Утончённые эстеты насмешливо кривились: разве искусство существует для разоблачения социальных пороков? Для этого есть милиция, психиатрия, медицина. А искусство – оно для возвышения духа человеческого…
Сюжет картины подсказала история родной сестры: молодая пианистка связала судьбу с выпускником той же новосибирской консерватории, начинающим композитором-дирижёром. Несколько лет семейного счастья закончились пьянством мужа из-за "творческого кризиса" и разводом… Художник чувствовал, что картина и сюжетом своим, и исполнением задевает за живое. Среди многочисленных работников Центрального Дома художника, где проводились выставкомы, уже пошла о ней молва…

Впервые картину отважились повесить на весенней выставке в выставочном зале на улице Беговая в 1984 году. Она быстро стала героиней дня. Каждый день для художника был тогда праздником. Он приходил в свой зал и обязательно находил у картины зрителей. Иногда его узнавали, и начинались расспросы, рассказы, воспоминания – будто картина сама настраивала зрителей на откровенность. Но чаще художник садился в противоположный уголок и зарисовывал с натуры сценки у картины.
Количество посетителей, разыскивающих на выставке «Прощальный взгляд» росло с каждым днём, и смотрительница зала посоветовала завести художнику Книгу отзывов. Он даже пожалел, что не завёл её сразу. Зрителей распирали эмоции, на один отрицательный отзыв тут же отвечали десятки защитников картины.

Весною, в мае, перед вишнями
Искусство возвратилось снова
От футуристов к передвижникам,
От злых художников – к Доброву! –
так начинался один из множества отзывов.

Но вскоре судьба уготовила художнику великое испытание. В январе 1985 года, во время его поездки к матери на Дальний Восток, сгорела его мастерская на Столешниковом переулке. Это случилось глубокой морозной ночью. И ещё полдня несколько пожарных расчётов боролись со стихией, пытаясь спасти старинный дом, в котором верхний третий этаж занимали мастерские художников. В огромном зале почти полностью обрушился потолок. И единственной уцелевшей картиной, стоявшей отдельно в углу, оказался «Прощальный взгляд». Его спускали на пожарной люльке. Прилетевший через день потрясённый художник оказался перед ледяным домом с обугленными чёрными глазницами окон… Жена понимала – если бы сгорел ещё и «Прощальный взгляд»…
Всем было ясно, что здание обречено. Но Добров не сдался. Когда через несколько дней из оледеневшего пепла был вырыт большой стол, он с силой ударил кулаком по столу: «Здесь была и будет моя мастерская, и хватит меня жалеть!»

В октябре 1985 года «Прощальный взгляд» висел уже в Центральном Доме художника, а через месяц - в Манеже на VII Республиканской выставке «Советская Россия». Картина по-прежнему была самой популярной на выставке. В общей Книге отзывов каждый день появлялись о ней новые записи. А художник, как обычно, любил хоть ненадолго прийти понаблюдать, послушать, порисовать. Главную информацию ему постоянно сообщали верные друзья картины – смотрители, дежурные по залу. От них он узнал, что на выставке побывал новый глава государства Горбачёв М.С. со своей свитой. Когда его подвели к «Прощальному взгляду», он произнёс: «Так… проблема поставлена…»

Очерки о вернисажах печатались в центральной прессе, и в обязанности жены входило искать по киоскам очередную газету с публикацией, о которой случайно кто-то говорил. До сих пор хранит художник эти газеты: «Московский комсомолец», «Советскую Россию», «Труд», «Известия», журналы – «Художник», «Спутник», «Сельскую новь»…
Газета «Московский художник» с весны по осень 1986 года регулярно печатала полемические заметки о феномене картины «Прощальный взгляд». Мнения были полярные: и восторженные, и беспощадные, на которые художник реагировал очень болезненно. Сам он никогда не любил участвовать в дискуссиях, считая, что хорошая картина способна сама себя защитить.

Популярность картины была столь велика, что случались и казусы. Однажды днём художник прилёг отдохнуть и был разбужен грохотом железа на крыше его мастерской (это было уже в начале 90-х). Полусонный художник выбежал на крышу и увидел ребят, пробравшихся на его крышу через соседнее выселенное здание. Это случалось и раньше, поэтому он давно уже ночевал в мастерской. По обыкновению Геннадий стал просить ребят уйти, мол, тут живут и посторонним нельзя. «А ты кто такой, что командуешь? – раздался дерзкий голос. – Сам-то как забрался сюда?» - «Я художник, тут моя мастерская». – «Какой ты художник, ты бомж и нашёл тут ночлег». – «Нет, я не бомж, - продолжал настаивать озабоченный хозяин, - тут моя мастерская, где я работаю». – «Да ладно врать-то. Вон внизу таких бомжей полно бродит!» - «Не верите? Ну пойдёмте, я покажу вам свои картины».

Ребята пошептались между собой и спустились за художником в узенькую стеклянную дверь. Когда они увидели «Прощальный взгляд», то были абсолютно подавлены: «Да у нас такая картина в общежитии висит у вахтёра…». (В 1990 году был выпущен большой настенный календарь с картиной «Прощальный взгляд»). Ребята оказались учащимися музыкального училища, их общежитие находилось на соседнем Дмитровском переулке.
Люди так искренне верили картине, что часто на выставке находился кто-то, кто был убеждён, что художник нарисовал сам себя. Другие сомневались, начинались споры.
В сентябре 1986 года журнал «Художник» напечатал цветную репродукцию картины «Прощальный взгляд», призывая коллег к профессиональной дискуссии (начинались перестройка и свобода слова). Одновременно журнал «Трезвость и культура» поместил большую репродукцию картины и очерк о её судьбе. Отклики приходили в течение всего следующего года, редакция была завалена письмами со всей страны, по ним можно было изучать географию и социологию. Благодарности, благодарности, благодарности…

Каждую неделю жена художника приезжала в редакцию, читала письма и делала выписки. Были замечательные письма. Где-то в тайге, на приисках самодеятельный художник сделал с репродукции большую копию картины, почти в натуральный размер (1,5м х 2,0м) и сфотографировал на её фоне всю бригаду. Написали про своё трудное житьё-бытьё, про «русскую традицию», которая разрушила жизнь их бывших товарищей. И – неожиданное: «Мы решили ввести у себя в бригаде сухой закон. Если и можно бросить пить русскому человеку, то только благодаря вот таким картинам, как «Прощальный взгляд»!
Такие чистые порывы наполняли сердце художника теплотой…

Людмила Доброва, жена художника.

Многие из тех, кто видел работы Дэйва, считают, что это просто здорово. Годзилла у старого маяка и Чубакка на туманном берегу лесной речки? Почему бы и нет. И живописно, и современно. Поклонники фэнтези в восторге. Правда, неизвестно, как отнеслись бы сами авторы пейзажей к такому «ремейку», если бы им показали картины в обновленном виде…

Винтажная лавка, которую открыл Дэйв (в период пандемии она работает как интернет-магазин), специализируется на всем: от винила и домашнего декора до одежды и ювелирных изделий, и эти невероятные картины стали его логичным дополнением и визитной карточкой.

В осеннем небе хватит места всем: и птицам, и летательным аппаратам.

Мирный пейзаж с мельницей превратился в сцену баталии.

– Когда ударил covid, мне пришлось закрыть свой винтажный магазин и перевести его в онлайн. Запустили с женой сайт и стали работать полный рабочий день, пытаясь удержаться на плаву. Она делала маски, а я начал рисовать. И то, и другое очень занимало нас, и мы были очень рады, что у нас есть работа, – говорит мужчина.

Дэйв просто мастерски вписывает фэнтези-героев в старые пейзажи.

Йода здесь выглядит вполне органично.

Свою серию необычных картин Дэйв начал со старого пейзажа, который у него уже был. Сам автор считал его красивым, но не мог продать эту картину даже за пять долларов.

– Через пару лет я решил, что раз я все равно собираюсь выбросить этот пейзаж, то почему бы не попробовать сделать с ним что-то интересное? Решил пририсовать упавший в озеро шагоход АТ-SТ из «Звёздных войн» и эвоков, ловящих рыбу с него. Ну а потом пошло-поехало: картины с фантазийным персонажами стали очень популярны, – рассказывает Дэйв.

Неожиданное происшествие в обычном лесу.

Как поясняет мужчина, он изменяет старые, забытые произведения искусства, добавляя к ним элементы поп-культуры. И он уверен, что делает это с такой самоотдачей и с таким уважением к стилю авторов, что те наверняка оценили бы его старания.

Имперский бронеход из «Звёздных войн» сражается с Ханом Соло и эвоками

Итог поразителен: при взгляде на полотна, на которых присутствуют Годзилла, Голлум из «Властелина колец» и другие узнаваемые либо выдуманные Дэйвом персонажи, кажется, что так и было задумано. Фантазийные герои смотрятся на пейзажах не как что-то инородное, а вполне органично.

Крылатые гости на скалистом побережье.

А вот и Голлум из «Властелина колец!»

Художник Дэйв старается попасть в стиль и настроение автора.

Прежде чем начать работать с той или иной старой картиной, Дэйв очень долго её изучает, анализирует увиденное, а затем учится «соответствовать» стилю автора. И только после этого начинает дорисовывать на пейзаже своих героев из будущего. Важно четко попасть в настроение и сделать так, чтобы по стилю его персонажи не выбивались из общей композиции.

Фанатам Гарри Поттера наверняка понравится такая картина.

С такими героями старые пейзажи более востребованы.

До пандемии Дэйв покупал старые пейзажи в комиссионных магазинах и на гаражных распродажах. Но и теперь, когда многие подобные лавки закрыты из-за ограничительных мер, это тоже не проблема — в последнее время он стал настолько известен, что люди сами приносят ему старые картины, от которых хотят избавиться во время уборки или ремонта своих домов.

Дэйв говорит, что это здорово.

– Обычно я плачу им всего по 5 или 10 долларов за пейзаж. Это не так много, учитывая, что после моей доработки картины стоят уже намного дороже, – поясняет он.

Кажется, что всё это нарисовал один и тот же художник, ведь Дэйв очень старается копировать изначальный стиль картины.

Это определенно новый подход к живописи.

По поводу того, правильно ли так поступать с авторскими картинами, можно спорить долго. А между тем творческие люди во всем мире решаются на всё новые и новые эксперименты.

Польский иллюстратор-неосюрреалист Яцек Ковальский, который уже много лет творит под творческим псевдонимом Яцек Йерка (Jacek Yerka), поистине обладает необычным и самобытным талантом. Его уникальные картины уже давно приобрели своих почитателей по всему миру. Яркие, детально продуманные, скрупулезно прописанные, в некоторой степени напоминающие работы знаменитых сюрреалистов прошлого, они являются свидетельством необычного дара художника, который по силе не уступает великим мастерам.

Перелистывая страницы биографии

Яцек Ковальский (Яцек Йерка).

Яцек Ковальский (Яцек Йерка) родился в 1952 году в Северной Польше (городе Торунь) в семье студентов местной Академии изобразительного искусства. Таким образом, он пришел в мир, уже приговоренным пойти по стопам своих родителей. Рос будущий художник в окружении средневековой архитектуры родного городка Торунь, чудом уцелевшего от бомбежек во время второй мировой войны. Старинная архитектура и окрестности города были не только фоном, на котором рос будущий художник, - все это целиком взятое и оказало огромное влияние на тематику его работ и сформировало тонкий художественный вкус мастера.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Что больше всего запомнил со своего раннего детства Яцек, так это запах красок, чернил, бумаги, резины и кистей так, как мать с отцом постоянно находились в творческом процессе. Однако окрестности их дома и кухня бабушки, где юный Яцек проводил немало времени, оказали куда более весомое влияние на его творчество в будущем, нежели попытки родителей привлечь малыша к серьезным занятиям. Нужно также отметить, что самым важным человеком в своей жизни мальчик считал именно свою бабушку по линии отца — Ванду. С ней он и пережил свои самые лучшие моменты детства. Она отдавала внуку всю свою душу и была его ангелом хранителем, и первой почитательницей таланта.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Будучи ребенком, Яцек был совсем не похож на других детей: "Я был замкнутым ребенком, очень сложно сходился с детьми моего возраста. Я ненавидел играть на открытом воздухе. Свое свободное время я использовал для рисования, сидел с карандашом и бумагой, погружаясь в мою собственную, другую реальность. Мои пальцы были всегда изрезаны острым маленьким ножом – его я все время таскал за собой, чтобы затачивать карандаши. Это был мой побег от реальности — рисунки, сотни рисунков и маленьких скульптур: лодки, головы, фигуры, фантастические маски".

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Тем не менее, увлечение рисованием совершенно не предполагало то, что Яцек хотел бы в будущем на все 100 стать художником, как его родители. Как ни странно, его неудержимо влекла астрономия и отчасти медицина. Однако за год до выпуска со школы подросток впервые решил изменить карандашу и взял в руки краски. И стоит лишь догадываться, каково было его чувство удивления, восторга и радости, когда он открыл для себя загадочный мир цвета. Разумеется, это открытие окончательно убедило его в решении посвятить себя искусству.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

"Я сделал свою первую иллюстрацию за год до поступления в колледж, где собрался изучать графику. Мои родители постоянно пытались заставить меня рисовать более традиционные иллюстрации, хотели, чтобы я вернулся из своих фантазий в реальность. Потом я начал понимать, что выдуманные миры - мой конек. Со временем родители согласись со мной", - так вспоминает свои первые шаги к собственному "Я" в искусстве польский иллюстратор.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Защищать своё видение мира Яцеку приходилось и в годы студенчества во время учебы на Факультете изобразительного искусства в Университете Николая Коперника (г.Торунь), где изучал графику со специализацией в области эстампа. Преподаватели, первое время, пытались привить Яцеку навыки к более современной абстрактной, и менее детализированной манере. Но будущий художник решил, что себе изменять не стоит и упорно продолжал вырабатывать свой собственный стиль. Вскоре преподаватели, как и родители, оставили свои попытки изменить в необычно талантливом ученике что-либо, и тот был совершенно свободен в своем мышлении и творчестве.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Выйдя со стен университета дипломированным художником-графиком в 1980 году, Яцек Йерка начал свою творческую карьеру. В том же году молодой художник начал сотрудничать с несколькими галереями в Варшаве, а также выполнять работы на заказ.
Свои первые картины молодой художник подписывал начальной буквой своей фамилии – «К». Спустя несколько лет после окончания вуза Яцек берет себе псевдоним «Йерка» - именно так теперь подписаны все его творения.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Карьера художника развивалась стремительно, его иллюстрации появлялись в различных изданиях мира. Не менее широкую популярность приобрели и картины мастера. "В середине 1990 года я получил предложение из Голливуда. Оно перевернуло мою монотонную жизнь. Продюсер Рене Даалдер предложил присоединиться к производству научно — фантастического фильма под названием «Strawberry Fields». Я принимал участие в первом этапе производства, проектировал фигуры, монстров, машины и нереальные пейзажи. Некоторые из моих работ, как "Сотворение жизни", и "Techno beach", и "Пикник" были созданы при работе в этом проекте."

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Все свое время Яцек посвящает картинам и иллюстрациям, стиль исполнения которых выбрал еще в студенческие годы, оставаясь верным самому себе и по сей день. Его персональные экспозиции регулярно выставляются в Европе и Соединенных Штатах, а также находятся в частных собраниях коллекционеров по всему миру. В 1995 году мастер получил престижную «Всемирную премию фэнтези» как лучший художник.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Основная тематика произведений художника

Художник-сюрреалист придумывает и создает захватывающие фантастические миры, с лабиринтами и головоломки, где всё просто и легко, но в тоже время очень сложно. Его картины — будто путешествия в страну подсознания.

Художник за работой.

Давая определение художественному стилю Яцека Йерки, специалисты утверждают, что он в большей степени относится к реалистичному сюрреализму, который тонко переплетен со стилем фэнтези. Однако ни к тому, ни к другому направлению его творчество отнести довольно трудно, есть в нем нечто индивидуальное, непостижимое ни на что не похожее.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Основой для многих произведений мастера служат пасторальные пейзажи, средневековая архитектура Северной Польши и бытовой интерьер 50-60-х годов. "Мой самый большой источник вдохновения - мои детские впечатления - жизнь в сказочные счастливые 50-е (это были добрые душевные годы), а также техника 1950-х годов..."

В процессе длительной карьеры Яцек выработал авторский стиль и манеру, покорившую даже взыскательных зрителей: красота и обилие деталей, техника 50-х годов ХХ столетия, животные, природные ландшафты, архитектура и домашние интерьеры... И все это художник мастерски складывает в уникальную объемную картину, разумеется, с хитрой авторской загадкой.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Те, кто хоть раз побывал в родном городе Йерки, без труда могут увидеть знакомые архитектурные сооружения на его картинах. В своих работах художник не стремился изображать здания именно такими, какими они являются на самом деле. Он не уделял внимание мелким деталям, ведь они могли нарушить общее впечатление о нереальности изображения.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Если взглянуть на природные ландшафты, то и тут можно обнаружить привязанность к родному краю. Среди многочисленных деревьев, кустарников всегда можно обнаружить растительность, которая характерна именно для природы Северной Польши.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Сюрреализм от Яцека Йерки.

Мировая известность к Яцеку Йерке пришла в 1994 году, когда вдохновленный его картинами американский писатель фантаст Харлан Эллисон (Harlan Ellison), был настолько впечатлен работами польского сюрреалиста, что специально написал тринадцать новых коротких историй для «Mind Fields». Книга была опубликована в 1994 г. Каждая история относится к одной из тридцати вошедших в «Mind Fields» картин Яцека Йерки.

Поистине удивительный художник, работы которого вряд ли кого оставили равнодушным.

Источник: https://kulturologia.ru

Испанская сюрреалистка Ремедиос Варо.

В своих творениях эта художница виртуозно переплетала мир своих сновидений и «память предков», заложенную в интеллекте, женское любопытство, интуицию, линейную логику, а также основы разных наук, в том числе и мистических, а также механику и архитектуру. Глубокие познания в сфере оккультизма, философское размышление, высокий полет фантазии и способность трансформировать свои сновидения на картинную плоскость посредством красок - вот отличительные черты творчества этой удивительной художницы. Стиль картин которой, искусствоведы определяют как наивный реализм с вкраплениями духа мистики, философского подтекста, элементов сюрреализма и неуемной фантазии художницы.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Впервые увидев картины испанки Ремедиос Варо, так и хочется воскликнуть: "Боже, какое чудо! Как же восхитительно, сказочно и незабываемо!". Именно сюрреализм стал для Ремедиос Варо посредником между законами Вселенной, научными принципами, логикой и фантазией. Она, была очень восприимчива к природной среде и всему тому, что окружает человека. Художница искренне считала, что между ним, то есть человеком и растительным, животным и механическим миром существует сильная нерушимая связь. Поэтому мы в ее работах видим такое разнообразие деталей, имеющих определенную символику, значение и тайный смысл.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Полотна Ремедиос Варо насквозь пропитаны поэзией, эзотерикой, магией, мистикой, алхимией, философией. А образы ее главных героев несут в себе смысловую занятость и увлеченность каким-либо делом. И чаще всего творческим, серьезным, бесконечно важным и осмысленным. И что весьма любопытно, многие герои полотен сюрреалистки имеют сходство с обликом самой Ремедиос. Такое же сердцевидное лицо, миндалевидные глаза, длинный острый нос и пышные волосы - очень уж похожи на ее черты лица. Таким образом, художница своим визуальным присутствием подчеркивала причастность ко всему происходящему на картинной плоскости.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Однако, чтобы глубже понять удивительное творчество этой уникальной художницы нужно немного заглянуть в ее биографию, не менее удивительную и впечатляющую, перелистывая страницы которой, диву даешься, настолько многогранно и разносторонне развита была эта женщина.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

По страницам биографии сюрреалистки

Ремедиос Варо.

Ремедиос Варо (Remedios Varo) родилась в Испании в 1908 году. Полное имя художницы по метрике - Мария де лос Ремедиос Алисия Родрига Варо и Уранга. Детство Ремедиос было буквально насыщено впечатлениями, сформировавшими ее мировоззрение на всю жизнь. По долгу службы ее отец обязан был постоянно переезжать из города в город, из страны в страну, а иногда из континента на континент, следуя к местонахождению нового строительного объекта. А вместе с ним кочевала и его семья.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Дон Родриго, инженер гидравлических установок, при длительных переездах развлекал маленькую дочку, давая ей перерисовывать свои чертежи, попутно объясняя ребенку назначение тех или иных механизмов. Пытливый ум Ремедиос впитывал знания как губка. И со временем графические линии становились все более точными и уверенными. Таким образом, девочка приобщилась к рисованию.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

А когда на некоторое время семья осела в Мадриде, Дон Родриго, имея либеральные взгляды на жизнь, отдал дочь в одну из «свободных школ». Однако маленькая Варо не долго тешилась свободой, по настоянию ее матери-католички, девочку перевели в закрытую школу при монастыре, что было вполне в духе того времени.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

И стоит ли говорить о том, как свободолюбивый ребенок, наделенный от природы богатой фантазией и незаурядным умом, и получивший от отца элементарные технические знания, чувствовал себя в скучных классах монастыря. Но именно там у Ремедиос очень ярко проявился талант художницы, и именно там она нашла свой путь к личной свободе через искусство.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

И, спустя годы, морально поддерживаемая отцом, в 16-летнем возрасте Ремедиос Варо выдержала сложные экзамены и стала студенткой знаменитой мадридской Королевской академии изящных искусств. Это было большим достижением. В те времена девушек-художниц принимали не в каждое учебное заведение. И нужно отметить, что одновременно с ней в Академии учился сам Сальвадор Дали, он практически был ее однокурсником. И они оба тяготились традиционным рисунком, и оба в свободное от профессорского надзора время находили отдушину в своем фантазийном мире.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Помимо уроков живописи и рисования в вузе читали лекции прославленные ученые Альберт Эйнштейн и Мария Кюри, писатель-фантаст Герберт Уэллс, испанский философ Хосе Ортега-и-Гассет. А на студенческих посиделках за стенами Академии обсуждались теории Зигмунда Фрейда и работы основоположника сюрреализма Андре Бретона.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Именно здесь, в Королевской Академии, она получила основы классической живописи. А все лекции и студенческие обсуждения напитали глубоким содержанием воображение бывшей ученицы монастырской школы, которые впоследствии помогли звезде сюрреализма найти свой путь в творчестве. И, спустя годы, интересы молодой художницы к научным открытиям распространились на космологию, теорию эволюции, астрономию, генетику и мистику и нашли отражение в сюжетах и названиях ее картин.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Весьма бурной была и личная жизнь Варо, насыщенная любовью, браками, влюбленностями, страстями и расставаниями, а также бесконечными переездами и знакомствами с многочисленными художниками и писателями, объединенными сюрреализмом.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Некоторое время художнице довелось жить и работать в Париже - мекке искусства. Это время во многом сформировало ее мировоззрение, стиль и манеру. Именно там состоялась ее первая выставка, и там она была арестована за политические убеждения, но вскоре отпущена. А после вторжения нацистов в Париж в 1940 году, Варо снова ненадолго оказалась в Испании, однако в свете происходящих событий того военного мятежного времени, была вынуждена покинуть страну и найти убежище в Мексике как делали многие другие европейские художники сюра в те годы. Ибо сюрреализм признавался в идеологии Третьего рейха дегенеративным искусством и подлежал уничтожению. И соответственно художников-сюрреалистов ждала неминуемая расправа.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

В Мексике Варо зарабатывала на жизнь как коммерческий художник, восстанавливала керамику, совместно с Марком Шагалом создала дизайн костюмов для постановки балета «Алеко». По заказу фармацевтической компании Bayer создала ряд картин, разрабатывала дизайны для Clar Decor. Именно в те годы Варо близко сдружилась с художницей Леонорой Каррингтон и познакомилась с Фридой Кало и Диего Риверой.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Мексика стала для художницы тем местом, где она смогла плодотворно работать, воплощая все свои фантазии, не оглядываясь ни на кого и не боясь за свою жизнь. Тогда-то и появились лучшие картины Варо. И уже в 1955 году Ремедиос провела первую персональную выставку в Мехико, причем весьма успешно: Мексика была очарована работами загадочной иностранки. На ее выставки выстраивались очереди, от покупателей не было отбоя. Вторая выставка художницы прошла в 1958 году в Saln de la Arte de Mujer с еще большим успехом.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

В иммиграции Варо нашла собственный фирменный стиль, её работы приобрели некое духовное измерение, наполнившись фантастическими грёзами и магическим звучанием. Она целиком подчинилась влиянию мистических традиций, она изучала труды философов, её интересовала средневековая алхимия и все то что было связано с магией и мистикой. Все свои познания в этих отраслях сюрреалистка смогла весьма эффектно перенести в свое творчество.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

И если работы раннего периода художницы могли бы стать чудесными иллюстрациями к детским сказкам, то выполненные в зрелом возрасте - превосходно могли бы проиллюстрировать взрослые, умные книги по философии, эзотерике, религии, психологии, а еще учебники для инженеров, фантастическую литературу и различные научные теории. Настолько глубок и содержателен смысл каждого ее произведения.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

В 1963 году Ремедиос Варо умерла от сердечного приступа в возрасте 54 лет. Как писал Андре Бретон, она была «волшебницей, которая ушла слишком рано».

И хотя многие считают, что эта удивительная сюрреалистка незаслуженно обделена славой и вниманием, на современных аукционах торгах картины Варо достигают отметок в 3,5 млн долларов и пользуются немалым спросом.

Магический сюрреализм от Remedios Varo.

Эндрю Уайет. Автопортрет. (1945 год).

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth)(1917-2009) - американский художник-реалист, один из самых знаменитых живописцев Америки 20 столетия. Он был сыном известного художника-иллюстратора Ньюэлла Конверса Уайета, братом изобретателя Натаниэля Уайета и художницы Генриетты Уайет Хёрд, а также отцом художника Джейми Уайета.

Тематикой своего творчества Уайет избрал быт провинции и скудную на цвет природу американских прерий. Каждое полотно живописца - повесть, а иногда даже целый роман, через которые мастер путем изобразительных средств доносит до зрителя свое мироощущение и тонкий внутренний мир.

«Оторвавшиеся от земли».

Его работы, состоящие из мельчайших штрихов, можно созерцать бесконечно долго и каждый раз находить для себя нечто новое. И что интересно, некоторые его картины вроде бы и написаны гиперреалистично, но никто не скажет, что они похожи на фотографии. И видимо поэтому критики и дали творчеству художника определение - «символический реализм».

Итак, «Мир Кристины» - самое известное полотно американского художника. На первый взгляд ничего удивительного, немного лишь ситуация кажется нестандартной. Посреди поля с высохшей травой видим сидящую и развернутую спиной к зрителю хрупкую девушку. Она как бы пристально всматривается в постройки изображенные на заднем плане. Однако, начиная внимательнее рассматривать образ героини, видим, что перед нами вовсе не юная особа - ее пряди волос уже заметно посеребрила седина.

«Мир Кристины». Фрагмент.(1948 год). Автор: Эндрю Уайет.

А когда взгляд обращается к ее рукам, то становится и вовсе не по себе. Ее иссушенные худобой руки неестественно напряжены, но особенно потрясают скрюченные пальцы - серые от пыли, которые буквально цепляются за землю. В этом жесте прослеживается невероятное усилие и борьба... Потом взгляд опускается на ноги, такие же худые, но безжизненные - и потрясенный до глубины души зритель начинает многое понимать.

История создания картины

Обратившись к официальным истокам создания полотна, можно узнать шокирующую историю жизни Кристины Олсен (1893-1968), женщины жившей по соседству с художником в Кушинге, штат Мэн. Будучи 3-летним ребенком, она заболела полиомиелитом - болезнью, поразившей нижнюю часть тела. Ей тогда удалось выжить, но состояние здоровья с каждым годом все ухудшалось и к 30 годам она могла сделать всего лишь пару шагов. А потом Кристина до конца своих дней жила с парализованными ногами, передвигаясь ползком по дому и по усадьбе. У нее конечно же была инвалидная коляска, но чтобы не утруждать своих родных просьбами перевезти ее из одного места в другое, женщина предпочитала самостоятельно передвигаться в такой способ, чтобы сохранить свою свободу.

«Мир Кристины». 1948 год). Автор: Эндрю Уайет.

Однажды Эндрю Уайет из окна своего дома, который стоял по-соседству с домом семьи Олсон, увидел как Кристина ползла по полю. От неожиданности художнику сразу же пришла в голову мысль помочь несчастной женщине - он впервые видел, что она в такой способ передвигается по окрестностям. А потом понял, что преодолевает она это расстояние уже далеко не первый раз, да и не последний... И сдержал свой порыв, чтобы не обидеть жалостью.

Увиденное так взволновало художника, что он решил создать картину. Однако не посмел предложить этой обиженной судьбой женщине позировать ему. Поэтому позировала художнику его жена Бетси Уайет. К слову, Кристине Олсон было 55 лет, когда Уайет создал эту картину, а прожила она после еще 20. Многие жители города, в том числе и художник восхищались силой духа этой хрупкой женщины.

«Мир Кристины». Дом.
Фрагмент.

Позже мастер так вспоминал работу над полотном: «Понимаете, важно постоянное присутствие на месте действия. Мне надо жить в окружении того, о чем я пишу. Тогда в какой-то момент можно ухватить смысл. Когда я писал «Мир Кристины», я пять месяцев работал над полем… Я хотел бы написать только поле без Кристины и заставить почувствовать ее присутствие. Делать фон – это как строить дом, чтобы потом там жить… Если сдержать себя, дождаться правильного момента, он может решить все дело.»

И действительно, вначале по задумке художника не было образа обреченной женщины, все должно было выглядеть так, как будто зритель ее глазами смотрит на мир. Но потом передумал и все же написал героиню в том розовом платье, в котором увидел ее в поле.

И нужно отметить, что над своими картинами художник работал подолгу, так как скрупулезно прописывал все мельчайшие детали. А в случае с «Миром Кристины» одну лишь засохшую траву он прописывал около 5 месяцев, так как работал сухой кистью, состоявшей буквально из одной волосинки. Использовал в своей работе Уайет темперу, которая в отличие от масляных красок, и позволяла мастеру творить такие тонкие работы.

Благодаря совмещенной перспективе, у зрителя складывается впечатление, что перед ним огромное пространство, так как сооружение вдали он видит глазами сидящей на земле Кристины. А саму женщину - сверху - глазами художника, который смотрит на эту сцену со второго этажа своего дома. Этот ракурс, умышленно выбранный художником, погружает зрителя в мир человека-инвалида, в котором помещается так мало и одновременно необъятно много.

«Дом Олсон».

Кстати, дом, который автор изобразил на полотне, в наше время известный как «Дом Олсон». Его отреставрировали, придав вид изображенного Уаетом, включили в список национальных исторических достопримечательностей штата и открыли для посещения публики.

После написания работа живописца была весьма сдержанно отмечена критиками, и о ее существовании знали совсем немногие. Но судьба картины изменилась в корне как только она была куплена для Нью-Йоркского Музея современного искусства. После первой же выставки ее популярность стала быстро расти и на сегодняшний день ее считают американским символом современного изобразительного искусства.

«Кристина Олсон». Автор: Эндрю Уайет.

Уайет писал и другие портреты Кристины, изображая ее уже в стенах родного дома.

«Ветер с моря». Автор: Эндрю Уайет.

Еще одно из лучших полотен Уайета - «Ветер с моря» - также основано на мироощущениях Кристины Олсон.

Эндрю Уайет (Andrew Wyeth) - американский художник.

Сам Эндрю Уайет также является загадкой и для его современников и для потомков. Вся его жизнь будто была разделена на зимы, которые он жил в Чеддс-Форде и летние месяцы, которые проводил в Кушинге, штат Мэн. Художник вел затворнический образ жизни, много работая над своими произведениями. И что любопытно, в его работах часто отсутствуют образы людей, а если он все же их изображал, то они никогда не смотрели на зрителя - их взгляды были обращены то в сторону окна, то просто вдаль. Они ни то мечтали о будущем, ни то вспоминали далекое прошлое.

«Вдали от дома» (портрет сына).Автор: Эндрю Уайет.

«Сапоги моряка». Автор: Эндрю Уайет.

«Любовники». Автор: Эндрю Уайет.

«Проходящий по сорным травам». Автор: Эндрю Уайет.

«По течению». Автор: Эндрю Уайет.

Поход за яблоками. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Радуга каждый день. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Счастье в мелочах. Автор: Yaoyao Ma Van As.

В своих работах художница затрагивает самые интересные и волнительные темы: от одиночества до влюблённости, повседневности и какой-то детской непосредственности с верой в волшебство, которого порой так не хватает в повседневной жизни. Персонажи её иллюстраций добры и очаровательны, что даже притаившаяся в уголках глаз грусть не кажется такой удручающей и печальной. Складывается такое впечатление, что Яояо во всём видит свои плюсы, и то, что для кого-то вселенская трагедия, для неё – шаг к постеленной цели и очередная попытка что-то изменить, обратив неудачи в положительные моменты.

Из постели. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Эй, попробуй это. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Время Дамблдора. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Взгляните, насколько ласково и заботливо выглядят её персонажи, с каким трепетом они относятся друг к другу и своим питомцам. Седовласый старичок бережно, но уверенно сжимает милый букетик в дрожащей руке, вручая его своей единственной и неповторимой жене, что вот уже много-много лет идёт с ним рука об руку, разделяя на двоих все горести, печали и радости, а парень в клетчатой рубашке балует свою возлюбленную какими-то вкусняшками собственного приготовления, парочка под проливным дождём лакомится фаст-фудом, а разноцветное одеяло согревает свою хозяйку, вызывая на её лице мимолётную улыбку.

5...4...3...2... Автор: Yaoyao Ma Van As.

Прекрасный беззаботный день. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Временный приют. Автор: Yaoyao Ma Van As.

А вон там, чуть дальше, забавная девчушка, заливаясь смехом убегает от визжащего поросёнка, что пытается догнать маленькую задиру, потревожившую сладкий сон или сытную трапезу, и даже наевшаяся досыта белка с пушистым хвостом довольно отдыхает под раскидистым деревом, вертя в руках увесистый жёлудь.

Что ты делаешь на новый год? Автор: Yaoyao Ma Van As.

Время кушать. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Это почти здесь! Автор: Yaoyao Ma Van As.

В её иллюстрациях оживают сказочные моменты, в которых хочется безоговорочно раствориться, став частью сюжета, например, где длиннобородый дедушка вяжет носки, вглядываясь пристальным взглядом в парящую в воздухе книгу, или отправиться за покупками, накупив уйму подарок в ярких коробках, перевязанных разноцветными бантами, оказаться под тёплым летним дождём со смешным псом, приветливо виляющим хвостом, что сопровождает свою хозяйку на пробежке.

Позвони мне, когда доберёшься. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Утро в разгаре. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Всё хорошо, так ведь? Автор: Yaoyao Ma Van As.

Просто хочу посмотреть на тебя. Автор: Yaoyao Ma Van As.

Одним из ребусов застоя и одновременно примером того, что принято называть «гезамткунстверком» — совокупным художественным произведением, в нашем случае — сплавом науки, архитектуры и монументального искусства, является здание московского Палеонтологического музея им. Ю.А.Орлова. Работа над ним началась в 1965 году, на пике модернистских устремлений, и завершилась в 1987-м, когда вовсю шла перестройка. В 1993-м авторы — архитекторы и художники — получили за него Государственную премию. Музей был рожден в горниле застоя, впитал противоречия эпохи и воплотил ее дух.

Сегодня это здание-загадка. В отличие от музеев естественной истории в Лондоне, Нью-Йорке или Париже, наш располагается не в центре города, а в почти недостижимой дали — в 2 км от МКАД. Внешне он выглядит как бункер — несколько неожиданно для учреждения культуры. Своеобразие нашего Палеонтологического музея — в аномальном количестве монументального изобразительного искусства. Его там квадратные километры: рельефы из камня и бронзы, керамические панно, скульптуры, монументальная живопись. Внедрение арта в естественно-научный музей произошло отнюдь не по причине нехватки экспонатов. Наоборот, наше палеонтологическое собрание — одно из крупнейших в мире. Просто таким прихотливым образом проявило себя время. Время, которое сейчас вызывает особый интерес исследователей культуры, о чем свидетельствует, например, открывшаяся в Государственной Третьяковской галерее грандиозная выставка «Ненавсегда. 1968–1985», посвященная изобразительному искусству. После нее неплохо отправиться в Палеонтологический музей, чтобы оценить на месте достижения советских художников-монументалистов.

Сегодня музей привлекает внимание и молодых архитекторов. Они воспринимают его как итог, равный замыслу, хотя это не совсем так. Между первоначальными идеями и финальным результатом есть существенная разница. В этом проявилось искривление линзой застоя, и именно его любопытно проследить.

Место: наукоград на Юго‑Западе, или музей при зоопарке

Палеонтологический музей возник там, где находится, в рамках грандиозной застройки всей юго-западной части Москвы. То, что город будет развиваться именно на юго-запад, было прописано еще в Генплане 1935 года. После войны к идее вернулись и, используя новые методы поточного строительства, за 10–20 лет превратили бывшие деревенские пустоши за Воробьевыми горами и Калужской заставой в город будущего с широкими проспектами и однотипными домами «без излишеств». Построенный в 1949–1953 годах главный корпус МГУ обеспечил всем этим землям специализацию. По сути, возводили наукоград с НИИ, вузами и библиотеками. На одной только Профсоюзной улице (в конце которой и находится Палеонтологический музей) в 1952–1966 годах по проекту Якова Белопольского построили Институт научной информации по общественным наукам (ИНИОН), Центральный экономико-математический институт (ЦЭМИ), Центральную медицинскую библиотеку — знаковые объекты советского модернизма.

Застройка Юго-Запада затянулась до конца века. На каком-то этапе возникла идея перенести в этот коммунистический рай (точнее, в Битцу) московский зоопарк. Спроектированная в 1970-е, а открытая аж в 1990 году станция метро «Битцевский парк» (с 2009 года — «Новоясеневская») имела специальный восточный вход — для посетителей будущего зоопарка. К зоопарку подверстывали зоологический и палеонтологический музеи. Весь комплекс должен был располагаться в зеленом массиве и иллюстрировать историю живой природы ab ovo до наших дней. Помимо чисто практических задач (обеспечить людям, животным и экспонатам нормальные условия работы, жизни и хранения, добавить культурных объектов новым московским районам), весь этот комплекс имел и символический подтекст, являя собой зримое торжество научного материализма — дарвинизма — и коммунистической идеологии.

Коллекция: 120 тонн древних ящеров

Коллекция Палеонтологического музея берет начало с кунсткамеры Петра I. Реактивное ускорение эта область науки получила во второй половине XIX века, во время промышленной революции, когда повсеместно начали разрабатываться месторождения полезных ископаемых, геология и ее важная часть палеонтология стали прикладными дисциплинами. Старейшее палеонтологическое общество было основано в Англии в 1842 году (тогда же возникло слово «динозавр»). В 1908‑м аналогичное общество появилось в США, в 1912‑м — в Германии, в 1916-м — в России (в 1947‑м — в Италии и в 1979-м — во Франции). Российские ученые были, что называется, на передовой: в 1899 году недалеко от Великого Устюга, на реке Северная Двина палеонтолог Владимир Амалицкий (1860–1917) открыл местонахождение звероподобных ящеров удивительной сохранности, что стало мировой сенсацией.

Палеонтологические музеи начали основывать в мире на рубеже XIX–XX веков. К тому времени в России палеонтологическая экспозиция существовала в Гео­логическом музее в Санкт-Петербурге. В 1923 году она получила отдельное помещение. Правда, просуществовала там недолго: в 1934-м большинство учреждений Академии наук переехало в Москву. В 1937-м ископаемые остатки доисторических организмов заняли бывшие конюшни графа Орлова на Калужской, 16. После войны эпохальными для советских палеонтологов были три экспедиции в Монголию в 1946–1949 годах под руководством легендарного Ивана Ефремова, больше известного публике своими фантастическими романами. Тогда удалось обнаружить и исследовать уникальные местонахождения динозавров и древних млекопитающих, черепах и крокодилов. В Москву привезли 120 т (460 ящиков) палеонтологических находок! Но музей по-прежнему ютился на Калужской, экскурсии приходили туда по записи, а с 1954 года свободного доступа посетителей не было. Потребность в новом помещении стала критической.

Проект: от ножек Корбюзье к месопотамскому зиккурату

В 1965 году Юрий Орлов (1893–1966), директор Палеонтологического института Академии наук СССР, подразделением которого являлся музей, добился открытия финансирования — на проект выделяли 2 млн руб. Поскольку институция была частью академии, то проектировать здание поручили другому ее подразделению — ГИПРОНИИ, на тот момент одному из передовых архитектурных институтов. Коллективом руководил Юрий Платонов (1934–2015).

Архитектор Анна Гнедовская, дочь одного из авторов музея — Валентина Когана (1925–2006), сохранила отцовский архив, и по старым фотографиям можно проследить, в каком направлении развивалась авторская мысль. Вначале думали о двух (и даже о пяти) отдельно стоящих объемах, ведь под одной крышей должны были располагаться и музей, и институт. Само здание было модернистским, на тонких ножках-опорах, как завещал великий Ле Корбюзье. Потом дом начал утяжеляться и замыкаться в собственном объеме. То, что в финале превратилось в выразительные монолитные башни, сперва было башнями вывернутыми — «парусами», прорезанными гео­метрическими окнами (снова привет Ле Корбюзье, его капелле в Роншане). В итоге получили здание, похожее на Великий зиккурат в Уре (XXI век до н.э.). Параллели с архитектурой древнего Междуречья подчеркивает и строительный материл — красный кирпич («элитный» материал в эпоху панельного домостроения в СССР).

Если смотреть ретроспективно, то стилистически музей вписался в общемировую послевоенную моду на дома-глыбы — то, что сегодня называют брутализмом. В той же образной парадигме спроектированы, например, здания Музея Ольстера в Белфасте (архитектор Фрэнсис Пим, 1964) и Музея Уитни в Нью-Йорке (архитекторы Марсель Бройер и Гамильтон Смит, 1963–1966). Разница состояла лишь в том, что западный брутализм имел модернистский посыл: он соревновался с земной гравитацией. Все эти массивы бетона — консоли и кривые козырьки — непонятно, как (хотя, конечно, понятно — с помощью железобетона) держались в воздухе. В СССР качество бетонных работ во многих случаях оставляло желать лучшего, что компенсировали каменной облицовкой. Наш брутализм был о другом — о диалоге со стилями прошлого. Похожий на зиккурат Палеонтологический музей эту эклектическую постмодернистскую линию начал. Его можно рассматривать как один из первых памятников постмодернизма. Его побратим — другой московский естественно-научный музей, Дарвиновский, проектирование и строительство которого длилось 45 лет, с 1962 по 2007 год, — стал апогеем этого вектора, триумфом постмодернизма, вакханалией архитектурных цитат.

Интерьеры: «психологический удар»

Сохранившиеся эскизы архитектора Леонида Яковенко (1941–2015), для которого музей стал делом жизни, позволяют предположить, что внутреннее пространство должно было представлять собой аттракцион (примерно как в нынешних океанариумах): погруженные во тьму залы, гигантские освещенные витрины со звероящерами. Высота помещений колебалась от 3 до 15 м, и, как писал Яковенко, зритель, попадая из невысокого зала янтаря в необъятный зал со скелетом зауролофа, должен был испытать «психологический удар». В центре музея планировалось расположить зимний сад под стеклянной крышей, и там в тропических зарослях прятались скульптуры — реконструкции вымерших животных. Существовали и помещения с нормальным светом и низкими, вытянутыми по горизонтали витринами, причем они не загораживали настенного декора. В одном месте между музеем и институтом существовала стеклянная перегородка — зрители могли наблюдать за работой исследователей по препарированию и изучению будущих экспонатов. Скульптурные фризы на стенах первоначально выглядели как легкая стилизация под наскальные рисунки первобытных людей.

Закладка музея состоялась в 1972 году. Строили его долгих 15 лет, то консервируя, то размораживая. СССР начал подготовку к Олимпиаде-80, денег на музей не хватало. К тому же жильцы нового района Ясенево были против переноса зоопарка, и идею похоронили. Равно как и зимний сад внутри музея, и прозрачные стены между лабораториями и зрителями. Проект дрейфовал в сторону упрощения, хотя, по мнению Анны Гнедовской, сам факт, что удалось «вытянуть» объем, сохранить качество прямых стен и сложную кривизну башен, — большая победа архитекторов, в том числе ее отца Валентина Когана и на сегодняшний день самого забытого, но тоже ключевого автора, незаменимого рядового этой битвы — Валентины Нагих (1924 — точная дата смерти неизвестна).

Материалистический иконостас: триумф керамистов

Отдельно надо сказать о монументальном искусстве. Понимая, что архитекторы равнялись на Междуречье, скульпторы решили поддержать историю керамикой, как на вавилонских воротах Иштар. Керамические панно в Палеонтологическом музее (некоторые в длину достигали 18 м) потребовали титанических усилий коллектива под руководством скульптора Александра Белашова (1933–2011) и его жены, скульптора же Марии Фаворской-Шаховской (1928). Они придумали хитрый способ изготовления и обжига отдельных фрагментов рельефов. Производство было развернуто в Гжели. Монтаж панно осуществляли плиточники Метростроя. Ни до, ни после в СССР музейных проектов такого масштаба не было.

Монументальной живописью в музее занимались Май Митурич-Хлебников (1925–2008) и Виктор Дувидов (1932–2000).
О монументальной программе музея надо писать отдельное исследование. Остановимся на самом примечательном объекте — композиции «Древо жизни» (площадь 468 кв. м). Она занимает внутреннюю поверхность 18-метровой башни. Это первое, что видит посетитель, миновав билетный контроль: десятки изображений животных, многие из которых выполнены в натуральную величину, смена главных эпох — жизнь в морях, освоение суши, господство динозавров, появление птиц и млекопитающих, возникновение человека. С одной стороны, картина дидактична, а с другой — условна.

«Если бы мы строго следовали науке, — вспоминает участник событий, художник-монументалист Александр Белашов-младший (он сын руководителя проекта, в свои 17–19 лет помогал отцу), — то 80% панно должны были занять беспозвоночные: губки, черви, моллюски. А отец в центр вынес динозавров, найденных в монгольской экспедиции. Я помню встречи с учеными — споры были горячими. Нас защитил палеоботаник доктор наук Сергей Мейен. Он настоял на том, что есть художественная правда и она в данном случае важнее».

Венчает «Древо жизни», естественно, человек — женщина с ребенком (читай: Богоматерь с Младенцем). Пол и потолок башни сделали зеркальными — изображение проваливается в колодец времени и уходит в бесконечность. Это был своего рода материалистический иконостас. Материализм — передовое мировоззрение в XVII–XIX веках — к концу XX века в СССР превратился в ритуал, а потом и в культ, и в итоге уступил место культу настоящему — православию. Богоискательство было очень характерно для эпохи застоя (на выставке «Ненавсегда» богоискательству посвящен отдельный раздел). В этой связи, наверное, неслучайно, что один из архитекторов проекта — Евгений Катышев, который занимался прорисовкой остроумных металлических решеток из динозавров, верблюдов, кальмаров и рыб, сегодня преподает храмовую архитектуру в МАРХИ, а художник-монументалист Александр Белашов-младший изумительно расписывает храмы.

Тому факту, что в Палеонтологическом музее так много монументального искусства, есть два объяснения: рациональное и метафизическое. Согласно первому, «монументалка» гарантировала архитекторам дополнительный заработок как соавторам, и они охотно ее использовали. Метафизическое состоит в том, что застой любое живое явление превращал в памятник (автор этой идеи — один из кураторов выставки «Ненавсегда» Кирилл Светляков). У скульптора Бориса Орлова есть даже «Серия памятников» — клюшке Владислава Третьяка, волосам Аллы Пугачевой… Гигантские рельефы, панно и живопись в музее скорректировали семантику архитектуры: из музея-лаборатории получился музей-мемориал, как Мамаев курган или Брестская крепость, что применительно к палеонтологической тематике несколько тавтологично, ведь эта наука сама по себе занимается мертвыми. С чем не согласен директор музея Александр Карху. «Палеонтология не занимается „мертвыми“ — она занимается жизнью прошлых геологических эпох. Изучая окаменевшие свидетельства этой жизни и давая им названия, палеонтология делает их бессмертными», — объясняет он. Впрочем, и это замечание переводит наши размышления в плоскость трансцендентного.

Завершили формирование музейного пространства дизайнеры-экспозиционеры. Они придумали высокие музейные витрины с «двускатными крышами», прятавшими систему освещения, лампы дневного света. Эти оригинальные конструкции сфокусировали зрителя на костях, местами загородив искусство на стенах. При этом такое устройство витрин сделало их похожими на раки с мощами святых, что еще раз подчеркнуло погребально-мемориальный художественный подтекст всего архитектурного образа.

Монументальный секрет и забытое сокровище

Палеонтологический музей сегодня — большой секрет города Москвы: если не знать, где он находится, попасть в него случайно, как в один из пунктов стандартного туристического маршрута, невозможно. Он по-прежнему интегрирован с Палеонтологическим институтом им. А.А.Борисяка РАН, что делает его скорее учреждением науки, нежели современным музеем — местом образования через развлечение. Удобного кафе и сувенирного магазина там все еще нет.

Внутреннее пространство музея практически не изменилось с 1987 года, даже в подписях к экспонатам по-прежнему фигурирует топонимика СССР. Его коллекция грандиозна, и целого дня не хватит ее вдумчиво обозреть.

В дополнение к собственно главной функции — рассказывать об эволюции всего живого — музей воспринимается и как мемориал брежневской эпохе с ее тяжеловесной, как бы на глазах застывающей пластикой. Дух времени выражается в общем и в частностях (например, в массивных дубовых лестничных поручнях, в громадной хрустальной люстре, в четырехметровых дверях). Даже сам сценарий осмотра экспонатов примечателен: витрин так много и они стоят так плотно, что двигаться между ними можно лишь крайне медленно. Перед ними вообще лучше «предстоять». И этим наш музей отличается, например, от парижской Галереи сравнительной анатомии и палеонтологии (открыта в 1898-м), где кости древних животных смонтированы в движении, все головы смотрят в одну сторону и весь этот табун шествует (если не сказать несется), увлекая за собой зрителя.

Несостоявшийся зимний сад — сегодня просто внутренний двор под открытым небом, со снежными сугробами зимой и зеленым газоном летом. Скульптуры динозавров во дворе похожи на забытый театральный реквизит.

Задуманный как часть садово-паркового комплекса, еще и с зоопарком, и в результате не получивший себе в компаньоны ни парка, ни живых животных, Палеонтологический музей стоит как неприступная крепость, забытый уголок прежней жизни наподобие расположенного рядом санатория «Узкое», бывшей усадьбы князей Трубецких. Тема эскапизма, бегства от действительности, была одной из ключевых в эпоху застоя, и кажется, что музей ее невольно воплотил.

Боярский свадебный пир в XVII веке. 1883 год, Музей Хилвуд, Вашингтон, США. Автор: Константин Маковский.
Сам император Александр II называл его «мой живописец», в то время как современники окрестили его «блестящим Костей». Он был один из самых успешных, дорогостоящих и выдающихся художников-портретистов России XIX века, настолько, что даже прослышавшие о нём американцы, не раздумывая, пригласили его к себе для того, чтобы он написал портрет самого президента Рузвельта! А созданные им картины, до сих пор имея огромную ценность, хранятся в зарубежных частных коллекциях и музеях мира. И судя по всему, многие уже догадались, что речь идёт о непревзойдённом Константине Маковском и его творчестве.

«Тем, кем я стал, я считаю себя обязанным не академии, в которой проходил обучение и не профессорам, а моему отцу, который привил мне чувство прекрасного и любовь к живописи», - писал Константин.

Счастливая Аркадия, 1889-1890 гг, частное собрание. Автор: Константин Маковский.

Иван Сусанин, 1914 год, частное собрание. Автор: Константин Маковский.

Выбор невесты царём Алексеем Михайловичем, 1886 год, Музей искусств Понсе, Пуэрто Рико. Автор: Константин Маковский.

Русалки. 1879, Демонстрировалась на VII Передвижной выставке в 1879 году. Автор: Константин Маковский. Автор: Константин Маковский.

Под венец, 1884 год. Автор: Константин Маковский.

Гадание, 1915 год. Автор: Константин Маковский.

Суд Париса. Автор: Константин Маковский.

Араб в чалме, 1882 год. Автор: Константин Маковский.

Женский портрет, 1878 год. Автор: Константин Маковский.

«Любуйся и запоминай!», – ежедневно говорил отец сыну, требуя от Костика делать наброски уличных сцен и портретов случайных прохожих в небольшой карманный альбом, поговаривая о том, что искусство – своего рода религия, облагораживающая людей, благодаря которой они становятся добрее и лучше. А дома расспрашивал мальчишку о том, не забыл ли он того мужичка, что угощал его квасом или ту самую ворону, которая была столь примечательна...

Женский портрет. 1880-е годы, Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск. Автор: Константин Маковский.

Семейный портрет. 1882 год, Изображена Ю.П.Маковская с детьми Сергеем и Еленой. Автор: Константин Маковский.

Женский портрет. Начало 1880-х годов, Дальневосточный художественный музей, Хабаровск. Автор: Константин Маковский.

Демон и Тамара, 1889 год. Автор: Константин Маковский.

Боярышня, Этюд к картине 1901 года «Хмелем обсыпают». Автор: Константин Маковский.

Харон перевозит души умерших через реку Стикс. Автор: Константин Маковский.

Графиня Шереметева Екатерина Павловна, 1877 год, Московский музей-усадьба Останкино. Автор: Константин Маковский.

Девушка в костюме Флоры. Автор: Константин Маковский.

Русская ркасавица. Автор: Константин Маковский.

«Одни из лучших красавиц с удовольствием позировали мне, выстраиваясь в огромные очереди. Зарабатывая большие деньги, я жил ни в чём себе не отказывая. Испытывая особое пристрастие к жизни, мне так и не удалось всецело отдаться творчеству, проявив свой талант в полной мере. И, тем не менее, несмотря ни на что, я написал несметное количество картин на различные темы», - писал художник.

Восточная женщина (Цыганка), 1878 год. Автор: Константин Маковский.

Боярышня, 1880-е годы. Автор: Константин Маковский.

Портрет Марии Михайловны Волконской. Автор: Константин Маковский.

Графиня Зубова Вера Сергеевна, 1877 год, Русский музей. Автор: Константин Маковский.

Княгиня Волконская Мария Михайловна, 1905 год, Государственный музей искусств Грузии. Автор: Константин Маковский.

Портрет девочки. Автор: Константин Маковский.

Дети, бегущие от грозы. 1872 год, Государственная Третьяковская галерея, Москва. Автор: Константин Маковский.

Боярыня у окна, 1885 год. Автор: Константин Маковский.

На торгах Sotheby’s 28 июля состоялась рекордная продажа автопортрета Рембрандта. «Автопортрет в кружевном воротнике и черной шляпе» 1632 года, происходящий из неназванной частной коллекции (ранее — в собственности виконтов Хэмпден), был продан за £14,5 млн при эстимейте £12–16 млн. Это самая высокая цена, когда-либо публично заплаченная за автопортрет Рембрандта.

«Это один из последних автопортретов художника, остающихся в частных руках, и, быть может, последний, выходящий на открытый рынок», — отмечали в Sotheby’s перед аукционом «От Рембрандта до Рихтера».

Небольшая картина размером 21,8х16,3 см написана на дубовой доске. Как показал анализ древесины, это тот же самый кусок балтийского дуба, на котором написан рембрандтовский «Портрет Морица Гюйгенса» (1632, Кунстхалле, Гамбург). Хотя художник оставил множество автопортретов, на большинстве из них он либо беспорядочно одет в неглиже, либо наряжен в какой-нибудь экзотический костюм. Эта же картина — один из двух автопортретов, в которых он предстает добропорядочным молодым человеком из бюргеров (второй — 1632, в Музеях Глазго). Возможно, картина использовалась в мастерской как образец для показа заказчикам того, в каком виде Рембрандт может их изобразить. Вероятно, именно с этим связан ее малый размер. Также есть версия, что это был «портативный» портрет, чтобы Саския могла отвезти его родственникам и представить художника как достойного жениха.

На нетипичном из-за коронавируса по набору лотов аукционе «От Рембрандта до Рихтера» были представлены работы, созданные за 500 лет. Всего торги нового формата, транслировавшиеся онлайн, принесли £150 млн. Самой дорогой картиной стала «Живопись» («Женщина в красной шляпе») Жоана Миро: новый владелец заплатил за нее £22,3 млн.

Самой дорогой работой Рембрандта считаются парные портреты Мартена Солманса с супругой, которые в 2015 году в результате частной сделки были приобретены Лувром и Рейксмузеумом у Ротшильдов за €160 млн.

Суд Соломона. (1710). Автор: Луи Булонь младший.

Мы часто слышим словосочетание - "Соломоново решение", ставшее крылатым выражением. Из глубины веков до наших дней дошел образ царя Соломона как персонажа множества легенд и притч. Во всех сказаниях он выступает как мудрейший из людей и справедливый судья, прославившийся своим хитроумием. Однако среди историков до сих пор ведутся споры: одни считают, что сын Давидов жил на самом деле, другие уверены, что мудрый правитель – это библейская фальсификация.

Соломон. (15 век). Автор: Юстус ван Гент.

Однако не только священное писание является основным источником сведений о жизни и правлении Соломона - третьего еврейского царя, правителя объединённого Израильского царства в период его наивысшего расцвета, а именно Х века до нашей эры. Помимо этого, его имя упоминается в трудах некоторых авторов античности.

Соломон - третий еврейский царь, правитель объединённого Израильского царства.

И кроме того, Соломон является неотъемлемым персонажем как христианской, так и исламской религий, оставивший глубокий след в культуре разных народов. Шломо, Соломон, Сулейман – это имя в разных своих звучаниях известно не только каждому иудею, христианину и мусульманину, оно знакомо практически всем, даже далеким от религии. Так как этот образ всегда привлекал литераторов и поэтов, художников и скульпторов, воспевших его мудрость и справедливость в своих произведениях и донесших до наших дней историю жизни этого удивительного человека.

Царь Давид. Автор: Гвечино.

Соломон являлся младшим сыном Царя Давида, который до восшествия на престол был простым воином при царе Сеуле. Но проявив себя благонадежным, смелым и находчивым, стал вторым еврейским царем. А матерью была прекрасная Вирсавия, с первого взгляда покорившая царя своей красотой. Ради нее Давид совершил большой грех, за который расплачивался всю жизнь: он завладел ею, а потом отправил на верную гибель ее мужа, дабы взять Вирсавию себе в жены.

Вирсавия. (1832). Третьяковская галерея. Автор: Карл Брюллов.

Царь Давид умер в 70-летнем возрасте, передав престол именно Соломону, хотя он был одним из его младших сыновей. Но такова была воля Всевышнего.

Царь Давид передает скипетр Соломону. Автор: Корнелис де Вос.

Нередко Соломону приписывали фантастические качества: понимание языка зверей, власть над джиннами. Сцены из жизни и деяний Соломона встречаются в миниатюрах еще византийских рукописей, в витражах и скульптурах средневековых храмов, на живописных полотнах, а так же в произведениях литераторов.

«Все проходит»

Хотя великий царь Соломон и обладал огромной мудростью и хитроумием, жизнь у него не была спокойной. Поговаривают, что царь носил волшебное кольцо, которое в жизненных бурях приводило его в равновесие и действовало как исцеляющий раны эликсир. На кольце была высечена надпись: «Всё проходит...», которая имела продолжение с внутренней стороны: «Пройдет и это».

Кольцо Соломона.

Особенно много легенд сохранилось про его удивительные остроумные решения в различных судебных делах. Он всегда находил ловкий выход из трудного или щекотливого положения. В Ветхом Завете описано событие легшее в основу притчи о мудром судье и матери, которая готова была отдать собственного ребенка лишь бы сохранить ему жизнь.

Суд Соломона – праведный, мудрый суд

Суд царя Соломона. (1854 г.). Автор : Николай Ге

Как-то к царю Соломону, пришли за советом две женщины, с просьбой разрешить их спор. Одна из них рассказала, что они живут в одном доме, и что было у них по младенцу, которых совсем недавно обе родили. И в прошлую ночь соседка во сне нечаянно придавила своего дитя и переложила мертвого к ней, а ее живого сына взяла к себе и теперь выдает его за своего. И что теперь эта женщина опровергает это обвинение и утверждает, что живой ребенок принадлежит именно ей. И пока одна рассказывала эту историю, другая пыталась доказать в споре, что ребенок действительно ее.

Суд Соломона. (1710). Автор: Луи Булонь младший.

Выслушав их обеих, царь Соломон приказал принести меч, что немедленно и было исполнено. Ни минуты не раздумывая, царь Соломон молвил: "Пусть будут довольны обе. Рассеките живого ребенка пополам и отдайте каждой половину младенца."
Одна из женщин, услышав его слова, изменилась в лице и взмолилась: "Отдайте ребенка моей соседке, она его мать, только не убивайте его!" Другая же, напротив, согласилась с решением царя: "Рубите его, пусть не достанется ни ей, ни мне", - решительно сказала она.

Суд Сломона. (1854г.) Новгородский государственный музей. Автор: К. Флавицкий.

Тут же царь Соломон изрек: "Не убивайте ребенка, а отдайте его первой женщине: она его настоящая мать". Конечно, мудрый царь и не думал губить младенца, но таким хитрым способом он узнал, кто из них двух говорит неправду.

Соломон всегда вкладывал в свои решения справедливость по любым спорам. Собственно, с Соломона и пошло, что главной фигурой любого суда является судья, и именно он должен определять степень вины и наказания для торжества истины.

Правила жизни великого царя Соломона. Мудрость, проверенная веками

Царь Соломон в преклонных годах. Автор: Гюстав Доре

Ко всем благодетелям царя Соломона он еще и был автором источника поэтического мастерства - книги «Песнь песней» и сборника философских размышлений - «Книги Екклесиаста». В современной интерпретации правила Соломона, выверенные мудростью, выглядят так:

Проходя мимо нищих - делись.Проходя мимо юных - не злись.Проходя мимо старых - склонись.Проходя мимо кладбищ - присядь.Проходя мимо памяти - вспомни.Проходя мимо матери - встань.Проходя мимо родичей - помни.Проходя мимо знаний - возьми.Проходя мимо лености - вздрогни.Проходя мимо праздных - твори.Проходя мимо павших - запомни.Проходя мимо мудрых - постой.Проходя мимо глупых - не слушай.Проходя мимо счастья - ликуй.Проходя мимо щедрых - откушай.Проходя мимо чести - храни.Проходя мимо долга - не прячься.Проходя мимо слова - держи.Проходя мимо чувств - не стесняйся.Проходя мимо женщин - не льсти.Проходя мимо славы - не тешься.Проходя мимо правды - не лги.Проходя мимо грешных - надейся.Проходя мимо страсти - уйди.Проходя мимо ссоры - не ссорься.Проходя мимо лести - молчи.Проходя мимо совести - бойся.Проходя мимо пьянства - не пей.Проходя мимо гнева - смиряйся.Проходя мимо горя - всплакни.Проходя мимо боли - мужайся.Проходя мимо лжи - не молчи.Проходя мимо вора - не крадься.Проходя мимо наглых - скажи.Проходя мимо сирых - потраться.Проходя мимо власти - не верь.Проходя мимо смерти - не бойся.Проходя мимо жизни - живи.Проходя мимо Бога - откройся.

Грех царя Соломона

Идолопоклонство Соломона. (1668г.). Автор: Джованни Писсаро

Однако, как говорится, и на "старуху бывает проруха"... Согласно писаниям Библии, Соломон был весьма любвиобилен и имел семьсот жен и триста наложниц. И на склоне лет случилось так, что Соломон в угоду одной из любимых жен, построил языческий жертвенник и несколько капищ в Иерусалиме, нарушив тем самым обет данный Богу - служить ему верой и правдой.

Царь Соломон приносит жертвоприношение идолам.( 17 век). Автор: Себастьян Бурдон.

Именно этот обет был залогом мудрости, богатства и славы Соломона. Гнев Всевышнего отразился на благополучии объединенного царства и вскоре после смерти 52-летнего царя начался экономический и политический кризис, после чего страна распалась на две части.