Сорадение•Культура

Пауло Коэльо «Алхимик»

2026-07-01T08:54:39.972Z

Алхимия – совокупность базовых принципов, лежащих в основе творения материи (субвещества).

Можно ли приблизиться к Алхимии в обычной жизни?

Можно, когда у тебя есть мечта. Когда ты слышишь зов своей души и голос сердца, абсолютно доверяешь мирозданию, умеешь читать его знаки и подсказки. Когда следуешь своим путём, каждое событие и встречу на этом пути встраиваешь в этот процесс движения к своей мечте. Когда ты ей верен, не смотря ни на что. И когда ты верен себе.

Об этом и расскажет роман. О вере и верности себе, своему пути и своей мечте. Живое пособие, как принимать и встраивать всё в единый процесс, как заботливо и красиво мироздание, как важно внимание, чтобы видеть и читать его знаки.

Роман стал бестселлером, переведен на более, чем 100 языков, а цитаты разлетелись по всему миру.

«Только одно делает исполнение мечты невозможным — это страх неудачи.»

«Все люди, пока они еще молоды, знают свою судьбу... Но с течением времени таинственная сила принимается их убеждать в том, что добиться воплощения их судьбы невозможно... Сила эта кажется недоброжелательной, но в действительности она указывает человеку на то, как воплотить свою судьбу. Она готовит к этому его дух и его волю. На этой планете существует одна великая истина: не зависимо от того кем ты являешься и что делаешь, когда ты по-настоящему чего-то желаешь, ты достигнешь этого, ведь такое желание зародилось в душе Вселенной. И это и есть твое предназначение на Земле...»

«Тот, кто вмешивается в чужую Судьбу, никогда не пройдет свою собственную.»

«Жизнь притягивает жизнь.»

«Что случилось однажды, может никогда больше не случиться. Но то, что случилось два раза, непременно случится и в третий»

«Надо выбирать между тем, к чему привык, и тем, к чему тянет.»

«Если развивать что-то одно, то изменяется и всё, что находится вокруг.»

«Именно в нём, в настоящем, весь секрет. Уделишь ему должное внимание — сможешь улучшить его. А улучшить нынешнее своё состояние — сделать благоприятным и грядущее.»

Притча, в чем секрет успеха:

«Некий купец отправил своего сына к самому главному мудрецу за секретом успеха. Сорок дней юноша шел по пустыне, пока не увидел на вершине горы великолепный замок. Там и жил Мудрец, которого он разыскивал.

Против ожиданий, замок вовсе не походил на уединенную обитель праведника, а был полон народа: сновали, предлагая свой товар торговцы, по углам разговаривали люди, маленький оркестр выводил нежную мелодию, а посреди зала был накрыт стол, уставленный самыми роскошными и изысканными яствами. Мудрец не спеша обходил гостей, и юноше пришлось два часа дожидаться своей очереди.

Наконец Мудрец выслушал, зачем тот пришел к нему, но сказал, что сейчас у него нет времени объяснять секрет успеха. Пусть-ка юноша побродит по замку и вернется в этот зал через два часа.

«И вот еще какая у меня к тебе просьба, – сказал он, протягивая юноше чайную ложку с двумя каплями масла. – Возьми с собой эту ложечку и смотри, не разлей масло».

Юноша, не сводя глаз с ложечки, стал подниматься и спускаться по дворцовым лестницам, а через два часа вновь предстал перед Мудрецом.

«Ну, – молвил тот, – понравились ли тебе персидские ковры в столовой зале? Деревья и цветы в саду, который искуснейшие мастера разбивали целых десять лет? Старинные фолианты и пергаменты в моей библиотеке?»

Пристыженный юноша признался, что ничего этого не видел, ибо все внимание его было приковано к тем каплям масла, что доверил ему хозяин.

«Ступай назад и осмотри все чудеса в моем доме, – сказал тогда Мудрец. – Нельзя доверять человеку, пока не узнаешь, где и как он живет».

С ложечкой в руке юноша вновь двинулся по залам и коридорам. На этот раз он был не так скован и разглядывал редкости и диковины, все произведения искусства, украшавшие комнаты. Он осмотрел сады и окружавшие замок горы, оценил прелесть цветов и искусное расположение картин и статуй. Вернувшись к мудрецу, он подробно перечислил все, что видел.

«А где те две капли масла, которые я просил донести и не пролить?» – спросил Мудрец.

И тут юноша увидел, что капли пролиты.

«Вот это и есть единственный совет, который я могу тебе дать, – сказал ему мудрейший из мудрых. – Секрет успеха в том, чтобы видеть все, чем чуден и славен мир, и никогда при этом не забывать о двух каплях масла в чайной ложке».

Здесь роман можно прочитать https://millioninvestor.com/wp-content/uploads/books/Alhimik.pdf

А здесь прослушать https://youtu.be/nNWrz6eh0D4?si=lFhK_pBcHL8QgdyL

«Союзмультфильму» - 90. Между прошлым и будущим

2026-06-21T19:15:17.442Z

10 июня исполнилось 90 лет легендарной киностудии «Союзмультфильм».
Как в капельке воды отражается море, так и в истории нашей главной мультипликационной студии можно увидеть почти столетнюю историю нашей страны.

Принято считать, что основать фабрику мультфильмов приказал лично Сталин. Это стало настоящим событием и инструментом воспитания детворы по всей советской стране. После дебютных чёрно-белых работ и так называемой «борьбы с диснеевщиной» в индустрию пришли ведущие мастера сталинской эпохи, художники и сценаристы, ориентированные не на развлечение потребителя, а на развитие и духовное воспитание маленького человека.

Кто из нас, будучи малышом, не следил с замиранием сердца за приключениями Дюймовочки в полном опасностей мире, или за путешествием сквозь тёмный новогодний лес потерявшихся игрушечных Зайки и Мишки. Кто не переживал за заплутавшую и оказавшуюся в цирке чеховскую Каштанку, или за Серую шейку со сломанным крылышком, оставшуюся зимовать в одиночку у проруби. Кто не радовался Серебряному копытцу и его огням самоцветов на заснеженной крыше, или спасению доброй девочки у вечного костра Двенадати месяцев, или же счастливому Мамонтёнку, нашедшему маму. Кто не смеялся над хвастливой Лягушкой-путешественницей, упавшей в болото, а кто из нас не мечтал полететь вместе с Алисой к Третьей планете или встретить Умку на Северном полюсе.

В советской анимации именно сталинского периода сложились воедино педагогический и философский аспекты, позволявшие формировать у детей смыслы, которые помогали разобраться, «что такое хорошо, а что такое плохо», а также заложить в ребёнка высокую эстетику взаимодействия с миром через красивое воплощение сказочных историй.

Каждый мультфильм нёс в себе определённый смысл, уникальную идею и художественную целостность. Развивались широта кругозора, юмор, уважение к труду, совесть и нравственность, ценность дружбы, устремлённости к высшему, любовь к природе. Всегда учитывалась и роль музыкального воспитания, а в озвучании использовалась чистая и грамотная разговорная речь, без жаргонизмов и сленга. Благодаря этой работе с детьми во многом народ удерживал общую довольно высокую частотность.

С началом хрущёвской «оттепели» на студии ещё продолжает сниматься много хороших картин, утверждавших русский педагогический стиль и эстетику, но появляются и как новое поветрие мультфильмы сомнительного нравственного качества, которые, однако, не называются таковыми самим обществом.

Например, становится популярным калька диснеевских «Тома и Джерри» - наш мультсериал «Ну погоди!», где мы видим скорее формат развлекательного шоу. Подменяется добрый юмор, обычно вскрывающий внутренний комизм характеров или ситуаций, теперь же предлагается смеяться над жестокостью, примитивным зацикленным противостоянием на фоне, казалось бы, обычной советской жизни.

Так на подложке доверия к государственному вещанию постепенно формируется популярность персонажей, далёких от русского кода - это и Кот Матроскин, образец обывателя и мещанина, и мама из этого же сериала, и попугай Кеша и др.

Стоит обратить внимание, что через мультфильмы ребёнок усваивает модели поведения, алгоритмы достижения цели, ведь для него главный герой - безусловно положительный герой. Это значит, что ребёнок воспринимает его целиком и полностью как «хорошего», но ещё не в силах дать всему увиденному правильную оценку.

Об ответственности родителей при выборе культурного содержания в поле семьи, из книги библ. Сорадение «Дети»:

«На основе базовых принципов, заложенных до 3 лет, формируется поле, которое может воспринимать другие процессы и достраивать себя... Желательно, чтобы всё происходящее в поле ребёнка было гармоничным, чтобы само поле потом могло воссоздавать гармонию.

От 3 до 5 лет происходит взаимодействие на полевом уровне с окружающим миром. Складывается чёткая картинка на основании опыта.

С 5 до 9 лет ребёнок может выходить на уровень гениальности, совмещая опыт, с которым он пришёл, с процессами, с которыми сталкивается. На базе этого формируется его картина мира. В этот период важны путеводные карты. На всех этапах нужна чуткость родителей, чтобы правильные настройки сформировали у ребёнка световой стержень».

С середины 80-х, после кадровой катастрофы, когда на смену уходившим великим мастерам не пришли новые, столь же яркие имена, на студии начался многолетний кризис - творческий и производственный. Это стало отражением идущих процессов в стране, где также после утраты общего смысла и объединяющей идеи не стало вдохновения и культурных достижений во всех областях искусства.

В последние годы мы видим возрождение производства на «Союзмультфильме». В целом, к большому сожалению, шедевров почти не родилось.
Современная мультипликация нередко страдает от упрощённой рисовки, однотипных сюжетов и сомнительного с точки зрения этики содержания, а иногда несёт и разрушающий антикультурный потенциал.

Родителям нельзя забывать, что обязанность за выбор медиа-среды для ребёнка лежит на них.

Анимационное наследие советской эпохи до сих пор остаётся неповторимым воспитательным эталоном, ставшим частью счастливого детства многомиллионной страны, содержащим многие ключи для детского сознания, и вошедшим в золотой фонд мировой культуры.

Мы от души надеемся на возрождение детской фабрики мультфильмов как носительницы русского кода. Для этого нужно время и бескорыстие человеческого намерения и труда.

Друзья, рекомендуем вам к просмотру одни из лучших советских мультфильмов. Непременно общайтесь, обсужайте увиденное с детьми - из любых светоносных состояний, наработанных вами, складывайте общее чистое поле любви и смыслов.

СТРАВИНСКИЙ. «ЖАР-ПТИЦА»

2026-06-21T19:04:57.516Z

17 июня родился русский композитор Игорь Стравинский. 25 июня 116 лет назад состоялась первая постановка его «Жар-птицы», небольшого балета в двух сценах из «Дягилевских сезонов», рассказ о которых мы начали ранее.

«Жар-птица» стала одним из символов русского искусства ХХ века, соединившим в себе талантливую музыку, революционную хореографию и прекрасную живопись. Именно с этого балета началось триумфальное шествие русского балета по миру.

Либретто написано по мотивам русских сказок, где Иван-царевич попадает в Поганое царство Кощея Бессмертного, пленившего красных девиц и юную царевну, Красу Ненаглядную. Здесь же перед нами предстают окаменевшие богатыри, не сумевшие освободить своих невест. В волшебном саду герой встречает Жар-птицу, прилетевшую к яблоньке с молодильными яблочками, он ловит её и в обмен на свободу получает перо Жар-птицы, которое позднее, как воплощение огня Духа и Сознания, поможет царевичу превозмочь морок и победить Кощея. В финале Поганое царство обращается в Царство Света и Иван с Красой Ненаглядной венчаются.

Русские сказки первоначально сохраняли знания про световые алгоритмы, волшебные творения и многомерность жизни, но с течением тёмных времён многое в них перевернули, чтобы закрыть это русло. Однако же соприкосновение даже с отголосками былого дивительного узора даёт толчок к раскрытию глубинной памяти. К сведению, такой персонаж, как Жар-птица, есть только в русских сказках.

Далее мы расскажем и о ней, и о том, кто такой Кощей на самом деле.

Музыка балета и особенно музыкальное воплощение огня Стравинским, учеником Римского-Корсакова, очень живы и красочны. Партия Жар-птицы в ритмично-акцентированной оркестровке полна ослепительных пульсирующих искр и завораживающих вихрей, а сцены Красы Ненаглядной и пленённых девушек музыкально полны хрупкой нежности и очарования. Здесь Стравинский использует русскую народную песню «По садику».

Мрачное «ползущее» звучание во вступлении рисует нам зловещий зачарованный сад, а «Поганый пляс Кощеева царства» - это дикое и безумное музыкальное действо с дискретными, будто неживыми перебивками ритма.
В этом раннем балете композитора уже выразилась его главная отличительная черта и то, чем он обогатил музыкальный мир - уникальная работа с ритмом и акцентами.

Сценаристом и балетмейстером спектакля выступил М. Фокин, великолепные костюмы и декорации выполнили художники А. Головин и Л. Бакст.
Легенда русского балета Карсавина на премьере в костюме неукротимой волшебной птицы пылала, горела и была похожа, по выражению Бенуа, на «огненного феникса», а само платье было таким же причудливым и красочным, как и музыка Стравинского. Балет, впервые показанный в Париже, имел сенсационный успех.

Итак, кто же такая такая волшебная Жар-птица?
Жар-птицы – это переносчицы световых частиц. Они соединяли световые потоки. Обитали они там, где спектр был абсолютным и света было в избытке. Они обладали бесконечной скоростью импульса, а также трансформацией этого импульса. Благодаря жар-птицам оживал внутренний узор пространства, они его освещали. Золотой свет, который появлялся в результате, животворил.
Если описывать состояние жар-птицы – это состояние эйфории и вселенской любви. Это состояние - предтеча состоянию, когда человек приходит к богу, к состоянию животворения.

Легче пёрышка тот свет, который сплетён удивительным узором на основе ткани Мироздания. Перо Жар-птицы никогда не остаётся неизменным, оно постоянно преобразуется.

Кощей символизирует процесс сохранения и структуризации.

Яйцо - символ наивысшего сознания, Космического Разума, в котором есть всё.

Игла - соединение земного и небесного, разума и сознания.

Кощей как сущность был проявлен в Гиперборее. Он был дивительным, с высоким и ясным сознанием, очень красивым внешне и внутренне, что называется, глаз не отвести.

Бессмертный - это символ сознания в постоянном развитии.

Кощей в сказках - упрощённый образ, его привязали к материи. Скупость - искажённая аллегория того, что знания - это золото, и их нельзя давать всем. Он решал задачи по проведению алгоритмики из Космоса, имел 15 уровень сознания, мог проявлять в моменте качества, знания, состояния. Пространство становилось сознательным после привнесения в него светимости, энергии разных спектров.
По мере падения напряжённости поля проявлять это становилось всё труднее. Всё уходило по очереди. Символически остался скелет и сундуки, как база знаний.

То, что отражено в сказках как пленение царевен, описывает взаимодействие Кощея, например, с Василисами. Василиса являлась искрой, которая его возжигала, в её присутствии можно было выходить выше, генерировать больше.

Кощуны - более поздние, уже после Гипербореи, носители знаний по соединению разума с Единым.

Когда говорят, что «красота спасёт мир», речь идёт о временах начала Гипербореи, когда осуществлялась закладка эталонного гармоничного состояния, которое потом отразилось в сказках в образе яйца. Людям нужно научиться входить в гармоничное состояние и пребывать в нём. Игла из яйца Кощея – это и есть Путь, который выбирает человек, находящийся в гармонии. Игла при этом начинает светиться.

Отражённый свет создаёт иллюзию жизни. Но эта жизнь может оживать при взаимодействии с альными алгоритмами Вселенной.

(по материалам кн. Крылья, кн. Аграба и Звёздного канала, библ. СОРАДЕНИЕ).

Посмотреть балет можно здесь:

Лев и Единорог. Москва

2026-06-06T16:46:28.779Z

Сегодня предметом нашего рассказа будут волшебные элементы в московской архитектуре.

В Кремле, на царской утвари и тронах, на фасадах старых московских домов, в Коломенском, на шпиле и в сенях Государственного исторического музея, на здании Синодальной типографии на Никольской, на фасадах Марфо-Мариинской обители встречается геральдическая пара, золотой Лев и белый, цвета звёзд, Единорог. Они, как считают историки, олицетворяют собой власть земную и небесную. Эти диковинные существа в декоре, например, Спасской башни, изображены с ликами, обращёнными вверх, к небесной сфере, и вместе с тем к фигуре павлина повыше, чей раскрытый хвост традиционно символизирует звёздное небо.

Таким образом Лев и Единорог образуют «космологический» уровень отделки Московского Кремля, отражающий устройство Мироздания. Эта мистическая пара часто изображается с атрибутами небесного мира — со звёздами или с солнечными часами как понятием времени. Официальное искусствоведение называет эту потрясающую символику не более, чем традицией, заимствованной у западной культуры.

А мы вспомним истинную хронологию и период почти тысячелетней давности, когда наши земли представляли собой единое пространство.

Вытертая Русь XIII-XVI веков – это процветание, которое было сожжено дотла. А XVI век является наиболее кровавым периодом. До этого здесь была пора волшебства, знаний об эликсирах и о системе «Человек».

Например, в своей книге 1912 года «Московский кремль в старину и теперь» Сергей Петрович Бартенев сообщает следующее описание царской казны Жаком Маржеретом в год кончины Бориса Годунова:

«Он увидел два ценных единорожьих рога и посох, что носят цари. Он во всю длину из цельного куска единорога, но поперечный кусок, на что опираются, сделан из другого куска единорога. Видел половину единорога, от него беспрестанно берут на лекарство».

Мы же отметим:

Единорог – это символ чистоты. Они обитали только в очень чистых пространствах. Своим присутствием они сохраняли вибрацию вечной жизни, издавая определённые звуки. Этим же поддерживались и переходы.
Единороги – это хранители белых пространств, очень чистых. Убийство единорога считалось преступлением против жизни. Сейчас подобные артефакты частично сохранены в Ватикане, частично находятся в подземных локах, где на них паразитируют. Они до сих пор светятся и будят память.

В то время в основе жизни лежала благость, стремление сделать что-то для общего. Всё пространство было пронизано синей и золотой вязью. В этот период в местах, где не было чуждых, все владели полевыми взаимодействиями, а особенно ценились те, кто мог лучить глазами и удерживать этот спектр. Такие люди насыщали пространство.

Период с XIII по XVI века вытерт из генетической памяти через внедрение в структуру ДНК некой ограниченности, потому что в основе человека заложена возможность возрождать подобные пространства. Когда ты вспоминаешь об этом, появляется возможность применять эти знания. Это выражается в способности наших людей творить и изобретать.

Добавим, что Единороги были созданы Феями для соединения с Вечным во фрактальности. Это алгоритм или символ безусловного творения, а если смотреть с позиции сегодняшнего человека - абсолютный смысл твоего сознательного выбора, по сути, сверхсознание. Это радужный спектр и бело-голубой канал, который соединяется с Изначальным напрямую. Когда началась охота на этих созданий для использования их рога в магии, их увели в параллельные пространства.

Что касается символики Льва, то исстари здесь присутствовали золотые крылатые львы. Эти волшебные существа удерживали баланс внутри света и разума. Если драконы стерегли пространство, то львы хранили внутренний свет. Сам Лев выражает силу света и абсолютность, его крылья — свободолюбие и силу изменений, грива – светоносность. Также, как и Жар-птицы, крылатые Львы связаны с молниеносным импульсом и огнём, с золотым спектром. Это про присутствие духа во всей системе.

После Второго потопа львов окольцевали, а потом путëм генетических экспериментов переделали и сам их алгоритм. Золотые крылатые львы представляли собой поле. Когда напряжëнность начала падать, у них стали отваливаться крылья. Тогда они уже не могли проходить в запредельные пространства.

Осколки былого в виде отдельных символов стали появляться гораздо позже, когда в Третьей Матрице окончательно распался единый узор. Но их потенциал до сих пор велик, они работают даже самостоятельно.

Задача возрождать вытертый Русский код, хранить русские святыни, опираться на наше исконное как на энергетическую вибрацию, как на часть былого живого узорочья – эта задача для тех человеков, кто за Жизнь до конца.

Мир меняется, старое уходит. В такие моменты можно перепрошить его в ту или другую сторону. Под это сходятся многие реальности, которые будут форматировать будущее.

Москва – это отпечаток единой Звёздной Родины, куда каждый может вложить свою частичку Конов и принципов, которые соизмеримы с Жизнью. Нужно понять, что жизнь – это волшебство. И это волшебство надо привносить в саму жизнь.

По материалам книги «Москва. Возрождение», лекции «Годунов. Конец волшебства» и др. (библ. Сорадение)

Нестеров. В поисках Святой Руси

2026-05-28T10:36:51.585Z

Друзья, в эти дни почти полтора века исполняется большому русскому художнику Михаилу Васильевичу Нестерову.

«Я избегал изображать так называемые сильные страсти, предпочитая им наш тихий пейзаж, человека, живущего внутренней жизнью», - Нестеров в первую очередь творец - богоискатель. Всё его творчество пронизано поиском небесного, поиском божественного лика бытия изнутри омутов земной эпохи потрясений и общей деградации смыслов на стыке ХIХ и ХХ веков.

Понятие «нестеровская девушка» известно в русской культуре так же, как и «тургеневская девушка» - это поэтический образ самой Руси тяжких времён, и её безмолвной печали. Плеяда девушек и женщин, насквозь русских, как одиноких душ, полных внутренней красоты и чаяний о безгрешном и чистом бытии на полотнах Нестерова всегда перекликается с образом неброской прелести среднерусской природы.

Это бесконечные просторы, открывающиеся с холмистых берегов и молчащие, неподвижные воды, как заснувшая Русь с белыми, будто бы замершими зеркалами рек и озёр, которым нечего отразить. Природа в нестеровском пейзаже сопереживает судьбе лирических героев художника, они одухотворяют друг друга замкнутостью в себе, строгостью тишины.

Суть почерка Нестерова в этом и состоит - в художественном проживании ухода человека от мирской суеты. Вероятно, этот вектор привёл художника к поэтической идеализации монашеской жизни. Отметим, что подобное перенаправление светового призыва человеческой души к Высшему в религиозный эгрегор очень выгодно матрице.

Таким же образом и Достоевский, видевший преображение своих героев из тьмы через Евангелие, сослужил религии.
И всё же чистое творение всегда отзывается чистой душе зрителя и читателя.

С детских лет Нестерова привлекала фигура Сергия Родонежского (по официальной версии - в миру - Варфоломея), как близкий и дорогой образ, возникавший даже во снах. Он почитал его духовным собирателем русского народа и ангелом-хранителем России. За более чем 50 лет творчества Нестеров создал 15 вещей, посвящённых его излюбленному духовному герою, а картина «Видение отроку Варфоломею», где прототипом отрока стала девочка с небесным взглядом, известна во всём мире.

Справка от библ. Сорадение:

«Сергий Радонежский, вышедший из Первородных, воплощался несколько раз подряд: с X по XIV века. Во всех этих жизнях он был представлен в тонком плане как белая Звезда и как чистый Свет. Его задачей было соединить Звёздные и земные потоки в плане гармоничного сопряжения плотной и тонкой энергии. Через Радонежского эти потоки Высокие Светлые сущности проводили несколько жизней подряд. В первой жизни он был философом, во второй жизни - математиком, в третьей жизни он показан ребёнком, в четвёртой он был старцем. Картина М. В. Нестерова «Видение отроку Варфоломею», как раз относится к третьей жизни, когда он был ребёнком».

Интерес Нестерова к духовной жизни выразился в его путешествиях по монастырям, в том числе в Соловецкий монастырь на Белом море. Под впечатлением от русского Севера были написаны картины «Молчание», «Лисичка», «Тихая жизнь», «Обитель Соловецкая», «Мечтатели», «Соловки».

Глядя на них, снова вспомним Сергия Радонежского и одну из его заповедей: «Суть истинной молитвы - это тишина».

Перечень произведений художника с «мистическими мотивами» велик - они звучат на его картинах, в иллюстрациях к сказкам, в росписях фресок Киево-Печерской лавры и Марфо-Мариинской обители, в мозаиках внутри Спаса на крови в Петербурге, отчасти созданным и по его эскизам.

Заметим, что Нестеров никогда не писал ни высших чинов духовенства, ни пышных церковных обрядов в обилии золота. Его монахи - аскеты, как у Есенина, «молятся на алы зори, причащаясь у ручья», - наедине с молитвой и животворящей природой в лесной глуши.
После революции художник проживал трудные годы вместе со страной.

В 1941 году ему была присуждена Сталинская премия за портрет академика И. П. Павлова, созданный в 1935 году.
Как портретист Нестеров также хорош, в его поиске внутреннего ядра человека, огня его глаз, его души.
Последней работой Михаила Васильевича, написанной в июне 1942 года, был пейзаж «Осень в деревне», созданный на мотив стихотворения А. С. Пушкина «Уж небо осенью дышало».

Друзья, окунитесь в мир нестеровской живописи, русской, богоискательской, народной.

А в окончании вновь добавим послание Сергия Радонежского:

«Россия встанет и оживёт»!

Дягилевские сезоны. Петрушка

2026-05-17T16:12:47.792Z

18 мая исполняется 118 лет такому культорологическому проекту, как знаменитые «Дягилевские сезоны». В начале прошлого века эти «Русские сезоны» всколыхнули и ошеломили мировую культуру.

Мы расскажем вам о некоторых постановках и начнём с «Петрушки», одноактного балета на музыку Стравинского.

Часто творческие люди обретают замысел своего творения, что называется, из иных пространств. Таким образом автор, как бы оглядывая земную жизнь со стороны, считывает точную метафору эпохи. Затем зритель, погружаясь в эту образность, получает возможность нежданно-негаданно отстраниться собой, как наблюдателем и осознать текущий момент жизни. Таковым творением, на наш взгляд, является балет Игоря Стравинского «Петрушка», соавторами которого выступили хореограф Михаил Фокин, а также художник и сценарист Александр Бенуа.

Как эпиграф к нашему разбору процитируем книгу «Москва. Возрождение» (шк. Сорадение):

«В попытке разобраться с историей мы должны погрузиться на разные уровни, которые выглядят как разные прослойки реальности... Если собрать все слои вместе, то это будет выглядеть, как искусственный кукольный театр. Мы не можем влиять на это своим живым, не можем заводить живые потоки, если не собрать в целостности дух, душу и сознание. Если рассматривать все слои сразу, то это будет один большой символ, ввергающий в сон, в забытьё, создавая иллюзию жизни. Это задаёт тенденции, вводя людей в суету и бессмысленность вместо правильных помыслов. Постепенно гасится то, ради чего стоит жить».

Итак, перед нами распахивается занавес кисти Бенуа с крышами Петербурга, над которыми носятся фантастические химеры.

На сцене шумная ярмарочная площадь, масленичные гулянья, пляс, торг, карусели. Здесь, как в матрице, представлены все грехи. Страсти, сила, суета и дурман.

Появляется некто Фокусник, играющий на дудочке, от чего все становятся будто зачарованными и устремляются в театр этого Чародея, мастера иллюзий.
Мы видим кукол: Арапа, Балерину и русскую куклу-скомароха с деревянной головой по имени Петрушка. Фокусник заставляет их плясать, управляя ими на расстоянии, как марионетками. Его магия сообщает куклам чувства и страсти людей. Балерина, танцующая, как заведённая статуэтка, кокетничает то с Арапом, то с Петрушкой, предпочитая первого, несколько звероподобного, пляшущего безотчётно и машинально. Влюблённый Петрушка ревнует и дерётся с соперником.

Ударом ноги Чародей вталкивает Петрушку в его келью-темницу. Он оказывается в чёрном зеркальном пространстве, обнесённом пирамидами, за запертой дверью, на которой изображены, как стража, инфернальные сущности в стилистике Древнего Египта. На стене висит портрет хозяина театра, неотрывным взглядом следящего за Петрушкой.

Наш герой пугается, затем, превозмогая забитость и обычную горькую покорность, бросается с кулаками к портрету, как вдруг, начинает бить себя сам, его руки не слушаются и будто не принадлежат ему. Он предпринимает отчаянную попытку вырваться из иллюзиона, но тщетно, и бессильно повисает под однообразный звук гармошки.
Чародей на мгновение вталкивает в комнату Балерину, перенаправляя энергию Петрушки на девушку. Он безумно радуется, но его чувства напрасны.

Далее, в сценах глупышки-Балерины и Арапа, олицетворяющего животное начало, мы видим прямую аллегорию библейского Эдема - со змеем, надзирающим за Адамом и Евой. Всё происходящее неясно и мучительно для Петрушки. Он чувствует, он раним, он протестует.

Ярмарка, как всемирный базар, мало отличается от театрального балагана. Мы видим праздность и пляски, куплю-продажу, ажиотаж у кабинки со срамными картинками, карикатурную чванливость девушек в кокошниках перед парнями и задирание парнями их юбок. Наконец на сцену выводят тотемный символ Руси - пленённого медведя на верёвке, которого ставят на дыбы и заставляют приплясывать на потеху толпе. Под фольклорные мотивы и мещанские романсы танцуют хмельные богачи с цыганками.

Спящая и размалёванная «Русь» пляшет у трактира. Выход ряженых, угарная присядка бородатого мужика в кокошнике и сарафане, и как апофеоз картины - пляска чёрта.

В этот момент занавес театрика оживает и мизансцена кукол выплёскивается на площадь. Арап гонится за Петрушкой с кривой саблей, настигает и сражает его. Музыкально смерть героя обозначена звуком брошенного наземь бубна. Так человек, превращённый в игрушку, погибает в игре страстей.

Толпа потрясена, красна девица в тревоге склоняется над убитым Петрушкой. Лукавый Фокусник успокаивает всех, показывая толпе, что это всего лишь тряпичная кукла. Все расходятся. Чародей в сумерках волочит куклу по снегу. И тут раздаётся пронзительный крик, ужасая Фокусника: сверху, над балаганчиком наш Петрушка. Он грозит мучителю и дразнит его за его неудавшееся наваждение. Дух Петрушки бессмертен! В этой сцене зритель может узнать самого себя.

Друзья, попробуйте посмотреть вместе с детьми среднего возраста этот короткий, всего сорокаминутный балет, ведь сейчас подрастает поколение, которое этого, скорее всего, не видело. Возможно, трагизм и масштаб роли Петрушки даст им какое-то расширение в собственную глубину.

Ныне дягилеские балеты, скурпулёзно восстановленные Андрисом Лиепа и с успехом показанные на многих сценах мира, по заказу Валерия Гергиева, вошли в репертуар Большого театра России.

Постановку Мариинского театра в хореографии М. Фокина, (исполнитель Петрушки А. Лиепа) можно увидеть здесь:

Чехов и сады

2026-05-08T17:38:02.406Z

Антон Павлович Чехов и Сады

Антон Павлович Чехов и Сады.
Больше всего Чехову были любы цветущие вишнёвые деревья. Недаром главным героем своей предсмертной поэтической пьесы он сделал вишнёвый сад — «весь белый», «молодой», «полный счастья».

Когда Чехов сообщил Станиславскому, что пьеса так и будет называться: «Вишнёвый сад», он, к удивлению Константина Сергеевича, закатился радостным смехом, и Станиславскому стало понятно, что «речь идет о чем-то прекрасном, нежно любимом».
Ещё прекраснее и любимее сад, изображенный Чеховым в «Чёрном монахе», воплощающий в себе счастье великого садовода Песоцкого. И оба раза, когда Чехову и в пьесе и в повести понадобилось показать катастрофу всей жизни людей, он изображает её как гибель их любимого сада.
Для садовода Песоцкого гибель сада и смерть — равнозначащи.

Отношение Чехова к природе отнюдь не ограничивалось пассивным
созерцанием её «богатств» и «роскошей». Ему было мало художнически любоваться пейзажем, он и в пейзаж вносил свою неуклонную волю к созидательному преобразованию жизни.
Никогда не мог он допустить, чтобы почва вокруг него оставалась бесплодной, и с такой страстью трудился над озеленением земли, что, глядя на него, было невозможно не вспомнить тех пылких лесоводов и садовников, которых он изобразил в своих книгах. Создавая в «Дяде Ване» образ фанатика древонасаждения Астрова, Чехов, в сущности, писал автопортрет.
Этот образ лесовода-романтика, поэтически влюблённого в деревья, был так дорог Чехову, что на протяжении нескольких лет он обращался к этому образу трижды.

Сначала — в письме к Суворину, где лесовод появляется в качестве «пейзажиста» Коровина, который в детстве посадил у себя во дворе небольшую березку. «Когда она позеленела и стала качаться от ветра, шелестеть и бросать маленькую тень, душа Коровина наполнилась гордостью: он помог богу создать новую берёзу, он сделал так, что на земле стало одним деревом больше!»

Потом Коровин преображается в помещика Михаила Хрущова, который так любит леса и хлопочет о спасении каждого дерева, что соседи зовут его Лешим. Этого защитника и друга лесов Чехов даже поставил в центре всей пьесы, которая так и была названа — «Леший».

В «Дяде Ване» Хрущов преображается в доктора Аспрова, который говорит вслед за Лешим: «Когда я слышу, как шумит мой молодой лес, посаженный моими руками, я сознаю, что... если через тысячу лет человек будет счастлив, то в этом немножко виноват буду и я».
Всё это Чехов мог бы сказать о себе, потому что в деле озеленения земли, как и во всем остальном, был неутомимо активен. Ещё гимназистом он насадил у себя в Таганроге небольшой виноградник, под сенью которого любил отдыхать. А когда поселился в разоренном и обглоданном Мелихове, он посадил там около тысячи вишнёвых деревьев и засеял голые лесные участки елями, клёнами, вязами, соснами, дубами и лиственницами — и Мелихово все зазеленело.

А через несколько лет, поселившись в Крыму, на выжженном пыльном участке, он с таким же увлечением сажает и черешни, и шелковицы, и пальмы, и кипарисы, и сирень, и крыжовник, и вишни и, по его признанию, буквально блаженствует - «так хорошо, так тепло и поэтично. Просто один восторг».
И, конечно, не раз он делится своим счастьем с другими: посылает родственникам семена в Таганрог, чтобы и те развели у себя хоть какой-нибудь сад. И дарит свои деревья соседу, чтобы и у соседа был сад.

А когда в своей «Дуэли» он захотел показать, как никчемно было паразитарное существование Лаевского, он раньше всего обвинил его в том, что Лаевский в родном саду «не посадил ни одного деревца и не вырастил ни одной травки».

Когда же он вздумал изобразить гуманиста, проповедующего озлобленным людям мудрое счастье безпраничной любви, он вложил эту проповедь в уста садовода, проведшего с цветами всю жизнь, так как садовод показался ему наиболее достойным носителем таких светлых идей («Рассказ старшего садовника»).
В нём самом никогда не угасала потребность сеять, сажать, растить. По словам его жены, он ненавидел, чтобы в его присутствии срывали или срезали цветы. Настойчиво твердит он в своих письмах, что садоводство - его любимое дело.

«Мне кажется, — пишет он Меньшикову в 1900 году, - что я, если бы не литература, мог бы быть садовником».
И своей жене через год:
«Дуся моя, если бы я теперь бросил литературу и сделался садовником, то это было бы очень хорошо, это прибавило бы мне лет десять жизни».
И обращается с шутливым вопросом к одному члену таганрогской управы, нельзя ли дать ему место садовника в городском саду Таганрога. И, словно о важных событиях, сообщает своим друзьям и родным:
«Гиацинты и тюльпаны уже лезут из земли».
«Конопли, рициниусы, подсолнухи уже тянутся до неба».
«Мои розы цветут изумительно. Розы у меня растут необыкновенные».

А когда расцвела у него в Ялте камелия, он поспешил сообщить об этом жене телеграммой. В каждом цветке — как и в каждом животном — он чувствовал личность, характер, индивидуальные качества.

Однажды Горький прочитал ему свою гордую песню о человеке-строителе, жаждущем преобразить всю планету неустанным земледелием и строительством, и были в этой песне такие слова:
Круг земли пошел бы да всю распахал,
Век бы ходил — города городил,
Церкви бы строил да сады все садил!
Землю разукрасил бы, как девушку...

Песня эта не могла не понравиться Чехову, так как она вполне выражала его собственную веру в спасительность нашего тысячелетнего садоводства и зодчества.

«Если каждый человек на куске земли своей сделал бы все, что он может, как прекрасна была бы земля наша!» — сказал он тогда же Горькому. И записал в своей книжке: «Мусульманин для спасения души копает колодезь. Хорошо, если бы каждый из нас оставлял после себя школу, колодезь или что-нибудь вроде, чтобы жизнь не проходила и не уходила в вечность бесследно».

Отрывки из книги Корнея Чуковского «Современники».

День рождения столичной подземки

2026-05-08T11:27:06.799Z

День рожденья столичной подземки

15 мая — день запуска первой линии Московского метрополитена в 1935 году.
☆☆☆ Известно, что при строительстве были использованы сохранишиеся подземные коммуникации, отчего метро было выкопано в столь сжатые сроки - во многом воспользовались теми туннелями, которые уже были. Тогда практически не долбили и не вывозили породу. Сталин знал о существовании этих переходов и пытался их использовать, (по этому же поводу возводились и высотки), чтобы перестроить Москву как эгрегориальную систему. Было необходимо создать некие островки, на которых должна была скапливаться энергия.
Касался этой темы и советский спелеолог Игнатий Стеллецкий, консультировавший руководство Метростроя и составивший "План подземной Москвы". Согласно этому плану, потайные сооружения под зданиями XVI-XVII веков, находящимися в пределах Садового кольца, связаны между собой и с Кремлём сетью подземных лабиринтов.

Из книги Москва. Возрождение (шк. Сорадение):
«Если вернуться к ритму жизни и ценностям хотя бы советского периода, тогда можно уже с новыми смыслами запустить импульс как звук, который может быть подхвачен высшим звучанием. Тогда здесь возможны преобразования».

Оглядываясь, мы видим, что в начале проекта ключевой была идея сделать станции «дворцами для народа», то есть наглядно воплотить на практике принцип советского государства, согласно которому человеку труда должно быть доступно всё лучшее, что только может быть создано, для формирования культуры бытия. Монументальная архитектура московского метро, насыщенная символикой нашей державности, до сих пор поражает воображение его посетителей. Исследования психологов показывают, что многие станции вызывают у людей, впервые попавших на них, целый комплекс положительных эмоций - оживление, гордость, воодушевление. Многие отмечают чувства защищённости и общности с историей страны.
По красоте оформления московскому метро нет равных. Мрамор, оникс, яшма, бронза, люстры из горного хрусталя, фрески, лепнина, скульптура, мозаика и витражи руки ведущих мастеров своего времени, полированный гранит и фарфоровые плиты, мраморные и дубовые скамьи - декор подземных дворцов и палат - это воплощение эстетики как фона воспитания культурного человека.

«Москва - это место, где издревле жители создавали и поддерживали узорочье. Эта живоносная узорная вибрация передавалась во всём - в архитектуре, в обилии садов, цветов, и птиц, в речи, во вкусе, в тканях, в атриибутах.
Это отражение былой живой узорности жизни, от цветов до скопления звёзд» (кн. Москва. Возрождение, шк. Сорадение).

Строительство метро в Москве стало одним из ключевых достижений первых пятилеток. Первые станции созданы по индивидуальным проектам, поэтому они получились очень разнообразными и по-своему уникальными, в их художественном и инженерном решении участвовали и неоклассики, и конструктивисты.
Многие станции рассказывают нам о великих событиях, культурных достижениях и трудовых подвигах народа.

Например, станция «Комсомольская» красной ветки украшена в стиле сталинского ампира или неоклассицизма, философского отражения устремлённости человека к красоте и ясности форм.
В оформлении - символика победы русского оружия и русского духа.
На центральном своде перронного зала раскинулись сверкающие картины из цветных камней и смальты - восемь огромных панно с «образами великих предков», о которых говорил Сталин во время легендарного парада на Красной площади в 1941 году.
Расскажем ещё о нескольких станциях, визитных карточках Москвы.
Станция Площадь революции - бронзовая летопись Страны Советов, украшена 76 скульптурами, изображающих сцены из жизни советского народа.

Станция Маяковская оформлена в духе конструктивизма и удостоена Гран-при на Всемирной выставке в Нью-Йорке в 1939 году за инновационный дизайн и художественную ценность. Изюминка станции — мозаичные панно по эскизам А. Дейнеки «Сутки советского неба».

Любопытно оформлена станция Кропоткинская, которая до 1957 года называлась «Дворец Советов». При разработке проекта главный архитектор, увлекавшийся египетской стилистикой и дворцами фараонов, вдохновился древнеегипетским храмом Амона Ра в Карнаке. Он использовал десятигранные колонны в виде цветов лотоса, облицованные уральским мрамором и бестеневое освещение, спрятав светильники в капители колонн. Первые годы работы станции на мраморных ступенях даже стояли вазоны с пальмами.

Станция Киевская, красочно украшенная мозаикой из золочёной смальты и натуральных полудрагоценных камней, лепными гирляндами из колосьев, бутонов и листьев. Освещение - в виде роскошных люстр из гранёного хрусталя, сиявшего бликами и переливавшегося радугами, когда ранее для освещения использовались лампы накаливания (но при использовании современных «неживых» энергосберегающих ламп с матовыми колбами эффект практически пропал).

На станции Динамо есть одна уникальная особенность — окаменевшие раковины аммонитов, наутилусов прямо в мраморных панелях. Это природные окаменелости, возраст которых составляет миллионы лет. Помимо древностей, станцию украшают 60 фарфоровых медальонов, концептуально отсылающих нас к античности: они изображают атлетов, которые выполняют упражнения в разных видах спорта — от метания диска до фигурного катания. Прототипами послужили реальные люди, бывшие и кумирами своего времени и, в тоже время, типичными его представителями, ведь сталинская эпоха действительно шлёт нам задорный физкульт-привет.

Новослободская - одна из самых ярких станций столичного метрополитена и особенность оформления здесь — арочные витражи. Цветное стекло специально привезли из Риги, славившейся тогда своими мастерами-стекольщиками. Обрамлённые позолоченной латунью и сталью картины размещены внутри пилонов и подсвечены лампами, словно дневным светом.

В наше время тоже есть интересные архитекторы, которые чтут советскую традицию, есть и новые станции, как уникальное, самостоятельное произведение искусства.

91 год назад, 15 мая в «Вечерке» писатель В. Шкловский написал: «Москва сейчас — перекрёсток мира, о котором никто никогда не забывает. От московских линий метро бегут новые меридианы, определяющие положение человека в пространстве нашего времени. Московский метрополитен создан людьми, для которых самое важное — человек, потому он весёлый, полированный, потому он бодрит, радует».

Москва и ныне - перекрёсток миров, который по-прежнему созидает и имеет огромный потенциал для созидания грядущего. Поклонимся же труду и радости многих, свершавших сказку красоты и культуры нашей жизни. Друзья, обязательно развивайте и просвещайте детей, отвлекая их из виртуального мира на достойные внимания вещи, например, на историю московского метро.

Советуем к прочтению:
И. Стеллецкий «Мёртвые книги в московском тайнике», 1993 год.

Книга видного историка и археолога посвящена легендарной библиотеке Ивана Грозного, историей которой учёный занимался более 40 лет. В начале 30-х годов он вёл поисковые работы в подземельях Московского Кремля, которые были прекращены после убийства С. М. Кирова. В первом томе прослеживается история библиотеки, рассказывается о хранившихся в ней уникальных книгах, во втором описывается начальный этап её поисков Стеллецким. Отсутствие третьего тома, таинственно исчезнувшего, в определённом смысле восполнено дневниками автора, которые читаются, как приключенческий роман.

☆ примечание шк. Сорадение: часть наследия Стеллецкого после его смерти засекречена в наших архивах, а часть вывезена в Ватикан.

Ко дню рождения Булгакова

2026-05-06T17:24:30.348Z

В мае исполняется 135 лет писателю-мистику, умеющему соединить прошлое, настоящее и будущее в одной точке, а также обнажить корни добра и зла - Михаилу Афанасьевичу Булгакову.

Мы предлагаем вашему вниманию разбор от школы Сорадение «Мастера и Маргариты», вечного романа Булгакова, написанного поточным письмом. Это бессмертное произведение, где впервые была описана тёмная девятка, действующая в земном плане в ту эпоху.

Фигура Воланда в романе и его свита - это и есть тёмные принципы этой матрицы, и являются её сутью. Они тренируют и выкристаллизовывают свет в людях, совершая то самое благо, согласно эпиграфу к роману, взятому из «Фауста» Гёте: «Так кто ж ты, наконец? - Я - часть той силы, что вечно хочет зла, и вечно совершает благо».
Воланд прибывает в Москву на весенний бал, бал Сатаны, олицетворяющий саму матрицу, человеческие пороки и пестуемое людьми эго в течение множества жизней, когда повторяются одни и те же ошибки. Воланд - это сама суть игры.
Кот Бегемот - тёмный алгоритм, провоцирующий людей на нечестную игру - это принцип матрицы, толкающий нас жульничать по отношению к своему свету, пока человек, наконец, не осознает, нужно ли ему вообще играть по правилам этой системы в поисках своей сути.
Фагот, правая рука Воланда, сущность с минусового уровня, тоже провоцирует игру, иллюзию, формируя событийные ряды, вскрывающие недостатки людей. Фагот, как и вся свита, находятся за пределами этой игры, формируя её. Роман показывает, что если люди спят, то их выборы всегда будут неосознанны, и их всегда используют тёмные силы. По сути, люди перекладывают ответственность за свою жизнь на других, даже не зная, кто перед ними и кто этим управляет. Это вопрос к читателю, кто кому служит.
Азазелло, убийца с ножом - символ личности, или личины человека, которая убивает его собственный свет. То есть, каждый человек может быть по отношению к свету своей души или Азазелло, или Иешуа.

Замысел любовной линии Мастера и Маргариты - в изображении несовершенной модели любви, сведённой к земному и чувственному. Писатель показал, что само желание женщины обладать чем бы то ни было, например, вечной молодостью, или так называмыми «благами жизни», - это и есть та чертовщинка, что не даёт осознать безграничный потенциал истинной, божественной любви, многогранность этого света, и на что они способны.

В романе ярко показаны символика и ритуалы, позволяющие тёмным править здесь бал, питаясь энергией эмоций и чувств людей со спящим сознанием, неправильно понимающих вопросы любви, света, крови и нашего наследия.

Перед нами проходит вереница героев и символов. Мы видим Мастера как наблюдателя, составляющего картину мира, поэта Бездомного (т.к дом - везде), посаженного в сумасшедий дом. Здесь и завораживающая символика куста роз, мучающего Понтия Пилата головными болями - ведь любовь, амриту бессмертия невозможно понять умом. Мы видим и свободу Иешуа, который свободен даже от тела и боли.
Вся книга - это демонстрация иллюзии этой жизни. Это и театр, как символ, и любовь внутри этого театра как игра, как маски, а не процесс жизнетворения.
Роман даёт хорошую возможность читателю осознать, чему он служит, осознать свой свет внутри, свой канал совести и собрать свою жизнь к единой точке.

Литературные критики часто сравнивают Воланда со Сталиным. С этим можно согласиться лишь в той части, что Сталин обладал беспристрастностью, как Воланд и умел, как и он, встать над полем игры, охватывая множество, как, например, в Великой Отечественной войне.
Сталин и Булгаков были связаны по прошлым жизням, хотя мало соприкасались в этой, но благодаря произведениям Булгакова в том числе, Сталин мог видеть процессы более ясно, ведь в «Мастере и Маргарите» довольно полно показаны все девять тёмных сил, действующих на Земле. Сталин полагал это весьма важным, хотя и не мог говорить открыто.

Также он считал большим произведением пьесу «Дни Турбиных» по мотивам романа «Белая гвардия», и ездил на постановку во МХАТ десятки раз, таким образом осуществляя некий патронаж, что помогло писателю сохраниться.

Булгаков при всей тяжести прохождения не покинул страну и сумел погрузиться в сценарии этой матрицы, пройдя через страдания людей, начиная с Первой мировой войны в качестве врачевателя, и впоследствии, после смерти ушёл выше.
«Русский писатель не может творить вне России», - сказал Михаил Афанасьевич, вставший перед ключевым выбором - рано уйти из жизни, получив от матрицы родовую болезнь, что он предчувствовал, но при этом остаться в России и сослужить ей, либо уехать в эмиграцию для совсем другой сценарной ветки.
Булгаков сделал верный выбор с точки зрения развития души.

Друзья, читайте великолепные произведения М. А. Булгакова, наполненные безграничным жизнелюбием, юмором, талантом.
Отдадим дань уважения прекрасному русскому писателю, прошедшему через множество испытаний, не склонив головы.

Заметки о жизни и творчестве Василия Поленова

2026-04-09T18:49:34.978Z

Друзья, наследие Василия Дмитриева Поленова настолько многогранно, что к его изучению можно подступаться не единожды, и каждый раз выявлять для себя глубокую красоту его духовного пути в искусстве, находить нечто полезное, что может обогатить и наш внутренний мир, приводить к размышлению на философские темы и погружению в глубины своей души.

Сегодня хотим поделиться с вами несколькими заметками, созданными на основе прочтения книги Марка Копшицера «Поленов. Жизнь замечательных людей».

Из книги «Поленов. Жизнь замечательных людей» Марка Копшицера:

Он будет поставлен перед необходимостью повзрослеть силою обстоятельств, которые неизбежно возникают в жизни человека.

Но он едва ли понимал огромность задачи, ставшей перед ним: ему предстояло стать личностью, если он хотел стать художником. Можно быть личностью и не быть художником, но быть художником, не будучи личностью, — нельзя.

Теперь никто не будет давать ему «программу», как в академии. Он должен выбирать из жизни то, что его в этой жизни поразит, остановит в недоумении, заставит задуматься. ....

Сюжет необязательно должен быть социальным. Но он должен быть прочувствован, пройти через сердце, через сознание, лишь тогда он станет произведением искусства, передаст частицу твоей мысли, твоего чувства — зрителю.

Василий Поленов. Сказитель былин Никита Богданов, 1876

Это действительно замечательная вещь, хотя Поленов, повидимому, не придавал ей значения. В письме Крамскому он говорит об этом портрете даже несколько уничижительно:

«Начал я работать в
деревне, сфотографировал мужичка и кое-что другое. Репин одобрил, говорит, что другой человек писал, что парижские вещи сравнительно с
этими фотографиями — без натуры писаны».

Что ж, прав Репин. Никита Богданов — настоящий «мужичок», не «мужик», а именно мужичок, он какой-то «лёгкий», примирëнный с жизнью — вроде
тургеневского Калиныча, которого даже пчёлы не кусают, — и очень подлинный, так что примененное Поленовым в смысле несколько ироническом слово «фотография» здесь в какой-то мере к месту, ибо свидетельствует именно о подлинности образа. Но в этом — лишь половина правды, то есть портрет Богданова — при всем том — произведение искусства, может быть, лучшее из всего, что создано Поленовым до той поры.

Трудно сказать — как всегда это бывает трудно сказать о подлинных произведениях искусства, — как достиг он этого впечатления «легкости» своего героя (А. Н. Толстой, когда речь заходила о таких необъяснимых удачах в литературе, говорил только одно слово: колдовство).

Но он именно «легкий». Чувствуется, что это не земледелец, не лесоруб, что это «мужичок», но в лучшем смысле этого слова, не пейзанин, а, так сказать, «простолюдин», но очень непростой простолюдин.

Он легок на подъем — ведь всю жизнь ходит по Руси: слушает былины, запоминает их; он — один из многочисленных авторов, виновников разночтений произведений народной литературы. Должно быть, он Поленову не одну былину рассказал, пока тот его «фотографировал».

И изображен он тоже очень характерно: на завалинке, но на самом углу избы, там, где скрещиваются бревна, вот в этом самом углу. Но он не опирается на стену. Он, правда, позирует: шапка в руках; но палка, с которой он ходит, — при нем: между ним и руками, держащими шапку. И котомка рядом. Он весь — «на отлете».

Так и кажется, что он сейчас
скажет: «Ну что, барин, срисовал? Можно итить?» И поднимется — легко
так, «облегченно», — забросит на плечо котомку, наденет шапку и пойдет, опираясь на палку (больше для вида — палка-то тоненькая), от погоста к
погосту: сказывать былины, петь песни, ночевать в чьих-то избах, есть хлеб, заработанный своим искусством — ой как нужным людям, которые не одним ведь хлебом живы.

Василий Поленов, как никто другой из русских художников, знал химию красок. Он знал любые нюансы, происходящие от эффекта смешения красок, их соседства, наложения одного слоя краски на другой, их взаимодействие. Потому его картины, написанные сто лет назад, и сегодня выглядят так, словно написаны вчера.

Он не скрывал никогда своих «секретов», которые, собственно, и не считал секретами. Когда он стал преподавателем, то много говорил своим ученикам о химии красок, их колористическом взаимодействии. А потом уже его ученик Левитан, став преподавателем, передавал своим ученикам этот несекретный секрет.

Поленов ради своих работ из жизни Христа совершил два путешествия на Ближний Восток. Второе было совершено в сопровождении ученика Егише Татевосяна, пейзажиста А. А. Киселева и друга Поленова Л. В. Кандаурова. И вот что впоследствии вспоминал Кандауров: «Когда мы были в Палестине, один и тот же пейзаж писали, сидя недалеко друг от друга, Поленов и Киселев. Когда я подошел к Киселеву, он сказал: «И откуда это Василий Дмитриевич берет такие яркие краски, совсем этого нет». Вскоре я подошел к Василию Дмитриевичу, он мне говорит: «Плохая манера у Киселева прибавлять ко всем краскам какую-то грязь (черноту), и так краски со временем тускнеют и не передают всей яркости природы».

Вот еще — помимо знания химии красок, помимо знания законов пленэрной живописи — источник обилия солнца в картинах Поленова: его отличное от того же Киселева и иных художников видение натуры. Он видел свет там, где другим казалось, что в природе «совсем этого нет».

Московский дворик, Василий Поленов

Младшие современники Поленова оставили множество воспоминаний о том, как завораживающе действовали на них, в то время еще юнцов, светлые, дивные пейзажи Поленова, которые были словно окном, пробитым сквозь стены тех зданий, в которых экспонировались передвижные выставки; окном, через которое проникало солнце, проникал воздух.

Мы же привычно считаем высочайшими достижениями художника те его картины, что написаны в «пейзажно-бытовом» жанре: «Московский дворик» и «Бабушкин сад». Почему? Видимо, потому, что в них он наиболее полно выразил себя, свое отношение к миру.

Александр Бенуа, художник и искусствовед, писал: «Не в моих принципах излагать принципы, согласно которым создается то или иное художественное произведение». Почему? Да потому, считает Бенуа, что «то неуловимое, что не поддается анализу, и составляет самое существенное в данном произведении».

Но кто же является непререкаемым судьей? Время. Время и только время. Именно время вынесло свой приговор и произведениям Поленова.

А в те годы — в 1878-м, 1879-м и далее — никто, даже сам автор, не понял, что эти небольшие и такие, казалось бы, скромные полотна бесценны.

Василий Поленов, Заросший пруд, 1879

«Душа» была в пейзажах Поленова, она проявляется через настроение, и его пейзажи, и впоследствии в еще большей мере пейзажи его учеников и младших современников — Левитана, К. Коровина, Серова — получат наименование «пейзажей настроения». Выражение это к концу 1880-х — началу 1890-х годов стало настолько расхожим, что употреблялось в таких журналах, как, скажем, «Семья»:

«Никто, кажется, не спорит, что истинная задача пейзажной картины — создать в смотрящем на нее известное более или менее тонкое настроение, более или менее приближающее к тому, какое в самом художнике вызвала изображенная им действительность и какого непосредственно не может дать обыкновенному смертному».

Храм Изиды на острове ФилеВ.Д. Поленов. 1882 г.

«Живопись Поленова явилась чем-то совершенно новым на общем сероватом, тусклом фоне тогдашней живописи. Его этюды — палестинские и египетские — радовали глаз своей сочностью, свежестью, солнечностью. Его палитра сверкала, и уже этого одного было достаточно, чтобы зажечь художественную молодежь». Головин

Картина Бабушкин сад

Мы… задались целью по мере сил и умения помочь народу удовлетворить высокие потребности человека — потребности духа. И вот искусство, по нашему глубокому убеждению, есть одно из самых могучих для этого средств.

В. Д. Поленов — Ф. И. Шаляпину. 16 мая 1913 г.

Я искренно желал сделать искусство доступным и интересным народу. Это было всегда одной из главных задач моей работы.

В. Д. Поленов — А. В. Луначарскому. Июнь 1924 г.

Ранний снег

В Бёхове, когда жили еще во временном флигеле, в сентябре выпал ранний снег, и Поленов из окна второго этажа сделал эскиз большого пейзажа. Пейзаж этот был окончен в 1891 году.

Здесь и панорамность, которой так долго добивался в своих пейзажах художник с юных лет, и полное отсутствие человека. Только поблекшие осенние деревья и кустарник и мягко лежащий на земле снег.

Небо темное, затянутое тучами, предвещает ненастье. И уходящая вдаль стынущая река, которая вот-вот начнет затягиваться у берега тонким ледком.

Василий Поленов. Осень в Абрамцеве

В 1890 году Поленов написал панорамный пейзаж — «Осень в Абрамцеве». Это его они с женою между собой называли «Федюшкино воспоминание»: на месте, с которого писан пейзаж, за четыре года до того, осенью 1886-го, сидели они, вспоминая своего первенца, здесь пришла к Поленову большая, до конца жизни, любовь к жене.

На этом пейзаже осень «первоначальная», пушкинская, тютчевская, здесь «в багрец и золото одетые леса», здесь теплое солнце ранней осени, которым согреты и воспоминания Поленова, и его любовь.

В этом пейзаже Поленов целиком отдался своей любви к чистой красоте природы. Здесь человек присутствует незримо — с его настроением, с его очарованностью, с его любовью к природе.

На Генисаретском озере

К 1909 году Поленов закончил, наконец, грандиозную работу — 58 картин из жизни Христа. В сущности, он посвятил им всю жизнь, задумав сначала одну картину о Христе, когда мальчиком еще увидел картину Александра Иванова. Первой и основной картиной «евангельского круга» была «Христос и грешница», оконченная в 1887 году.

Но уже через год появляется еще одна: «На Генисаретском озере». На ней Христос — один, без людей, он размышляет, он идет по тропинке вдоль берега озера. Озеро — очень красивое с чистой спокойной водой и обкатанными водой прибрежными камнями. Вся картина — большая горизонтальная — словно бы предвосхищает панорамные пейзажи Оки.

И озеро можно принять за широкую спокойную реку. На заднем плане — на другом конце озера или на другом берегу — невысокие возвышенности. Ничто не мешает размышлению.

Человек, который, опираясь на палку, бредет по дороге, устал, устал беспрерывно наблюдать то, что делается вокруг него, устал от людской подлости и низости, устал от взятого им на себя бремени: переделать проповедью добра род человеческий.

Но перед Христом вся гладь озера, путь ему еще долгий и такой же пустынный. Где-то его ученики, где-то люди, которых он должен наставить на путь добра, а сейчас он один, наедине со своими мыслями. И в то же время кусок земли, на котором находится Христос, невелик, остаток дорожки до нижнего обреза картины очень мал. И сама фигура Христа, сравнительно с площадью картины, невелика, хотя она и доминирует в картине — так искусно она вписана в пейзаж, так четко рисуется темная фигура человека на фоне светлой голубизны озера и берегов его.

Здесь человек живет заодно с природой. Она — его помощница в трудном деле, которое взвалил он на свои плечи. И потому пейзажу отдано так много места в картине, потому он и выписан с такой любовью и таким искусством.

Первый план берега и воды написан чистыми красками, мелкими, мозаичными мазками. И это делает пейзаж необычайно свежим, красивым, написанным словно бы не по этюдам, а с натуры.

Христос и грешница (Кто из вас без греха)

Для Поленова смысл этой картины был не во внешней фабуле, а в проповеди добра, в том, что можно этой проповедью добра спасти человека. Для него Христос — олицетворение человеколюбия.

Вот его слова по этому поводу: «В первых повествованиях о Христе личность его является чисточеловеческой, со всеми человеческими чертами, и несравненно более для меня привлекательной, трогательной и величественной, чем тот придуманный после его смерти отвлеченный, почти мифический образ, который передали нам писатели и художники позднейших времен. В евангельских сказаниях Христос есть настоящий, живой человек, или сын человеческий, как он постоянно сам себя называл, а по величию духа сын Божий, как его называли другие. Поэтому дело в том, чтобы и в искусстве дать этот живой образ, каким он был в действительности».

В 1887 году, после окончания работы над «Христом и грешницей» и истории с «устройством» этой картины, Поленов получил письмо от Антокольского из Парижа:

«Москва может много дать художнику, но тем не менее художник там может скоро сгореть… Поддаваться этому не следует ни за что на свете! Бог дал тебе талант, состояние и прекрасную семью. Ты сам брал от природы все, что было возможно. Ты честный человек с солидным образованием, а потому — израсходовать это ни на что будет с твоей стороны грешно. Напротив, мы все ждем от тебя много, много прекрасных творений. Твой дом должен быть рассадником искусства, теплым центром для всех, кто желает отдохнуть после прозы и перейти в область поэзии. Одним словом, ты должен всех ободрить и обласкать, ты должен поддерживать духовные силы молодых и старых. Вот твое призвание. Бог дал тебе средства для этого, и ты твоим примером должен указать другим, как трудиться и как любить труд. Говорят, кому Бог много дал, от того много и требует, — это целиком можно отнести к тебе, друг Василь Дмитриевич».