа может продаваться среди большей аудитории. Тщательно заботьтесь о качестве своего продукта и развивайте связи со своими клиентами. Это всегда воздается.

НАЙДИТЕ НАСТАВНИКОВ

Будьте готовы учиться… изучать… искать помощи. Путь художника-самоучки предоставляет много свободы, но также заставляет нас понимать свое ремесло и практиковаться. В зависимости от того, какой арт вы создаете… становитесь мастером этого типа арта. Если есть техники изучения, платите за лучшие тренировки. Допустим, у вас нет денег на воркшопы и учителей. Начинайте откладывать каждый день. Спросите себя: «Чем я могу пожертвовать ради этого?» Я буквально отказалась от еды на 4 месяца ради воркшопа, который изменил всю мою жизнь. Он стоил каждой банки фасоли, которую мне пришлось съесть.

БУДЬТЕ УВЕРЕНЫ В СЕБЕ. ДЕЛИТЕСЬ ОТКРЫТИЯМИ

Художники-самоучки часто чувствуют, что им нужно что-то кому-то доказать или помериться уровнем. Чтобы убрать эти мысли, знайте, на каком этапе вашего путешествия вы находитесь. Каждый момент практики нужен для изучения и улучшения себя. Старайтесь изо всех сил не сравнивать себя с другими художниками. На самом деле.. обрывайте сравнение каждый раз, когда оно забирается к вам в голову. Факт того, что вы готовы появляться каждый день и делать свою работу, поразителен. Гордитесь этим. С уверенностью, делитесь своим опытом. Многие художники разделяют с вами ваш уровень, и ваш опыт может им помочь. Не старайтесь быть чем-то большим, но и не меньшим, чем вы есть. Когда вы делитесь своим опытом, вы становитесь Проводником. Миру нужно больше Проводников.

БУДЬТЕ АУТЕНТИЧНЫ

Будьте верны себе… и своей профессии, когда речь заходит о маркетинге. Если вы копируете для изучения, браво… Но не выдавайте это за свое. Рынок, который вы создаете, только ваш. Мы все движимы внешними силами, особенно визуальными, но в конце концов, мы должны уважать художников, которые создают что-то своим уникальным голосом. Поймите, что маркетинг – это важно, создание своего бренда – это важно, но под всем этим, честность в бизнесе должна быть превыше. Не дешевите свои галереи, будьте постоянны в цене. Не продавайте в один день дорого и не создавайте «быстрых распродаж». Ищите шаги в маркетинге, которые хорошо сочетаются и с маркетингом, и с вашим личным брендом.

ПОМОГАЙТЕ ДРУГИМ

В какой-то момент, отдавайте. Одна из самых прекрасных вещей в жизни – это возможность отдавать. Читайте лекции в школах, предлагайте делиться ремеслом с домами престарелых, ведите блог с бесплатными уроками. Найдите способ использовать ваши навыки для высшей цели. Это важно как для вас, так и для общества, и это очень нужно нашему миру. Если вас позвали учить – учите. Но знайте ваш предмет. Не преподавайте только из-за прибыли, знайте то, чему вы учите, и помогайте студентам как можете. Помощь другим – это то, как мы движем креативность вперед.

НЕ ЗАБЫВАЙТЕ О СИЛЕ ВРЕМЕНИ

Терпение это важная вещь. Только потому что вы видите картину, которую вы любите, и вы хотите так рисовать, не значит, что вы знаете, как. Дайте себе время для развития. Если вы вложите много усилий в работу, двери откроются. В нужное время. Вам нужно работать в правильном режиме, и вкладывать часы в ваше дело, но когда вы решите, возможность представится. Некоторые художники учатся годами, до того, как идут работать. Изучайте, учитесь, веселитесь, и верьте своему внутреннему голосу. Он узнает, когда придет время. Верьте времени.

КАЖДЫЙ СКЕТЧ - ВАЖЕН!

Никогда не позволяйте никому и себе убедить вас в том, что ваш рисунок не важен. Каждый рисунок от дудла до идеальных линий законченной работы это то, как мы достигаем успеха. Без этих маленьких шагов, большие шаги не получатся. Мы не боги… мы люди, которые имели смелость выбрать путь художника. Мы создаем рисунки для учебы, роста, расширения нашего кругозора, разделения его с другими. Каждый скетч важен. Рисуй.

Сочетание света и тени в эскизе

2023-03-28T10:54:59.102Z

Стоит подчеркнуть, что набросок - это не рисунок и не законченный эскиз. Это просто распределение света, тени и полутонов планируемого рисунка.

Во время планирования работы крайне важно, прежде чем начать рисовать, уделить некоторое время обдумыванию организации светлых, темных зон и полутонов в работе.

Эта стадия планирования увеличит шанс того, что работа над картиной станет более сосредоточенной и увлекательной.

Благодаря неповторимой природе акварели необходимо не просто начинать рисовать, не обдумав, какого результата мы хотим достичь.

Гораздо проще изменить эскиз, чем менять всю картину, уже нарисованную на бумаге.

Большинство великолепных художников никогда не пропускают стадию планирования и считают самым быстрым и эффективным способом в точности воспроизводить задания на фотографии.

Когда мы говорим о сочетании цвета и тени в рисунке, то речь идет о светлых и темных оттенках пигмента при его взаимодействии с бумагой. Краску набирайте прямо из тюбика, не добавляя при этом воду, ведь таким образом на бумаге получится самый темный оттенок. Безусловно, мы можем сделать краску темнее, добавив позже немного черного или другого цветы, выбирая из палитры оттенки, близкие к фиолетовому. Добавляя же воду в краску, мы ее осветляем. Чем больше воды, тем легче наносить краску. У каждого цвета есть определенный диапазон темных оттенков, так что постарайтесь не перепутать с более светлыми светоотражающими цветами, ведь желтый также может быть очень темным, если его наносить прямо из тюбика.

Процесс обучения созданию и распределению основных деталей на эскизе может потребовать некоторых усилий и первоначальной борьбы, но результат будет фантастическим.

Как только мы начинаем расставлять основные детали необходимо начать с изображения формата поля, которое будет передавать форму и размеры, близкие к фактическому размеру используемого листа бумаги. Без этой работы будет действительно трудно получить ощущение, как расположить весь эскиз на бумаге. Для целого листа, половинки и четверти листа я выбираю поле в отношении 3,5 к 5. Это отношение работает как по вертикали, так и по горизонтали. Помните, что при переходе к следующей фигуре, вы меняете и форму эскиза.

Для начала я должен отметить, что первоначальный набросок - это не рисунок и не окончательный эскиз. Это просто распределение света, тени и полутонов планируемого рисунка. Наносятся основные формы рисунка, но количество деталей сводится к минимуму. Неплохая идея делать заметки на отдельном листе, которые бы определяли основные направления в области распределения интенсивности цвета, доминирующих элементов и контрастных областей. Можно, также выделить на самом эскизе и показать детали рисунка за пределами рабочего поля. Если, например, вам необходимо изобразить какую-нибудь особенную лодку или группу фигур, можно изобразить их за пределами эскиза, и стрелочкой указать его место на картине. Все это предварительное планирование позволяет ближе познакомиться с темой и глубже понять стратегию рисунка.

Это также поможет понять последовательность изображения, которую вы будете использовать. Еще одним великолепным преимуществом тщательно продуманного эскиза можно считать и то, что когда вы закончите планировать, то поймете всю композицию лучше и поможет продолжить работу с большим творчеством и экспрессией.

Начинайте работу над эскизом с определения рабочей области в альбоме для эскизов, а не на бумаге для акварели. Затем посмотрите на первоначальный набросок, фотографию или натуру и распределите детали по трем категориям. Свет будет основополагающим для создания самых светлых оттенков из тех, но это не для чисто белых предметов. Для объектов, отражающих местный колорит не имеют значения светлые и темные оттенки. В зависимости от настроения, время суток, или эффекта, который вы собираетесь создать, можно выбрать любой оттенок, светлее, темнее или полутон. Незадолго до заката, когда уровень света крайне низок, самый светлый оттенок будет в этой ситуации из полутонов, и в этом случае не будут использованы традиционные светлые оттенки.

Обычно, средние оттенки - это те значения, которые расположены в середине шкалы, и стоит помнить, что все это относительно желаемого эффекта или оттенка исходного материала. Темные оттенки - для самых темных объектов на картине. Для дизайнерских целей следует объединить все выбранные оттенки в три группы. Это поможет прояснить порядок значений и упростить процесс проектирования. Как только начнете работу над картиной, то стоит уделить внимание тому, как интерпретировать нюансы во взаимоотношении оттенков, но главная цель состоит в том, чтобы сохранить целостность эскиза. На данном этапе процесса, цвет не является главной причиной для раздумий, ведь каждый цвет имеет полный диапазон оттенков. Постоянно имейте ввиду основной оттенок главных деталей и позже выбирайте цвет.

С помощью мягкого карандаша заштрихуйте на рабочей поверхности то области, которые представляют полутона, оставляя место для светлых деталей. Помните, что следует оставлять незаштрихованную область в нужном, правильно спланированном месте и нужной формы. Именно на данном этапе нужно начинать думать о рисунке с точки зрения формы. Соответствует ли каждая из основных деталей своей форме? После того, как вы обрежете белую бумагу по краю, необходимо рассмотреть расположение темных областей.

В качестве отправной точки следует убедиться, что большая часть света и теней находится в непосредственной близости к центру, где будет располагаться рисунок. Опять же следует проанализировать формы с точки зрения качества изображения формы или форм. Ключевым элементом в расположении оттенков на рисунке является то, что все из трех оттенков должны быть разных размеров. Я думаю, что лучше всего начать с распределения полутонов на большей части картины и света и тени, разделив оставшееся место картины на неравные части. Убедитесь, что каждая форма имеет соответствующий ей оттенок. Это невероятно важно, так как области, которые не задействованы сейчас, определенно станут проблемными позже.

После того, как вы закончите эскиз, посмотрите на него, чтобы определить, насколько он хорошо читается и насколько продумана его композиция. Насколько интересны основные фигуры? Отличная фигура должна иметь разные значения по длине и ширине, изображена в движении, имеет разнообразные грани, соответствует окружающим фигурам в картине и имеет небольшую градацию в цвете и его оттенках от одной грани до следующей. В правильном ли месте расположена главная фигура? В том ли месте наблюдается движение? Соответствует ли распределение места на картине вашим намерениям? Являются ли эти области равными по размеру, форме и направлению? Находится ли центральный объект именно в том месте, где происходит основное действие картины? Подходят ли оттенки для создаваемого настроения, времени суток или типа освещения, которое вы ищите?

Данный вид анализа эскиза даст вам необходимую информацию для изменения в проекте. Если вам нужно внести изменения, тогда вперед. Легче внести изменения сейчас, а не тогда, когда бумага будет влажная и по ней растекается краска.

Как только вы научитесь пользоваться данными эскизами, вы сможете начать рисовать то, что вы хотите, а не то, что видите. Научившись менять оттенки основных фигур, и изменяя пропорции можно создавать произведения художественного выражения и освободить свое воображение, зависимое от той сцены, на которую вы смотрите. Можно менять настроение или ощущение картины, корректируя изображения основных фигур на картине. Процесс обучения созданию и распределению основных деталей на эскизе может потребовать некоторых усилий и первоначальной борьбы, но результат будет фантастическим. Вскоре вы научитесь изобретать свои собственные формы,приобретая тем самым больше шансов для создания лучших и более убедительных работ. Хотя кажется, что весь процесс создает чрезмерно жесткие рамки, на самом деле это не так. Изучив предмет и имея четкий план работы, можно подходить к работе над картиной более свободно и непринужденно.

Как только заканчивается работа над эскизом, перенесите основные формы на акварельную бумагу. Не наносите тени на бумаге, иначе графитный стержень карандаша оставит грязь на бумаге. Отличную службу сослужит если вы отметите середину на эскизе при помощи двух пересекающихся прямых, и таким же образом найдете середину на бумаге для акварели. Это поможет правильно выстроить рисунок. На данном этапе стоит воспользоваться исходным материалом, чтобы разместить остальные детали. Постарайтесь не переусердствовать, рисуя картину, оставьте неясный образ некоторых деталей и сами решите, когда завершить работу над картиной. Установить шаблон на видном месте. Ведь не имеет смысла создавать потрясающие дорожные карты, а потом, начав путешествие, их полностью игнорировать. Когда я рисую, то в начале очень редко смотрю на фото. Я обращаюсь к фотографии только для того, чтобы уточнить сложные детали, интересные местные детали или точное расположение фигур. Затем я переворачиваю фото и принимаю свои творческие решения, основанные на стадии развития картины и эскизе. Я ищу области контрастных цветов, затеняю или осветляю гармонирующие оттенки, уточняю форму, создаю текстуру, смягчаю грани. Данные решения диктуются именно самой картиной, а не первоначальной фотографией или исходным материалом.

Я всегда пользуюсь данным способом во время рисования. Он выручает меня уже многие годы. Хотя многие мои картины не являются образцом для подражания, но более успешными работами можно считать те, которые выполнены с использованием эскиза.

Создание эскиза задействует мозг, память и художественные таланты. Так заставьте их работать.

Как рисовать акварельными карандашами

2023-03-16T14:14:22.906Z

Акварельные карандаши выглядят как обычные карандаши, используют их точно так же как и обычные. Но если добавить воды к рисунку происходит что-то невероятное. Вы получаете акварельный рисунок.

Это потому что, связующее вещество удерживающее пигмент в акварельных карандашах - водорастворимое. Похоже на восковую или масляную основу в обычных карандашах.

Небольших отличий достаточно, чтобы открыть мир возможностей. Я собираюсь показать вам как можно экспериментировать с помощью нескольких техник, которые мне полюбились.

1. НАРИСУЙ ЧТО-ТО И РАЗРИСУЙ С ПОМОЩЬЮ ВОДЫ И КИСТИ

Это правило No1 для акварельных карандашей. Но важно помнить, что сперва следует разводить водой светлые оттенки. Если же, наоборот, разводить темные цвета со светлыми - на выходе получится не очень хороший результат.

Помните, что цвета выглядят иначе когда высохнут. Обычно, они становятся темнее и ярче. Чтобы знать, что вы получите на выходе, лучше всего провести несколько тестов на акварельной бумаге. Можно воспользоваться примером указанным ниже.

Чем чаще штриховать карандашом, тем интенсивнее получится оттенок, когда его намочить. Для более бледных цветов, попробуйте наносить карандаш редкими и свободными штрихами. Можно даже самостоятельно создавать свои индивидуальные оттенки!

Голубые свотчи карандашей сверху показывают, что происходит с цветом при легком нанесении.

2. ИСПОЛЬЗУЙТЕ АКВАРЕЛЬНЫЕ КАРАНДАШИ, КАК ПОРТАТИВНЫЕ КРАСКИ

Нарисуйте пятнышко цвета на бумаге и используйте её как палитру. Это очень удобный лайфхак для быстрых зарисовок. Можно так же потереть свою кисть о кончик карандаша, чтобы набрать пигмент и контролировать его интенсивность.

Сверху можно увидеть, как сделать портативную палитру, а снизу - как набрать цвет на кисть с самого карандаша.

3. ДОБАВЬТЕ ДЕТАЛЕЙ В АКВАРЕЛЬНЫЕ РИСУНКИ

Акварельные карандаши можно наносить сверху акварельного рисунка, чтобы добавить дизайна или тончайших линий. Эта техника очень полезна, когда рисуешь электропровода или детали зданий на городских пейзажах.

4. СОЗДАВАЙТЕ УЗОРЫ

Используя акварельные карандаши можно добавить орнаментов к рисунку. Можно использовать и стандартные карандаши.

На картине сверху, узоры с правой стороны нанесены акварельным карандашом. Линии рисовались сухим карандашом, а цветы - карандашом, смоченным в воде.

Как вы можете наблюдать, смачивая акварельные карандаши в воде, можно получить более темную и четкую линию. Можете попробовать нарисовать карандашом на влажной бумаге, чтобы получить более плавную линию.