Линогравюру придумали относительно недавно — в XX веке. Художники искали способ удешевить ксилографию — гравюру на дереве. Требовался недорогой материал, который при этом хорошо «держит» линию и легко отдает краску при печати. Так и нашли линолеум.

После печати форма не портится, а значит, оттисков может быть много. Но все получатся немного разными — и в этом красота. При этом техника доступна даже начинающим, потому что линолеум резать легче, чем дерево.

Как и чем делают линогравюру

Эскизы переносят на линолеум маркером или карандашом. Все, что должно быть белым, вырезают на один-два миллиметра вглубь. На форму накатывают краску, кладут на лист и прокатывают на офортном станке. Если его нет, прижимают бареном — инструментом для ручной печати. Ну а если и его нет, то подойдет ложка или скалка. Или руки.

Для печати понадобятся

Линолеум толщиной от четырех до пяти миллиметров

Есть специальный — продается в художественных магазинах. Но можно взять и гомогенный промышленный. Он плотный, хорошо режется и без утеплителя, как бытовой.

В пересчете на квадратный метр промышленный стоит дешевле, правда, покупать придется большими объемами. Так что это выгодно, если вы настроены работать много.

Штихели

Это специальные ножи, которыми вырезают рисунок. Бывают двух видов:
– с U-образным лезвиями — для больших плоскостей;
– с V-образным лезвиями — для тонких линий и деталей.

Чтобы не порезаться штихелем:
– Всегда кладите руку, которая придерживает линолеум, сбоку от лезвия. Если нож сорвется, не попадете в руку.
– Режьте только от себя.
– Когда будете резать волнистую или круглую линию, вращайте линолеум, а не штихель.

Краска

Лучше берите специальную — линогравюрную или типографскую. Она долго не высыхает на стеклянной или пластиковой подложке, где ее раскатывают, — будет время спокойно поработать.

Еще печатают маслом, акрилом или гуашью. Они дешевле, но не такие удобные. Масло оттирается только растворителем, очищать форму сложнее. Зато оно долго не высыхает.

Акрил и гуашь смываются водой, но у них недостаточно вязкая текстура, могут размазываться на листе. И еще быстро сохнут — приходится работать в темпе или подмешивать что-то замедляющее высыхание. Например, пену для бритья.

Валик для раскатки краски

Лучше всего подходит резиновый валик для обоев из строительного магазина.

Пресс для отпечатывания

Лучше отпечатывать на офортном станке. Если его нет, возьмите барен или ложку, — она хорошо скользит по бумаге. Надавите на нее всем весом и хорошенько пройдитесь по форме, чтобы везде равномерно отпечаталось.

Бумага

Подходит любая плотностью не меньше 160 г/м².

Как сделать оттиск выразительным

Как вся графика, линогравюра построена на точках, пятнах, линиях, текстурах. Чтобы оттиск получился выразительным, делайте эти элементы разными по характеру. Например, линии могут быть тонкими и толстыми, длинными и короткими, угловатыми и круглыми, сплошными и прерывистыми. И так с любым элементов — у каждого много характеристик. Так что даже одного из них достаточно, чтобы сделать работу интересной.

Выразительности добавляет и сама техника. Линолеум сопротивляется ножу, и это влияет на форму элементов. Обычно они получаются по-линогравюрному угловатыми. Ещё от быстрой резьбы обычно остаются «артефакты» — случайные отпечатки оставшихся кусочков линолеума. Их можно использовать намеренно, если это подходит для задумки.

Подробные и четкие вещи в линогравюре делать тоже можно. Но нужно терпение и формат побольше.

Количество вырезанных плоскостей определяет тон оттиска. В темных — вырезано мало, в светлых — много.

Как печатать цветную линогравюру расскажем в следующий раз. А пока приходите делать принты на мастер-класс Александра Лаптева ↓

Лайк за выразительные оттиски!

Текст — Арина Крук и Инна Никитина по материалам Дмитрия Горелышева
Редактор — Инна Никитина
Художественный редактор — Дмитрий Горелышев

1. Цвет

Два карандаша не равно два цвета. Если наложить штриховку двух оттенков, получится третий. Смешение будет оптическим: это когда два исходных оттенка расположены рядом, поэтому мы видим один средний цвет, хотя на бумаге остались два разных.

Как это использовать

1. Меняйте частоту штриха исходных цветов и нажим — тогда получится больше оттенков. Например, в случае красного с синим это целый спектр от сиреневого до ярко-фиолетового.

2. Если задача нарисовать натуралистично, — берите много оттенков одного цвета. Градации цвета будут мягкими.

3. Если хочется отстраниться от натуры (например, подчеркнуть ритм), берите контрастные цвета и работайте ими условно. «Условно» — значит, что предметы могут быть вообще любого цвета, необязательно такого, как в жизни.

Но в этом случае сначала определите количество цветов и назначьте каждому роль. Например, один цвет отвечает за линии, другой за пятна. Или один цвет — за тени, другой — за свет, третий — за акценты.

2. Нажим и плотность штриха

Нажим влияет на яркость цвета: чем он сильнее — тем ярче цвет.

Еще влияет количество воска в стержне. Если его мало, карандаш твердый и дает меньше цвета. Если много, — получается насыщенный жирный слой даже при легком касании.

А плотность штриха дает материальность. Чем плотнее штрих, тем материальнее объект.

Как это использовать

1. Если задача — передать материальность, штрихуйте плотно.

2. Если нужно выделить деталь, делайте ее цвет насыщеннее. Так она станет заметнее.

3. Если хотите показать глубину, делайте ближний план плотнее, а дальний — прозрачнее.

4. Начинать рисунок лучше всего лёгким редким штрихом, как будто прокладываешь основу изображения. Эта «арматура» хорошо собирает рисунок. Контур лучше использовать позже и по необходимости.

Потестите на отдельном листе

Самое интересное начинается именно при смешении цветов, поэтому возьмите минимум два карандаша. Цвета можно выбрать по принципу парности: светлый — темный, теплый — холодный, а можно вытянуть случайные карандаши не глядя.

Сделайте растяжки от слабого нажима к сильному, потом поверх этой растяжки наложите второй цвет в обратном направлении. Так вы увидите все возможные варианты пересечения цветов и колорит будущего рисунка. По тому же принципу можно делать растяжку и с бóльшим количеством цветов.

Поверх растяжек можно поштриховать черным, серым и белым карандашами — посмотреть, как они меняют цвет, тон и текстуру.

В ближайший месяц по теме

• очный мастер-класс Елены Кузнецовой
• онлайн-курс Дмитрия Горелышева

Приходите, чтобы рисовать карандашами еще круче!

Лайк за смешение и нажим!

Текст — Дмитрий Горелышев
Редакторы — Арина Крук, Инна Никитина

Монотипия — очень живая и импровизационная техника. Она хорошо развивает смелость и интуицию, потому что без них в работе с монотипией никак не обойтись.

Делается она так: пластиковая пластина закатывается тонким слоем краски. Везде, где этот слой останется нетронутым, на печати будет ровный цвет. Дальше есть несколько выразительных средств, управляясь с которыми можно получать бесконечное разнообразие красот. Лучше использовать в одной работе несколько разных средств, — это делает её интереснее. Да и как-то законченнее.

1. Линия и штрих

Черенком кисти, палочкой или зубочисткой по сырому слою краски рисуются очертания предметов. При печати эти линии станут белыми. Или почти белыми.

Линию лучше делать разнообразной: то тонкой, то толстой, то ровной, то шероховатой — так оттиск будет живее.

Линейные инструменты хороши и для штриха. Чтобы обобщить и добавить ритм, используют широкий и редкий штрих. А чтобы показать форму и рельеф, его делают аккуратным и частым. Главное — штриховать на весу, не опираясь рукой и пальцами на доску, — иначе на красочном слое останутся следы.

2. Пятно

Протирки
В тех местах, где нужен тон посветлее, краску протирают мастихином, резиновым шпателем или тряпкой. Тогда белый будет не совсем чистым, останутся следы чёрной краски. Зато этот способ идеален, чтобы показать мягкий светлый полутон или круглость объекта.

Растворитель
Для размывания красочного слоя еще используют растворители — пинен или уайт-спирит. Смачивают в нем кисть и протирают в нужных местах. Это даёт живые и непредсказуемые разводы, которые хорошо работают на контрасте с чёрными или белыми пятнами.

А растворитель можно брызгать на красочный слой из пульверизатора или с помощью зубной щетки. Так получаются мелкие светлые точки, — еще одна текстура.

👉 Растворитель лучше пускать в ход в последний момент перед печатью, потому что краска, размытая растворителем, сохнет куда быстрее, чем из тюбика.

Маски
Чтобы оставить какие-то места совсем белыми, используют бумажные маски. Их кладут прямо поверх красочного слоя, — так получаются четкие граница пятна. Это здорово работает на контрасте: когда где-то в изображении резкость, а где-то шероховатая текстура.

3. Текстура

Тут подходит что угодно: ногти, целлофановый пакет, соль, жёсткая кисть. Смотря какая фактура нужна.

Если сразу не очень понятно, как это работает, поэкспериментируйте на отдельных формах и листах. Попробуйте разные способы и посмотрите, что получается на оттисках. А потом уже на чистовик.

Когда на пластине нарисовано и вытерто всё, что хотели, её прокатывают через станок. И получится оттиск. Всего один.

Ниже — несколько примеров с пояснениями.

Цветная монотипия

Технически цветная монотипия использует те же средства, что и монохромная: линия, пятно, текстура, маска. Так же можно «написать» изображение масляной краской по гладкой поверхности и оттиснуть в станке.

А есть и другая технология, когда один цвет становится базовым и им закатывается вся доска, а остальные «вплетаются» по мере необходимости.

Как нанести дополнительные цвета

1. Прямо поверх базового красочного слоя: цвета смешиваются и получается живая текстура, но не всегда хороший цвет, — может появиться грязь.
2. Каждый цвет — отдельным слоем. Если в первом красочном слое что-то было протёрто или процарапано, то слой второго цвета при печати где-то ложится на белую бумагу, а где-то на первый цвет. И благодаря наложению получается новый. Этот способ даёт чистые цвета и чёткие края пятна.

При работе кистью нужно брать небольшое количество краски, чтобы она не ложилась на поверхность «с горкой», — иначе под сильным давлением в станке линии станут неряшливыми и толстыми, а пятна будут заплывать друг на друга

Изучая технологию, помните и про композицию: разная форма самой печатной доски, соотношение печатного поля с белым листом, чистый белый цвет как акцент и ритм.

__

Авт. Дмитрий Горелышев
Ред. Инна Никитина, Арина Крук

Рисунок — это интерпретация натуры. Поэтому интересно наблюдать, что именно подметил в ней художник и как выразил это на листе; какая пластика и искусство интересовали его тогда; с чем он работал.

Особенно интересен в этом смысле автопортрет. Давайте посмотрим, как интерпретировал сам себя Пикассо ↓

18 лет, 1900

Расцвет модерна, молодой Пикассо только отучился в академии. Он отлично владеет рисунком и еще использует характерную для того времени стилистику модерна: правильный рисунок с повышенной эмоциональностью. Автопортрет правильный, но как бы размытый местами — это характерная черта рисунков того времени

Совсем скоро в творчестве художника начнётся «голубой период». Главная работа того времени — «Девочка на шаре».

25 лет, 1907

В мае 1907 в Париж привозят африканское искусство. Пикассо поражен ритуальными масками, и это отражается на его творчестве. Художник стремится понять, что делает наивное и народное искусство впечатляющим.

Портрет сведен к простым прямым линиям и нарочито укрупненным формам. Пикассо увеличивает и ломает объёмы на плоскости и грани. Объём лепит линиями и небольшой разницей в тоне — например, как на носу.

В этом же году он пишет «Авиньонских девиц».

35 лет, 1917

В 1917 году в творчестве Пикассо начинается период классицизма. Он возвращается к натуралистическому изображению натуры.

В четких линиях и ограниченном затемнении видно зарождение сдержанной линейной манеры, которая станет его визитной карточкой в будущем.

56 лет, 1938

Военный период, год назад Пикассо создал «Гернику».

Теперь черты лица на портрете не только искажены, но и нагромождены друг на друга за счет их укрупнения и переноса глаза. Этот приём Пикассо использует почти во всех портретах того времени. Размазанные пятна угля создают ощущение энергии. Они же передают глубину, хотя в остальном изображение скорее двухмерное.

90 лет, 28 июня 1972

Поздний период, год до смерти художника. Пикассо по-прежнему активно работает, но главные его картины уже созданы.

В портрете художник полностью отказывается от сходства и хаотично смешивает черты лица. Это скорее выражение его психологического состояния и внутреннего мира. Он снова работает с плоскостями, чтобы создать ощущение объема, но на этот раз для выделения каждой использует паттерны и фактуры.

90 лет, 3 июля 1972

Еще один портрет из позднего периода. Простая форма силуэта дополнена штрихом так, что рисунок становится скульптурным. Пикассо снова отходит от плоскостности и лепит трехмерную форму. «Живые» каракули штриховки создают контраст к общему минимализму.

На курсе Сюзанны Гарден будем рисовать автопортреты разными способами — только за три недели, а не за много лет :-) Приходите экспериментировать, искать новое в одном сюжете и развивать воображение ↓

Лайк за Пикассо!

Текст — Сюзанна Гарден, Дмитрий Горелышев
Редакторы — Арина Крук, Инна Никитина

@alainavarrone

Алайна тонко подмечает детали жизни в Коннектикуте и превращает их в провокативные и даже смешные вышивки. Работает в технике классической глади, и это добавляет выразительности: непривычно видеть в этой технике такие сюжеты. Одновременно лаконичный и аккуратный штрих нитками позволяет делать работы очень детализированными, — прямо как иллюстрации.

Все фото из соцсетей Алайны ↓

2. София Наретт

@sophianarrett

Создает трехмерные картины-объекты, для которых использует толстые и текстурные стежки ярких и сложных оттенков. Из-за этого работы Софии похожи на живопись экспрессионистов.

Все фото из соцсетей Софии ↓

Интересно увидеть, как она использует пустоты, которые образуются между элементами вышивки неправильной формы. Пустота становится частью композиции и выполняет свои задачи. Например, здесь создаёт пространство:

А здесь добавляет контраст к ярким и шумными вышитым частям:

3. Мишель Киндом

@michelle.kingdom

У этой художницы интересно посмотреть на сюрреалистические образы и сочетание разных техник вышивки, с помощью которого она усиливает впечатление от сюжета.

Например, здесь вдобавок к глади использована вышивка ришелье — техника, при которой в ткани делают отверстия, а затем укрепляют их вышивкой или заполняют кружевом. Она отлично передаёт ощущение женского, уточенного, домашнего.

А здесь вышивка ровной сеткой отделяет нужную деталь сюжета, потому что становится для неё новой канвой поверх настоящей.

Все фото из соцсетей Мишель.

4. Сесиль Жарсейон

peinturescecilejarsaillon.blogspot.com

Вышивает прямо поверх фотографий, обложек комиксов и страниц журналов. Использует графичные нитяные штрихи, похожие на рисунок карандашом. Простота нитяных линий подчеркивается градациями цвета на фотографии и создаёт выразительный контраст. Его же усиливают сами сюжеты: простые бытовые сценки становятся непривычными и неправильными, поэтому их хочется рассматривать.

Все фото из блога Сесиль.

5. Александра Лукашевкер

Еще один автор, чьи работы похожи на живопись импрессионистов — вышивки поэтичные и пронизанные воздухом. Интересно, что в работах художницы канва играет не меньшую роль, чем стежки. Она объединяет работу, задаёт колорит и фактуру.

Приходите вышивать собственные работы на курс Лизы Ольшанской. За три недели разберёмся как, чем, в какой последовательности выстраивать работу. И закончим курс с готовой вышитой картиной.

Лайк за классную подборку!

Подборка — Лиза Ольшанская
Редактор — Арина Крук
Главред — Инна Никитина

1. Соус и белила

Я смешиваю между собой крошёный подольский соус. У него сложные оттенки, и как не мешай их между собой, грязи не будет, — сплошное благородство.

Чтобы раскрошить соус, просто скоблю его ножом. Это просто, мелки достаточно мягкие.

Если нужно сделать оттенок светлее, мешаю соус с белой гуашью. Акрил тоже подходит, но он прозрачнее и теряет тон при высыхании.

С белилами оттенки становятся ещё и холоднее, это обогащает палитру. Например, из терракотового цвета можно получить нежно-розовый оттенок, а из чёрного — голубоватый.

2. Соус и цветной грунт

Обычно делаю грунт акрилом, чтобы не размывался. Это важно, потому что, если что-то пойдёт не так, соус можно просто смыть, а грунт останется.

В работе слежу за тем, чтобы не перекрыть его вторым слоем. Стараюсь, чтобы местами грунт просвечивал или был открыт. Как в этом натюрморте около ручки фонаря или стакана на столе:

В результате появляется общий подтон, который собирает рисунок и делает его цельным. Одновременно усложняется колорит, потому что цвет краски смешивается с цветом грунта. Например, если на охру положить синий без белил, в нём появится тёплый или даже бурый оттенок. Также и с остальными красками — грунт работает как цветное стекло.

Поверх высохшего соуса можно рисовать сухими мягкими материалами: тем же соусом, пастелью, углём или цветными карандашами. Так можно уточнить и выделить детали, а ещё разнообразить текстуры.

Например, на этом рисунке мне нужно было передать ржавую, поцарапанную текстуру на фонаре, и я добавила поверх сухой соус и серый карандаш:

Подробнее со смешанными техниками поработаем на одноименном курсе. Занятия ведут шесть преподавателей, каждый из них поделится своими находками.

Лайк за проверенные советы!

Текст — Лена Кузнецова
Редактор — Арина Крук
Главред — Инна Никитина

Этот план помогает мне с умом распорядиться своим временем и вниманием. Избежать частой ситуации, когда первые три работы я смотрю с невероятным тщанием, а последние «глотаю» не жуя. Помогает учиться осознанному смотрению и содержательному освоению опыта.

Это полезный план, но только план. Важно заметить момент, когда нужно отступить и сделать всё иначе. Всё-таки есть карта, а есть местность.

1. Перед тем, как идти на выставку

Два вопроса:
1. Почему я туда иду?
2. Зачем я туда иду?

Жизнь слишком коротка, чтобы успеть все. Если мои ответы говорят мне, что нужно идти, — я выделяю время и иду.

2. План

Нужен примерный план — сколько времени я здесь буду. Когда перерыв на кофе или обед, если он есть. Моему телу нужно знать, что его ждёт: хождение по залам и активное восприятие — это затратное занятие.

3. Знакомство с автором

Прочитать биографию и мысленно представить жизнь автора.
Во сколько лет он взял кисть? Во сколько первая выставка? Во сколько женился? Во сколько умер? Свидетелем каких событий был? У кого учился? Как менялось соц. положение, в какие круги он входил? И т.д. Прочитать аннотацию выставки и представить себе материал.

4. Быстрый обзор

Бегло обойти всю выставку, не изучая отдельных произведений, чтобы составить впечатление о целом — что передо мной, и в каком количестве. Небольшая пауза, рефлексия об увиденном.

5. Обстоятельный осмотр

Мысленный план дальнейшего. Какие произведения я хочу рассмотреть? Если я хочу посмотреть за несколько раз, то до какого места посмотрю сегодня.

👉 Не отмерять себе больше, чем можно «съесть», — лучше сходить второй раз, если блюдо слишком большое.

Теперь вернуться в начало и следовать плану.

💡 По ходу просмотра полезно делать мысленные заметки, записи, зарисовки или фотографии.

6. Освоение опыта

Спустя время уделить время рефлексии.

Что я увидел?
Что нового узнал?

Вспомнить свои ответы из начала этой памятки.

Очень классно обсудить наблюдения в разговоре или по переписке, поделиться открытиями, поспорить об „острых углах“. Перекинуться парой фотографий. Собрать лайки и каменты.

Постараться не ограничиваться констатацией симпатий, а рассказать, что я действительно заметил, на что обратил внимание.

Это полезная и работающая памятка, но важно не пропустить момент, когда пора её забыть и пуститься в импровизацию.
Планируем по карте, ориентируемся по местности.

НН, 2016 и 2022.
Иллюстрации — Влад Самсонов

А вот если хочется не срисовывать, а рисовать — не так важно, какая фотография. Важно как мы с ней работаем.

Пять упражнений ниже помогут рисовать с фото как реальной натуры, а не переносить на лист фиксированный набор пятен. И точно пригодятся, когда нужно будет нарисовать портрет с неудачной фотографии.

♦️ Представьте, что это не плоская фотография, а настоящая сцена
Посмотрите на фотку полминутки, представьте всю глубину, мысленно поверните натуру.

Не стремитесь скопировать тон с референса
Как и в работе с натурой — вы же не всегда рисуете платье черным, если оно такое в натуре. Можете обозначить его как угодно: тонировать только лицо, а остальное оставить линией; сделать самое темное место у лица, чтобы акцентировать внимание на него и т.д.

Представьте, где расположен источник света относительно модели
Это важнее конкретных пятен света и тени. Если ясно откуда падает свет, то и как распределить тон в рисунке понятно.

1. Усильте форму или подчеркните ближние точки

Чтобы прочувствовать форму, полезно порисовать «насквозь» — не только видимые части, но и невидимые тоже. Так в голове выстроится трехмерная модель, а это позволит свободнее обращаться с натурой: менять угол освещения, усиливать характер формы и т.д.

Чтобы усилить форму в ракурсной фотографии, подчеркните границы света и тени плавной растяжкой тона в обе стороны.

А во фронтальной фотографии (как наш референс) определите ближайшие точки и подчеркните их. Например, челка ближе лба, — хотя по тону это не очевидно. Значит, на рисунке можно сделать акцент на «карнизе» челки, а на лбу под ней оставить рефлекс.

2. Поменяйте ракурс

Мысленное изменение ракурса создает в голове трехмерную модель, — вы как будто обходите натуру со всех сторон. Вы все еще можете ориентироваться на фото, но срисовать уже не получится.

Такой заход поможет воспринимать фотографию как объем, а не как пятно. Есть и другие бонусы: сможете еще свободнее рисовать разные ракурсы, рисовать без натуры и разовьете объемно-пространственное мышление.

У девушки на фото нос с горбинкой и слегка опущен вниз. Если представить, что мы смотрим на нее с других ракурсов, скорее всего, получится так:
– в профиль опущенный кончик носа и намек на горбинку станет сильно заметнее;
– сзади выявится форма прически и вздернутые плечи — потому что девушка опирается на стол, приподняв их;
– в три четверти будет явно заметнее переход от передней части лица к боковой: форма скул и висков будет яснее.

3. Немного поменяйте наклон формы

Здесь примерно то же самое, что в пункте выше, только меняется наклон головы по вертикальной оси. «Поворачивайте» голову и сразу прикидывайте, какую часть увидите больше, а какую меньше.

Чтобы получилось точно, можно сначала представить голову схематично, как на схеме ниже. Покрутить эту схему мысленно или зарисовать. А потом так же мысленно «покрутить» уже модель на фото.

4. Поменяйте угол освещения

Поменяйте направление света, чтобы еще точнее понять, как устроена форма и подчеркнуть нюансы конструкции. Например, в боковом освещении не очень понятно, как устроены глаза. А когда свет сверху, сразу видно, что веки нависают.

Если на фото фронтальный свет, сделайте его сбоку. На фото сбоку — сделайте снизу. Представляйте, как поменяется освещение, не подглядывая в зеркало и не выставляя свет специально.

Если поначалу сложно, — начните со схематичной формы, как в пункте про наклон.

5. Нарисуйте портрет пятном

Когда в голове сложилась трехмерная модель, — переходите к более условному рисованию.

• Возьмите с фотографии силуэт, нужные детали и ваше впечатление об этом человеке.

• Подумайте о том, что можно убрать без потери для образа, а что обязательно сохранить.

• Ограничьте себя по времени, чтобы не закопаться — три-пять, ну максимум десять минут.

• Нарисуйте от трех до пяти быстрых зарисовок.

Есть много способов — сегодня подойдем к решению вопроса через натюрморт.

У нашего худрука Димы в книге есть такая фраза: «не знаешь, что нарисовать, — бери с полки любой предмет». Так и есть!

Во-первых, предметов вокруг полно. Во-вторых, все они разные по размеру, пластике, сложности, — есть из чего выбрать. В-третьих, это самая доступная натура, источник идей и тренажер для развития навыков. Короче, всё сошлось.

Можно рисовать один предмет или сразу несколько. Как и всё в рисовании, это зависит от задачи :-)
– Рисование предмета самого по себе — это отработка чувства формы и умения передать объем и рельеф.
– Рисование нескольких предметов — это уже работа с пространством. Такой опыт поможет в рисовании интерьера или пейзажа. Потому что суть одна, меняется только масштаб объектов.

Давайте посмотрим на пару упражнений Димы, которые помогут выстроить структуру ↓

1. Точное рисование линией

Это упражнение поможет наладить связь между головой и рукой. А ещё сделать движения точнее, а внимание острее.

Поставьте несколько разных предметов так, чтобы они немного перекрывали друг друга. И нарисуйте предметы по этим правилам:

👉 Передайте их так точно, как сможете.
👉 Рисуйте сразу «начисто», без разметки.
👉 Возьмите неисправляемый материал — ручку или линер.
👉 Уместите натюрморт в лист и постарайтесь попасть в пропорции предметов. 👉 Не пересекайте линии, — для этого рисуйте от ближнего плана к дальнему.
👉 Дополнительными линиями изобразите толщину всего, что видите.
👉 Если ошиблись, не выбрасывайте лист. Дорисуйте его, а потом сделайте новый.

2. Ракурс

Это упражнение открывает новые возможности не столько даже в рисовании, сколько в восприятии предметов. Потому что чаще всего мы рисуем их с привычного ракурса — спереди и немного сверху. Это ограничивает выразительность рисунка, да и надоедает со временем.

Что делать:

1. Выберите предмет среднего размера и сложной формы. Что-то вроде фотоаппарата или мясорубки.

2 Нарисуйте его 10 раз, чередуя ракурсы: сверху, сбоку, с угла, снизу. Старайтесь передать именно положение предмета. Детали, отражения, текстуры рисуйте по желанию. → Материал любой, формат листов А4.

3. Когда закончите, разложите рисунки перед собой и посмотрите, как ракурс влияет на восприятие. Например, если смотреть на предмет снизу, он кажется большим. А если сверху, то маленьким.

Если в одиночку всё равно сложно, — приходите на курс Полины Шутовой! Будем рисовать мир предметов и работать с композицией, формой и пространством ↓

А если у вас есть вопросы, присылайте их сюда → vopros@prostaya.ru

Лайк за уверенное начало!

Дима Горелышев
Ред. Арина Крук, Инна Никитина

Читатели нашего телеграм-канала прислали свои портреты с вопросами, а четыре преподавателя курса «Выразительный портрет» их разобрали. Анализ чужого опыта — хороший способ прокачать собственные умения, поэтому давайте смотреть, что получилось ↓

Как передать взгляд, ухмылки-ужимки и эмоции на статичном лице?

Дима Горелышев:

Рисование мимики — всегда рисование изменений, поэтому само слово «статичный» тут не вполне уместно. Мимика нестабильна и асимметрична — сейчас такая, через секунду все изменилось. Если подчеркнуть асимметрию и изменчивость, портрет не будет выглядеть застывшей маской или персонажем мультфильма.

Помогает рисовать с кино — буквально, прямо по ходу просмотра, без стоп-кадров. Вы не сможете срисовать частности, придётся запоминать и передавать состояние в целом. Таких рисунков нужно делать много и не ждать результата сразу. Из десятков набросков несколько штук точно будут новыми по качеству.

Характер взгляда — это соотношение ракурса головы и пластики мягких тканей вокруг глаза: век, лба и щёк. Сам глаз ничего не выражает, это просто шар с дырой в центре.

На вашем рисунке видно, что ракурс изменен относительно фотореференса: на фото голова наклонена вперёд, и глаза смотрят исподлобья. А на рисунке положение головы более прямое, а взгляд нейтральный. То же можно сказать и про рот: полуулыбка ушла из-за того, что линия губ стала более прямой. Глаза сильно обведены по контуру век, это тоже снижает выразительность и подвижность взгляда. Взгляд будет выглядеть более живым, если добавить тени от лба и век. Глаз всегда углублён в череп, должно быть ощущение, что он смотрит из глубины, а не приклеен к щеке.

На примере показал, как небольшими изменениями можно чуть оживить портрет.

Как сделать портрет лучше?

Кирилл Зиман:

Решение занять большую часть работы тканью и не показать ничего, кроме её тона, не очень выгодное. Гораздо интереснее передать, как ткань взаимодействует с телом: где она ложится по нему, где проглядывает локоть. Где, наоборот, ткань натягивается и провисает, поэтому между телом и тканью возникает пустота. Как ткань взаимодействует с головой, кто кого перекрывает. Скорее всего, в натуре были складки, которые обо всем этом рассказывали.

Само лицо получилось неплохо: пропорции на месте и довольно точно, хоть и не везде, рассказан рельеф лица. Но не чувствуется форма головы. В первую очередь потому, что не видно затылок. С одной стороны его закрывает ткань, с другой — волосы, и ничто не приглашает взгляд за видимый силуэт. Поэтому можно показать, что силуэт головы не обрывается на лбу. Пряди волос, которые ложатся на него, должны своим направлением закрутиться за линию силуэта и этим показать, что там форма продолжается.

Ещё о форме головы расскажет ракурс. Сейчас на него намекают челюсть и нос, которые видно снизу. Но судя по положению головы, ракурс был активнее. Это можно подчеркнуть: низы увеличить, а высоты сократить. Например, больше показать нижнюю часть челюсти, а высоту лба уменьшить. Это тоже усилит ощущение, что у головы есть верх, низ и глубина.

Как сделать портрет интереснее?

Маша Пряничникова:

Перед тем как начать рисовать портрет, спросите себя, какую задачу ставите? Какой характер будет у портрета?

Этот портрет ребёнка очень нежный и тонкий с правой стороны, а вот с левой тяжеловат. Тени получились тёмными плотными лужицами, потому что пятна теней просто срисовали, не адаптировав к задаче.

Если работать со светом и тенью без копирования пока не получается, есть два варианта. Первый — штудировать анатомию, чтобы лучше понимать, как светотень распределяется по форме.

Второй — скрыть свои слабые стороны и показать сильные. Например, в этом рисунке я бы избавилась от теней совсем и сделала бы весь портрет тонким, нежным и воздушным как в правой части. Тогда рисунок станет интереснее.

Как научиться рисовать узнаваемо?

Елена Кузнецова:

Характера добавляет попадание в пропорции частей лица и тела. Например, большая голова, узкие плечи, большой нос, маленький подбородок, близко посаженные глаза. Вглядитесь в натуру, что свойственно именно для неё? Характер натуры влияет и на выбор материала: кого-то хочется нарисовать пятном, кого-то тонкой линией, кого-то цветом, — вариантов множество.

В этой работе мне не хватает тёмного пятна, которое показало бы фигуру и соединило руки и голову — без него они зависают в воздухе. Это же пятно добавило бы остроты и характера, потому что силуэт плечей (острые, опущенные, приподнятые, широкие) много говорит о фигуре.

Приходите на курс «Выразительный портрет», чтобы тоже получить комментарии Марии, Елены, Димы и Кирилла.

[Обложка]

И подписывайтесь на телеграм-канал, чтобы не пропустить следующие приглашения на разбор → t.me/prostayashkola