Ален Рене славился короткометражными документалками до тех пор, пока не выпустил свой первый художественный полнометражный фильм - “Хиросима, моя любовь” - в 1959 году (в это же время вышла картина Трюффо “Четыреста ударов”). Однако несмотря на временные рамки, Рене обычно относят к режиссерам левого берега, а не новой волны. В творчестве постановщика звучат политические мотивы и ноты экспериментального модернизма “нового романа” (литературное направление конца 19540-х годов, которое также называлось “антироман”).

Сторонники “антиромана” были в поисках новых форм, они избегали традиционных элементов вроде сюжета, линейного повествования, классической драматургии. Мы встречаем элементы “нового романа” в творчестве Рене, и это неудивительно, ведь режиссер сотрудничал с писателями и сценаристами этого направления. Поэтому творчество режиссера разнообразно, и выделить общую философию работ Алена Рене довольно трудно. И все же некоторые вещи в фильмах Рене постоянны. Например, увлечение постановщика нарезкой материала и перемещением его частей в разном порядке. Так, по мнению режиссера, отражается текучесть времени и внутренняя работа героев. Прошлое и настоящее, воспоминания и воображение - все перемешивается и сосуществует в мире Алена Рене. 

Его называют вечным инноватором и формалистом, обвиняют в холодности, несмотря на то, что он часто снимал комедии (в них Рене затрагивал темы смерти и потери).

Начинайте с фильма “Хиросима, моя любовь”

Снятый по сценарию Маргерит Дюрас, фильм основывается на ранней работе Рене в документальном кино. Он задумывался как научно-популярная лента об ужасах, которая несет атомная бомба. Картина позволила режиссеру исследовать политический аспект этой проблемы через призму личной, поднять вопрос об индивидуальной травме на фоне общественной трагедии.

В центре сюжета история влюбленных - французской актрисы и японского архитектора - в послевоенной Хиросиме. По мере того, как развиваются их отношения, героиня постоянно погружается в воспоминания о прошлом. Во время оккупации Франции она была наказана за роман с немецким солдатом. Образы былой жизни вклиниваются в настоящее.

То, что героиня вспоминает о своей родине не случайно. Вначале фильма мы видим документальные кадры Хиросимы, которые наталкивают на мысли о том, какое сильное воздействие социально-политическая история оказывает на людей в разных точках мира.

Что смотреть дальше

Во время съемок своей следующей картины Ален Рене работал в тандеме с другим автором - Аленом Робом-Грийе. Ход повествования фильма “В прошлом году в Мариенбаде” получился вполне нетипичным. По сюжету молодой человек встречает девушку в отеле. Он пытается убедить ее в том, что они уже виделись прошлым летом и условились встретиться через год. Реальность и фантазия в фильме меняются местами так, что зрителю остается гадать, что было в действительности.

Эксперименты со временем и пространством достигли апогея в картине “Люблю тебя, люблю” о человеке, который застрял в неисправной машине времени. Дальше советуем посмотреть более линейный в плане повествования фильм “Война окончена” о подпольном революционере из Испании.

Похожая тема поднимается и в “Мюриэль, или Время возвращения”. В “Провидении” Рене тоже рассказывает историю персонажа (писателя-алкоголика) через его прошлое.

Позже режиссера заинтересовала взаимосвязь кино, театра и музыки, вследствие чего появились музыкальная комедия “Известные старые песни”, “Любовь до смерти” и очень театральный фильм “Мелодрама”.

Разумеется, не стоит забывать и о короткометражках Рене. Посмотрите “Ночь и туман”, он был сделан в память об освобождении заключенных в нацистские концентрационные лагеря. Здесь архивные материалы соседствуют с кадрами, отснятыми специально для ленты, похожий прием использовался и в "Хиросиме".

С чего не стоит начинать

В 1989 году у Рене выходит комедия “Я хочу домой” о культурных различиях Франции и Америки. Главный герой-карикатурист приезжает на выставку своих работ в Париж, где встречает поклонника своего творчества из США.

После этого Ален Рене снимает еще несколько комедийных драм: “Сердца” и “Дикие травы”. Эти фильмы могут показаться проще, чем ранние работы режиссера.

Картина “Вы еще ничего не видели” - тоже не лучшее место для начала. Однако те, кто знаком с творчеством Рене, оценят повторяющиеся темы режиссера, “многослойность” и запутанность фильма. Так что лучше отложите этот фильм на потом.

Источник

Перевод и адаптация: Cinemagraphie

Читайте нас ВКонтакте и подписывайтесь в Instagram!

Культовая музыка в фильме немного переосмыслена, но главные темы никуда не делись. Музыкальные ассоциации, как известно, одни из самых сильных, потому уже на первых нотах «Акуна-Мататы» тело само начинает подтанцовывать, а лицо расплывается в улыбке. Новый трек Бейонсе как нельзя лучше подошел к эпичному эпизоду возвращения взрослого Симбы домой. Единственное, чего здесь стоит опасаться, - дубляж. Всё-таки песни в переводе – это минус сто тысяч к карме.

В реальности мы с вами вряд ли отличим одного льва от другого, но создатели с внешним видом главных героев поработали на славу. Шрам выглядит ещё более устрашающим, чем в мультфильме, голос (ещё раз – только оригинальная озвучка), окрас, взгляд – брр, мороз по коже. Время его правления – устрашающий мрак и упадок, черное-черное царство. Муфаса – благородство, мудрость и отвага, и его графическая львиная морда всё это отражает так ярко, что хочется аплодировать стоя. Тимон и Пумба – беззаботные неунывающие отщепенцы. Симба поначалу маленький и глупый, затем – потерянный, и лишь в финале тот, кем родился - Король. Нала из не по годам умного львёнка вырастает в мудрую Королеву. Весь спектр эмоций персонажей считывается интуитивно, и в этом главная заслуга авторов.

Пожалуй, лишь ключевая сцена гибели Муфасы, отчего-то выглядит менее трагичной, чем в мультфильме. Возможно, здесь как раз-таки не хватило той самой мультяшной мимики.

Будучи взрослыми, мы, конечно, видим, как гиперболизированы и типизированы характеры и поступки персонажей, но фильм-то всё-таки для детей. Не лишним будет и своему внутреннему ребенку напомнить о том, что всё в мире закрючковано, зависть – дело гиблое, а главное искусство жизни – оставаться тем, кто ты есть, несмотря на удары судьбы.

1. «Уэйкфилд Экспресс», реж. Линдсей Андерсон, 1952

Хотя этот фильм был снят задолго до оформления свободного кино, в нём присутствуют многие характерные элементы, в частности обращение к показу обычных людей и их повседневного существования. «Уэйкфилд Экспресс» — еженедельная газета, вот уже сотню лет выходящая в йоркширском городе Уэйкфилд. Камера фиксирует не только технические подробности, сопровождающие появление очередного выпуска, но и повседневную работу репортёров, собирающих информацию из самых разнообразных источников — от случайно встреченных на улице знакомых до высших должностных лиц мэрии.

2. «О, Дримлэнд», реж. Линдсей Андерсон, 1953

В фильме иронично показан мир аттракционов, предлагаемых посетителю в парке развлечений «Дримлэнд» в Маргите. Здесь и музей пыток, в котором механические куклы в натуральную величину изображают казнь шпиона Розенберга на электрическом стуле или сожжение Жанны д'Арк, и игральные автоматы, и игра в бинго, и зоопарк, и глотатели огня и многое другое. Камера часто останавливается на лицах людей, наблюдающих за зрелищами, гуляющих по улице или обедающих в местном дешёвом ресторане.

3. «Вместе», реж. Лоренца Маццетти, 1956

Двое молодых рабочих из лондонского Ист-Энда - глухонемые. По этой причине они стараются держаться вместе и заботиться друг о друге. Камера следует за ними в доки, на рынок, в бар, на ярмарку, в комнату, которую они снимают в одной из квартир. Обычно, завидев их на улице, отовсюду сбегаются дети и принимаются их дразнить. Это приводит к неожиданной и трагической развязке.

4. «Мамочка не позволяет», реж. Карел Рейш, Тони Ричардсон, 1956

Несколько молодых людей из рабочего класса — официантка, работник мясной лавки, помощница дантиста — заканчивают свой рабочий день и отправляются в джаз-клуб в северном Лондоне. Количество прибывших постепенно растёт, и вскоре начинаются танцы под зажигательную музыку джаз-бэнда Криса Барбера. Состав вечеринки разбавляется группой богатых молодых людей, приехавших на дорогом автомобиле.

5. «Каждый день, кроме Рождества», реж. Линдсей Андерсон, 1957

Фильм рассказывает о буднях рынка в лондонском районе Ковент-Гарден. Ещё с вечера на рынок начинают прибывать фрукты и цветы со всех концов света. Рабочие всю ночь занимаются разгрузкой и размещением товара на лотках. К утру подвозят овощи с близлежащих ферм. С 5 утра начинается торговля, к 7 она идёт полным ходом и лишь к полудню сходит на нет. В таком режиме рынок работает ежедневно за исключением одного дня в году.

6. «Прекрасное время», реж. Ален Таннер, Клод Горетта, 1957

Фильм рассказывает о субботнем вечере на площади Пикадилли в Лондоне. Показаны разнообразные развлечения, которым предаются люди: гуляют, заводят знакомства,посещают кинотеатры, выбирают товары на лотках, останавливаются у игральных автоматов и так далее. К ночи площадь пустеет.

7. «Мы — парни из Ламбета», реж. Карел Рейш, 1958

Фильм рассказывает о молодёжном клубе в Ламбете и его завсегдатаях. Днём парни и девушки учатся в школе или работают (в мясной лавке, швейной мастерской, пекарне, на почте), а вечером собираются в клубе, чтобы провести несколько часов вместе, пообщаться, поспорить на «горячие» темы или потанцевать. Особенно насыщенными бывают вечера в конце недели — в пятницу и субботу.

8. «Поющая улица», реж. группа учителей школы Нортон Парк, 1952

Этот фильм был сделан группой учителей из школы Нортон Парк, они снимали некоторых своих учеников, играющих и поющих на улице в разных местах города. Лента задокументировала устную традицию, которая почти исчезла через полвека.

9. «Машинисты», реж. Майкл Григсби, 1959

Фильм рассказывает историю жизни машинистов, которые работают в депо под Манчестером. Григсби использует импрессионистскую технику разделения между тем, что слышит и видит зритель, применяя закадровый голос. Так, когда камера перемещается по столовой, фокусируясь на изумленных лицах мужчин, зритель слышит, как кто-то из них ностальгически обсуждает появление дизельного двигателя.

10. «Убежище Англии», реж. Роберт Ваш, 1959

Фильм - история венгерского беженца. Он прибывает в Лондон почти без денег, не говорит по-английски, единственная его перспектива - найти помощь по неполному адресу с почтовой открытки. «Убежище Англии» - уникальные хроники Лондона 50-х годов, от Ватерлоо до Вест-Эндовских дуплексов в пригороде, показанные глазами постороннего человека.

В 50-е молодым английским авторам порядком поднадоел старый кинематограф, который штамповал одну за одной музыкальные комедии и драмы о жизни светского общества. Они объединились, чтобы снимать независимое кино о буднях типичного англичанина.

Что такое «свободное кино»?

Запоминайте имена: Линдсей Андерсон, Тони Ричардсон, Карел Рейш. Это лидеры движения, названного «свободным кино». Название придумал Андерсон, «свободное» значит созданное на некоммереческой основе, пренебрегающее любыми стандартами и правилами. В 1956 году у «свободных» появился и свой манифест, который декларировал «веру в важность индивидуума и в значение повседневного». Конечно, такое кино испытывало трудности с прокатом, поэтому лидеры движения организовали собственные кинопоказы, коих состоялось всего шесть: три чисто британские, три – из работ зарубежных авторов, которые «свободные» отобрали лично.

Основные черты

Целью представителей «свободного кино» было показать страну такой, какая она есть. Они брали портативные 16-мм камеры и выходили на улицы в кварталы, где жили простые англичане.

«Свободные» - это документалисты, которые запечатлевали действительность.

Их кино вы узнаете по черно-белому низкокачественному изображению и небольшому хронометражу. В общем-то, всё это следствие недостатка финансирования и ограниченных технических возможностей.

Закат и влияние на кинематограф

Последний показ в рамках «свободного кино» состоялся 1959-ом, формально это и было концом движения, но идея не умерла. «Свободные» организовали новое направление, известное как «молодые рассерженные», или британская новая волна.

Идея Фрейда проста: неважно было ли событие на самом деле, если оно реально в психике, то оказывает ровно то же действие. Положим, вам кажется, что в детстве вы подсмотрели за родителями в спальне, и даже четко помните картинку. Неважно, правда это или фантазия, это будет действовать на вашу психику абсолютно одинаково. Если вам кажется, что все вокруг настроены враждебно и смотрят на вас, как на неудачника, неважно, правда это или вымысел, вы будете чувствовать себя отвергнутым. Воспоминания всегда реальны, потому что ощущаются таковыми.

Но кино – искусство в первую очередь визуальное, и для того, чтобы проиллюстрировать эту идею, кинематографистам приходится отказаться от разделения эпизодов, условно, сна и реальности. У Феллини в «8с половиной» или у Тарковского в «Зеркале» переход от одного к другому намеренно не акцентирован, так, что у зрителя возникает ощущение единого пространства. И, с точки зрения психоанализа, это максимально точно.

В «Земляничной поляне» Бергмана присутствуют закадровые комментарии, которые лишают соблазна пуститься в вольное трактование. В этом смысле «Персона» гораздо сложнее из-за отсутствия такого рода подсказок. Отсутствие разделителя – верный способ дать зрителю возможность пофантазировать об увиденном. Режиссер не дает ответов, а, значит, образы на экране могут обозначать всё, что угодно. Такое кино очень соблазняет любителей головоломок, поэтому «поток сознания» - техника, которую очень любят именно в авторском кино.

Где искать? Помимо уже названных фильмов рекомендуем: «В прошлом году в Мариенбаде» Алена Рене, «Фонтан» Даррена Аронофски, «Голова-ластик», «Шоссе в никуда», «Внутренняя империя» Дэвида Линча, ну и все фильмы Андрея Тарковского без исключения.

Всё начинается с того, что двое полицейских, постарше (Билл Мюррей) и помладше (Адам Драйвер), приезжают в лес разобраться с неким отшельником, который якобы украл курицу. Отшельник шлет стражей порядка куда подальше, и люди в форме спокойненько уезжают патрулировать полупустые улицы. Тем временем телефоны отказываются работать, и герой Адама Драйвера повторяет в тысячный раз, что «всё очень странно». Итак, где мы? Это «Твин Пикс»? Или «Настоящий детектив»? Нет, это «Мертвые не умирают», слышите же одноименную песню Стёрджела Симпсона. На всякий случай Адам Драйвер выходит из образа, чтобы сообщить: «это саундтрек». Четвертая стена разрушена и зритель понимает, что о серьезности можно забыть, фильм заявляет себя как юмористическую зарисовку по мотивам классического кино и поп-культуры в целом.

Насколько вся эта компания убедительна? Ни капельки. Джармуш просто-напросто собрал дорогих сердцу друзей и решил повеселиться. А давайте-ка наденем Стиву Бушеми кепку с надписью «keep america white again», а Игги Попа загримируем под зомби и пусть он первым делом отправится за кофе. Смешно? Да, если вы понимаете контекст.

Вот из таких шуточек и состоит весь фильм. Не смешно становится там, где начинается мораль. Мол, люди уже давно мертвы в своей виртуальной реальности, в вечной погоне за материальными ценностями и т. д. и т. п. Хотя и этот смысловой пласт очень напоминает пародию на высоколобое фестивальное кино.

В общем, Джим Джармуш шутит с первого кадра до последнего, а это он умеет, как никто. Люди хоть и мертвы, но умирать отказываются, а чтобы вырваться из порочного круга, нужно быть как минимум не с этой планеты.

Использование крупных планов - одна из ключевых составляющих режиссерского стиля Ингмара Бергмана. Камера подходит на чрезвычайно близкое расстояние к героям, она  движется, сокращая дистанцию и создавая неловкость, пытаясь проникнуть внутрь персонажа. До тех пор, пока огромное лицо не заполнит все пространство кадра. 

Длинный кадр

Длинные кадры позволяют зрителю прочувствовать эмоциональное состояние персонажей и его изменения. С помощью длинных кадров режиссер запечатляет “текучесть” времени, последовательность жизненных событий, которые не возникают внезапно. Например, в картине “Сквозь тусклое стекло” мы видим персонажей, которые приплывают на лодке, сходят на берег и направляются к своему дому. Все это снято одним кадром.

Формат изображения 1.33:1

Бергман всегда использовал формат 1.33:1, который исключал любое появление “внешнего мира” за пределами лица, таким образом режиссер хотел подчеркнуть невозможность для героя в кадре отвлечься на что-то извне. Получается эффект двойного присутствия: человек на экране словно смотрит на себя в зеркале, а зритель, в свою очередь, смотрит на него и становится невольным участником событий.

Экзистенциальные темы

Бергмана интересовали насущные темы: нагота, любовь, религия и вера, брак и отношения, болезни и предательство. Например, в фильме “Молчание” мы видим страдание героини, которую отвергает ее сестра. А в “Шепотах и криках” режиссер рассуждает о том, как самые близкие люди могут быть далеки друг от друга.

Звук в кадре и за его пределами

Бергман применяет диегетический звук (то есть тот звук, который могут слышать персонажи фильма) как внутри кадра, так и за его пределами. Например, в “Часе волка” зритель слышит волчий вой, но не видит источник звука в кадре.Не-диегетический звук может включать в себя закадровую музыку, закадровый голос и специальные акустические эффекты, которые добавляют на этапе постпродакшена. 

Внутренние голоса и тишина

В некоторых фильмах мы слышим внутренний голос персонажа, который озвучивает его мысли. Так, в “Земляничной поляне” профессор видит страшный сон с телом в гробу, он просыпается и смотрит в камеру, звучит закадровый голос, произнося мысли профессора.Часто в фильмах Бергмана есть момент, когда все герои замолкают, смотря друг на друга. Создается впечатление, что в жизни персонажей что-то идет не так. В “Часе волка” используется этот прием.

Освещение и затемнение в переходах между сценами

Режиссер часто выставляет плоский свет, он падает на актера, подчеркивая контраст лица и фона. Это помогает выделить персонажа среди большого количества теней в кадре. Бергман предпочитает простые осветительные приборы для съемок в помещениях. Так, в “Молчании”, “Земляничной поляне”, “Часе волка” он использовал свечи. Уличные сцены снимались в естественном свете луны и солнца - режиссеру было необходимо отразить реальность такой, какая она есть.Просматривая фильмы мастера, можно четко заметить переходы от одной сцены к другой благодаря затемнению. Этот прием придает драматизма и держит зрителя в напряжении. Например, режиссер применяет затемнение в картине “Сквозь тусклое стекло”.

Монологи и перевод диалогов

Для фильмов Бергмана очень важны слова, он ставит актеров лицом перед камерой и заставляет их говорить с самими собой. Создается впечатление, что они обращаются к зрителю, вспоминая события своего прошлого и рассуждая о настоящем. Например, в “Часе волка” мы слышим монолог женщины, кажется, она говорит сама с собой, но между тем, мы становимся ее молчаливым собеседником за счет разрушения четвертой стены. Кроме того, Ингмар Бергман часто переводил фильмы на другие языки: в “Часе волка” есть английские субтитры, в “Молчании” - арабские. Благодаря контролю режиссера в переводе сохраняются все смыслы и тонкости диалогов на языке оригинала.

Флешбеки

Бергман задействует флешбеки, чтобы показать воспоминания героев. Например, старик из “Земляничной поляны” с тоской вспоминает свою жизнь и сожалеет об ошибках.

Разнообразие локаций и эпох

Режиссер снимал картины в разных декорациях, однако его любимые - город и безлюдная деревня. Например, действия картины “Лицом к лицу” в основном происходит в городе в современный период, действие  “Фанни и Александр” - в начале ХХ века. События из фильма “Седьмая печать” разворачиваются в деревне у моря в XIV веке.

Вам также может быть интересно:

• 8 ключевых актеров Ингмара Бергмана
• По ту сторону зеркала: зеркала как символы и метафоры в творчестве Бергмана
• Лица в фильмах Бергмана
• Бергман и Тарковский: невстреча
• Нюквист и Фишер: две стороны одной медали творчества Бергмана

Почему это может показаться трудным

Лукино Висконти ди Модроне - один из немногих режиссеров, кто сам себя называет истинным аристократом. Он родился в 1906 году в знатной семье на севере Италии, его воспитание и образование в сфере искусства лишь способствовали провокационным настроениям в творчестве. Режиссер был марксистом и открытым гомосексуалом, и то, и другое могло повлечь для него ужасные социальные последствия. Вместе с тем Висконти хотел возвращения старого деления на сословия и называл себя убежденным католиком.

Режиссер занимал парадоксальную позицию в итальянском кино, его фильмы повествуют о простых рабочих и рыбаках и вместе с тем исследуют более высокие слои общества в разных стадиях мучений и упадка. Точность изображения богатого убранства дворцов, садов и гостиных - неотъемлемая часть его исторических фильмов: для фильма “Леопард” была отреставрирована сицилийская вилла 19 века. Висконти был одержим деталями, которые воспроизводились согласно воспоминаниям режиссера о собственном детстве.

Картины Лукино Висконти - большие эпохальные полотна, а роскошный стиль может показаться неискушенным даже пугающим. Но не дайте этой шикарной обстановке одурачить вас, режиссера неспроста любили его актеры.

У Висконти вы без труда можете распознать отсылки к произведениям искусства: адаптацию “Смерти в Венеции” Томаса Манна или “Белых ночей” Достоевского в “Белых ночах” и “Рокко и его братьях”. Лукино Висконти был известен публике многослойными историческими трактатами, абсолютно специфическими для того времени, например, он изображал Сицилию 19 века в “Леопарде”, Третий рейх в “Гибели богов”. Как настоящий аристократ, режиссер баловался постановками оперы, это тоже отразилось на его творчестве в некоторой степени.

Кино Висконти никогда не было самым доступным, если сравнивать его с творчеством других великих итальянский постановщиков. Он использовал больше референсов к искусству, чем Де Сика, больше звеньев в повествовании, чем Антониони, больше исторического багажа, чем Феллини. Он любил истерические проявления страсти и травмы на фоне идеально отточенных симметричных композиций. Он одновременно восхвалял и оплакивал уход традиционалистской Италии. Вряд ли мы увидим еще одного художника, похожего на Висконти: такое великое сочетание опыта и влияния эпохи было присуще только ему.

Начинайте с “Рокко и его братья”

Для режиссера, который хорошо известен применением технологии Техниколор, может показаться нелогичным начинать с черно-белых кадров, тем более использовать в качестве съемочной площадки современный Милан.

“Рокко и его братья” - тонкая и местами смешная семейная драма, возможно, самая “человечная” из всех работ режиссера. В кадре - судьба бедной южно-итальянской семьи,  которая вынуждена переехать в столицу, чтобы найти работу. В составе семьи - властная мать и пять красавцев-сыновей, в том числе брутальный Симон и хороший мальчик Рокко. Братьев захватывает гонка большого города: работа на заводе, ночная жизнь, боксерский зал и в конце концов преступление. Когда Симон и Рокко влюбляются в местную проститутку Надю, начинаются несчастья.

В ранние 60-е началась массовая миграция итальянцев в города, это изменило традиции и процессы сельской жизни. Висконти следит за этим до того момента, когда сакраментальная семейная привязанность наконец рушится. Рокко переживает это с тихим, душераздирающим смирением.

Что смотреть дальше

Продолжить лучше картиной, которую называют апофеозом в карьере режиссера, - фильмом “Леопард”. Это вдумчивая адаптация романа Джузеппе ди Томази Лампедузы, действия происходят в Италии 1860-х годов во время активности освободительного движения Рисорджименто. В фильме запечатлена исчезающая аристократия в разгар революции. 

Сицилийский принц Дон Фабрицио размышляет о том, кто придет к власти после него. Его племянник - аморальный политик Дон Танкреди (Ален Делон), сторонник нового режима, хочет заключить выгодный брак с Анжеликой (Клаудией Кардинале). В заключительных сценах мы видим роскошный бал во дворце, камера медленно скользит по коридорам, запечатлевая детали уходящей эпохи.

Продолжаем знакомство с творчеством Лукино Висконти, на очереди “Немецкая трилогия” (“Людвиг”, “Смерть в Венеции”, “Гибель богов”). В ней режиссер обращается к европейской истории, картины этой трилогии часто называют мрачными.  

"Я, подобно Томасу Манну, весьма склонен к декадансу. Я пропитан декадансом. Манн - декадент от немецкой культуры, я - декадент от культуры итальянской" (с) Лукино Висконти

Изысканная архитектура и романтика исторической драмы здесь отсутствуют, режиссер говорит на языке упадка, показывая болезненное состояние европейского духа. В “Гибели богов” центром сюжета становится немецкая семья промышленников в период расцвета нацизма. Автор ассоциирует сексуальные отклонения и жестокость с гитлеровским режимом. Герой Хельмута Бергера - испорченный молодой человек из богатой семьи, который разделяет мнение вождя о том, что “мораль мертва, а он часть элитного общества, где все дозволено”. Отвратительная жестокость и унижения - отражение происходящего в этот период.

Теперь настало время для дебютной полнометражной работы Висконти - картины “Одержимость”, основанной на романе “Почтальон всегда звонит дважды” Джеймса Кейна. Фильм называют одним из немногих представителей итальянского нуара, все особенности жанра соблюдены: ревность, убийство и страстная красотка в придачу. 

С чего не стоит начинать

Начинать знакомство с творчеством мастера не стоит с картины “Земля дрожит” 1948. Этот фильм ближе всего к неореализму и рассказывает историю рыбаков из Сицилии, труд которых эксплуатируют. Одна из семей пытается добиться независимость от жадных оптовиков, однако их борьба затягивается надолго. в Фильме много красивых образов и пейзажей, герои говорят на настоящем сицилийском диалекте.“Семейный портрет в интерьере” 1974 г. - тоже не лучший фильм для начала. Спустя 10 лет после “Леопарда” к сотрудничеству с Лукино Висконти вернулся актер Берт Ланкастер. Работа над фильмом словно возвратила режиссера к излюбленной теме о мужчинах, которые мечтают о прошлом и живут в нем.

Вам может быть интересно:

• Знакомство с Пьером Паоло Пазолини
• Режиссерский стиль Микеланджело Антониони
• Что не так с персонажами Антониони?
• Режиссерский стиль Федерико Феллини

Источник

Перевод и адаптация: Cinemagraphie

Копирование материала без указания источника перевода запрещено.

1. «Ноль за поведение», реж. Жан Виго, 1933

В закрытом колледже для мальчиков суровые порядки. Так, ноль за поведение на практике означает, что воспитанника не отпускают в воскресенье домой — и, конечно, для мальчишек это становится самым строгим наказанием. Колин, Брюэль и Косса получают пресловутый ноль в первую же ночь по возвращении с каникул. В итоге юные герои устраивают бунт и объявляют настоящую войну своим жестоким воспитателям и учителям.

2. «Аталанта», реж. Жан Виго, 1934

Когда Джульетта выходит замуж за Жана, она переезжает жить на его корабль, где кроме влюбленных есть еще двое странных жителей, молодой мальчик и эксцентричный папаша Жюль. Вскоре Джульетте надоедает «жизнь на воде» и она по приезду в Париж остается там. Из-за нежелания жены жить на корабле и ее побега, Жан впадает в депрессию. А папаша Жюль отправляется на поиски девушки, чтобы помочь своему хозяину.

3. «Безымянная улица», реж. Пьер Шеналь, 1934

Рассказ о районе проживания беднейших рабочих и деклассированных элементов, где нищета порождает отчаяние, ксенофобию, алкоголизм.

4. «Пансион «Мимоза», реж. Жак Фейдер, 1935

Чета пожилых супругов Нобле содержит на юге Франции игорный дом, а при нем семейный пансион для игроков – «Пансион «Мимоза». У Нобле воспитывается мальчик Пьер, отец которого находится в тюрьме. Уже с детства Пьер приобретает склонность к азартным играм, которая с годами превращается в настоящую страсть.

5. «Пепе ле Моко», реж. Жюльен Дювивье, 1937

Пепе ле Моко — уголовник, скрывающийся в трущобах Алжира после своего последнего ограбления тулонского банка. За ним ведут охоту полицейские из Франции и Алжира, но Пепе неуловим и считает себя непобедимым. Однажды Моко знакомится с милой француженкой Габи и влюбляется в нее. Чувства к Габи тянут Пепе во Францию, но возвращаться ему опасно — инспектор Слиман, давно ведущий охоту на Моко, пытается использовать его чувства к Габи против самого бандита.

6. «Сердцеед», реж. Жан Гремийон, 1937

После роли в этом фильме к Жану Габену пришел первый громкий успех. Он сыграл неотразимого сержанта-легионера по имени Люсьен, по которому женщины сходят с ума. Люсьен привык к легким победам, они уже не доставляют ему удовольствия. Так бы и остаться ему профессиональным соблазнителем, если бы не любовь.

7. «Великая иллюзия», реж. Жан Ренуар, 1937

Три француза разного статуса становятся офицерами в Первой мировой войне. Оказавшись в плену, они готовят побег из неприступной крепости. Для реализации плана нужна жертва, и один из них принимает эту ношу на себя. Двое других пытаются добраться до границы, прокладывая путь через горы. Они еще не знают, что встреча с одинокой немкой и ее маленькой дочерью оставит незабываемый след в их сердцах.

8. «Набережная туманов», реж. Марсель Карне, 1938

Этот фильм стал своеобразным манифестом поэтического реализма. Попавший в Гавр солдат морской пехоты, дезертировавший с какой-то колониальной войны, находит приют в доме чудака Панамы, где каждый может выпить не платя, переночевать и уйти. Там он знакомится с печальной и тихой Нелли, дочерью убийцы и негодяя Забеля, и влюбляется в нее. Жан предлагает девушке попробовать начать жизнь сначала, бежать из города на корабле. Но трагическое стечение обстоятельств обрывает минорную ноту, повисшую над набережной туманов.

9. «Человек-зверь», реж. Жан Ренуар, 1938

Жак Лантье — водитель локомотива, из-за приступов агрессии получил прозвище «человек-зверь». Трудности характера мешают Жаку иметь нормальные отношения с женщинами. Однажды сидя в вагоне, Лантье видит, как сослуживец мсье Рубо хладнокровно расправляется с начальником станции. Жена Рубо, понимая, что Лантье единственный свидетель преступления, легко соблазняет его, с целью повлиять на показания в суде. Подавшись искушению, «человек-зверь» невольно становится безропотным ягненком в руках расчетливой и коварной женщины.

10. «День начинается», реж. Марсель Карне, 1939

Франсуа, потертый жизнью, романтический одиночка, забаррикадировался в своей квартире после совершения преступления на почве страсти. Пока полиция окружает его дом в Нормандии, Франсуа вспоминает двух женщин, которых он любил — Франсуазу и Клару — и Валентина, мужчину, который причинил горе им обеим.

В начале 30-х годов кинематограф Франции находился в упадке: в кино показывали сплошь низкопробные комедии и мелодрамы. Присовокупите сюда нарастающую угрозу войны. Чтобы противостоять распространяющемуся, как вирус, фашизму, во Франции был создан Народный фронт, который внес в жизнь страны струю свежего воздуха. Под влиянием Народного фронта ряд сценаристов, режиссеров и актеров начали создавать проблемное художественное кино. Поэтический реализм взошел на подготовленной почве теорий авторского кино, практики немецкого экспрессионизма и авангарда.

Что такое «поэтический реализм» в кино?

«Поэтическим реализмом» называют направление в кинематографе (преимущественно французском) 30-х годов XX века, представители которого стремились показать на экране поэтически преображенную повседневную жизнь. Их главной задачей было показать эстетику обыденного. В группу видных деятелей поэтического реализма входят сценаристы Шарль Спаак и Жак Превер, режиссеры Жак Фейдер, Жан Ренуар, Жюльен Дювивье и Марсель Карне, актеры Франсуаза Розе, Жан Габен, Луи Жуве, композитор Морис Жобер и некоторые другие.

Основные черты:

Деятелей поэтического реализма интересовали социальные вопросы, в своем творчестве они стремились к реалистическому отражению действительности.

Кинематографисты ставили целью раскрыть духовный мир человека на фоне происходящего в обществе.

Среди наиболее используемых средств в поэтическом реализме можно выделить павильонные съемки, литературный диалог, символизм и особый стиль освещения.

Главный герой фильма поэтического реализма – выходец из рабочего класса, который бессилен перед чередой жизненных ударов.

Угрюмая романтическая атмосфера, фатализм и безысходность – вот три кита поэтического реализма.

Война и оккупация положили конец эпохе поэтического реализма. Многим актерам и крупнейшим режиссерам пришлось покинуть Францию. Влияние этого направления прослеживается в фильмах многих французских кинематографистов от Годара до Брессона. Итальянские мэтры Лукино Висконти и Микеланджело Антониони в своё время работали с Жаном Ренуаром как помощники режиссера, и в их творчестве слышны отголоски этого опыта. Фильмы поэтического реализма послужили благодатной почвой для появления сразу после войны итальянского неореализма.