Рождение, существование и смерть: исследование личности в современном искусстве
В современном искусстве на смену визуальной эстетике и форме приходит концептуализм. Как направление в искусстве концептуализм подчеркивает важность идеи, концепции произведения, а не его материальное воплощение. Таким образом, начиная с 1960-х годов (примерно к этому времени относится зарождение концептуального искусства как направления постмодернизма), поколение современных художников все чаще примеряет на себя роль исследователей. В концептуальном искусстве используются различные средства коммуникации, такие как текст, фотография, видео, инсталляции и мн. др. для передачи идеи. При этом концептуальное искусство сконцентрировано на исследовании различных проблем: от политических, экологических и социальных, до глубоко-личностных и психологических. Так как исследование личности и социальная психология — это основные темы нашего канала, мы решили обратиться за примерами таких исследований к современному искусству.
Йоко Оно, Япония
Эта художница стояла у истоков концептуализма, хеппенинга и эстетики взаимодействия, но признание ее заслуг пришло спустя много лет. Основным творческим направлением художницы стал перформанс, который подразумевает действие как форму художественного представления. Главным образом от театральной постановки перформанс отличается своей неповторимостью и отсутствием сюжета — в основе перформанса заложен именно контекст, а также интерактивность, позволяющая стереть грань между искусством и реальностью. Именно в рамках перформанса художник обычно исследует среду и личность через взаимодействие с ними.
Широкую известность Йоко Оно подарил перформанс «Отрежь кусок» (Cut piece), впервые состоявшийся в 1964 году. Процесс начинался с того, что Йоко садилась на пол, поджав под себя ноги. Как правило в этот момент на художнице было надето одно из лучших ее платьев, а рядом лежали ножницы. Каждый непосредственный участник перформанса (любой зритель), мог при помощи этих ножниц отрезать любой кусок от одежды художника, на свой выбор. Под конец, когда на девушке уже оставалось мало чего от платья, можно было продолжить резать то, что было под ним. Резали даже волосы… Действо продолжалось до тех пор, пока оно не обретало в глазах зрителя логического завершения. Среди участников перформанса находились и те, кто могли нанести непосредственные увечья художнику — это не являлось самоцелью, однако разоблачало суть личности и обнажало её естество. В какой-то момент участник даже занес ножницы над головой Йоко, в следствии чего перформанс пришлось прекратить, а в дальнейшем проводить его под наблюдением.
Действия участников заставляли задуматься о поведении человека в социуме. В данном случае перформанс «Отрежь кусок» больше похож на социальный эксперимент, демонстрирующий нам нелицеприятные стороны человеческого существа и опьяняющую силу вседозволености.
Подобные перформансы обозначили новую веху в современном искусстве и определили новый курс в исследовании личности и психологии человека.
Марина Абрамович и Улай, Сербия
Творческий тандем исследовал через перформанс отношения между мужчиной и женщиной. Интересно, что пара действительно находилась в отношениях, которые от начала и до конца представляли из себя перформативное действо: с 1975-го по 1988-й год пара успела прославиться серией запоминающихся перформансов: от «Отношений в пространстве» до «Похода по Великой Китайской стене», по завершению которого пара рассталась. Последний раз их встреча состоялась в рамках перформанса «В присутствии художника», который был инициирован Мариной Абрамович для своей выставки в МОМА в 2010-м году.
В перформансе «Случайные факторы» 1977 года обнаженные Марина и Улай стояли в узком проходе таким образом, что каждый посетитель выставки, пробираясь между ними, обязательно задевал их и был вынужден посмотреть кому-то из них в глаза. Этот перформанс, как ни странно, был посвящен чувствам рождающегося ребенка и тому давлению, которое он испытывает, появляясь на свет через родовой канал. Она и Улай стояли обнаженными у входа на выставку друг напротив друга, образуя физическую рамку, через которую должны были пройти посетители. Что касается контакта глазами — речь шла о выборе входящего — на кого посмотреть. Это вызывало конфликт и подталкивало к принятию решения, что также являлось частью дискурса взаимоотношений.
Данный перформанс Марины Абрамович относится к периоду ее одиночного творческого пути, уже после расставания с Улаем. «The House with the Ocean View» имитирует буддийскую практику, в рамках которой 12 дней художница проводит под бдительным взором публики. В течение всего этого времени автор перформанса не разговаривает, не ест, пьет исключительно воду, а также демонстрирует свою повседневную рутину: принимает душ, спит, медитирует и не имеет возможности покинуть сцену до конца перформанса. В распоряжении Марины одна единственная сцена, к которой ведут лестницы со ступенями из острейших мясницких ножей.
Суть этого перформанса заключается в исследовании пределов человеческой выносливости, приватности и взаимодействия с публикой. Он затрагивает темы одиночества, уязвимости и духовного поиска, а также ставит вопросы о границах между публичным и частным пространством человека.
Фрэнсис Бэкон, Великобритания
В своем творчестве художник размышляет о духовной борьбе, внутренних конфликтах, собственном опыте, а также отражает людские страдания и ужас, связанные со Второй мировой войной. На сюрреалистичных полотнах автора четко отображаются эмоции, которые, на первый взгляд, не поддаются объяснению, но каждый отдельный предмет искусства по-своему «кричит» зрителю о чем-то, напоминая известный «Крик» Эдварда Мунка.
Фигуры в произведениях художника изгибаются в муках, их части тела перемешаны через мясорубку, а лица смазаны. Режиссер Эдриан Лайн сравнивает это с эффектом снотворного. Когда таблетка действует, ты видишь размытую картинку и едва ли можешь четко определить человеческую натуру существ перед собой.
Художник старается передать переживания человека через пластику формы и цветовые решения, как-бы отображая нутро, вывернутое наизнанку тело со всеми его кровоточащими органами… «Между рождением и смертью всегда происходит одно и то же — насилие» — утверждает автор, основываясь на личном опыте переживания психологических травм, безумия и буллинга со стороны близких людей (связанного с гомосексуальностью художника).
Дэмиен Херст, Великобритания
Британский современный художник в своем творчестве часто рассуждает о цикличности рождения и смерти.
Инсталляция «Тысяча лет» 1990 года — одна из многочисленных од жизни и смерти от Хёрста: в стеклянном кубе экспонирована настоящая голова коровы, над которой радостно кружат мухи, питаясь гниющей плотью, откладывают прямо в этом же кубе личинки, вылупляются и потом попадают в суперэлектроловушку — insect-o-cutor. Такой вот постоянный круговорот жизни. Работа устроена так, чтобы зритель непременно услышал запах разложения (видимо, чтобы лучше проникнуться атмосферой смерти и преисполниться думами о вечном).
Речь идет в данном случае о цикличности бытия — причем, как маленького животного, так и самого человека, как элемента животного мира и своеобразной вершины его эволюции. «Убийство животных не имеет ничего общего с искусством. Оно лишь демонстрирует наглость и спесь людей, которые буквально идут по трупам, когда следуют собственным интересам», — объясняют в PETA (People for the Ethical Treatment of Animals). Сам же Дэмиен трактует свою концепцию как «Отображение страха смерти — как одного из главных переживаний человека».
Илья Кабаков, Россия
Илью Кабакова можно назвать одним из основоположников тотальной инсталляции в России. Формат такого воспроизведения позволяет максимально погрузить зрителя в мир переживаний, буквально войти в произведение искусства и прочувствовать его контекст.
В рамках своего исследования человеческой сущности в 1981-м году автор продемонстрировал зрителям «Ящик с мусором». Композиция представляла из себя деревянный ящик, окруженный старыми газетами, на которых в хаотичном порядке разбросаны предметы: старая обувь, банки из-под краски, осколки, посуда, щетки и много чего еще. На каждом из этих предметов своя этикетка, но вместо надписи на ней — ругательства. Рядом стул, на котором лежит список этих вещей. С одной стороны, это буквально бытовые предметы, составляющие чью-то повседневность. С другой — метафора на жизнь людей, по воле случая оказавшихся в тесном пространстве общежития или коммунальной квартиры, со всеми своими обрывками воспоминаний.
Интересно, что подобная «тотальная инсталляция» была и у Дэмиена Херста, только изображала она личную мастерскую художника. Именно это «произведение искусства» получило скандальную известность из-за случая с уборщиком, который перепутал инсталляцию с мусором и «убрал» её (накануне в галерее Eyestorm, где она экспонировалась, было мероприятие). История завирусилась в 2001-м году. Видимо, на тот момент даже в мировой арт-среде такое понятие, как «тотальная инсталляция» еще не все понимали…
Пипатонг Сипенг, Таиланд
Самый молодой в этом списке художник 1999 года рождения. О его творчестве на сегодняшний день известно совсем немного, так как дебютировал он в 2025-м году. Через искусство Сипенг исследует внутренние переживания и говорит о травмирующем опыте ношения «маски» как защиты от внешнего мира. Инсталляция «Персона», представленная в BACC, отражает основную идею автора — принцип выживания человека в социуме, за которым стоит притворство и страх оказаться отвергнутым. И хотя такая стратегия достаточно удобна, чтобы безопасно существовать, по словам художника, «маска» в конечном итоге заставляет чувствовать изоляцию, перерастающую в гнев и ненависть к себе.
Больше интересного читайте в "Исповедальне".