Колор-блокинг: 100 лет в авангарде
Колор-блокинг - это сочетание крупных ярких цветовых блоков в одежде, живописи, интерьере. Появился этот приём далеко не вчера, но периодически происходит очередной всплеск его популярности и кажется, что дизайнеры изобрели что-то новое. На самом деле - нет:)
В начале ХХ века возник супрематизм - художественное течение, постулировавшее превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи. По мысли Казимира Малевича - в беспредметных полотнах краска была впервые освобождена от подсобной роли, от служения другим целям, — таким образом супрематические картины стали для живописцев шагом к «чистому творчеству».
К.С. Малевич "Супрематическая композиция", 1916 г.
Если раньше на картинах цвет был неизменно привязан к объекту, то у супрематистов этой связки больше нет. Теперь цвет несет самостоятельную энергетическую нагрузку.
"Путь Искусства шел все выше и выше и кончился только там, где уже исчезли все контуры вещей, не стало образов, не стало идейных представлений и взамен разверзлась пустыня". (Малевич, "Супрематизм").
Малевич много времени посвятил изучению цвета не только как средства художественной выразительности, но и влиянию на эмоциональное и физическое состояния человека. Его открытия и разработки пригодились в промышленном дизайне. Например, оранжевая спецодежда, которые используют рабочие по всему миру, и бирюзовые халаты врачей - это разработки Малевича.
К.С. Малевич «Синий прямоугольник поверх красного луча», 1916 г.
Малевич оказал большое влияние на современников, но привнести его идеи в мир моды было суждено другому художнику - голландцу Питу Мондриану.
Мондриан пользовался весьма скудным набором средств художественной выразительности: в его картинах мы видим только точки, линии, простые формы и основные цвета. Структуру картины образовывают дихотомии: цвет — не-цвет, вертикаль — горизонталь, большая поверхность — малая поверхность, единение которых должно было символизировать равновесие сил в гармонии мироздания.
Пит Мондриан "Желтый и синий", 1927 г.
Мондриан говорил «Чтобы приблизиться к духовному в искусстве, следует как можно меньше подражать реальности, ведь реальное противоположно духовному».
В 1936 г. дизайнер Лола Прусак создала для модного дома Hermes линейку сумок со вставками из красной, синей и желтой кожи и вдохновлялась она, конечно, работами Мондриана.
Ну, а в 1965 г. Ив-Сен Лоран выпустил свою знаменитую коллекцию "Мондриан". Дизайнер представил простые мини-платье А-силуэта с графическим принтом на основе композиций тогда еще не очень знаменитого абстракциониста.
Это был фурор. Непривычным казался яркий принт, и сама идея - перенести на ткань произведение искусства, - казалась революционной.
Кстати, покрой платья не так прост: с первого взгляда кажется, что платья украшены геометрическим принтом, но на самом деле разноцветные блоки представляют собой собранные в единое полотно кусочки ткани.
Обложка журнала Vogue, 1965 г.
Казалось бы, тема цветовых блоков в искусстве раскрыта и исчерпана. Однако 1950-е годы стали временем расцвета еще одного художника, который сегодня входит в десятку самых дорогих живописцев в мире. Речь идёт, конечно, о Марке Ротко.
Один из ведущих представителей абстрактного экспрессионизма, к каковым сам себя он не относил не относил, Марк Ротко - художник, чьи работы до сих пор вызывают споры. "И это искусство?" - недоумевают люди, - "С таким бы и мой трехлетний племянник справился!"
Марк Ротко, "Без названия 25", 1955 г.
Сам Ротко, возможно, счел бы это комплиментом. Он ненавидел, когда его работы интерпретируют или ищут в них какой-то скрытый смысл, поскольку добивался естественной, незамутненной, первозданной чистоты восприятия.
"Трагический опыт катарсиса есть единственный источник любого искусства… Мне не интересны взаимоотношения цвета и формы или что-то в этом духе. Мне интересно только выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза, отчаяния", — писал Ротко.
Марк Ротко "Белый центр", 1950 г.
Ротко был непревзойденным колористом. Цвета на его картинах будто светятся изнутри, и это неспроста: художник разработал собственную технику многослойного нанесения краски - в результате цвет на картинах Ротко живет и дышит будто бы сам по себе. Цвет воздействует на зрителя напрямую - здесь нет героев и сюжета, нет светотени и даже геометрических форм тоже нет. Ротко максимально освобождает живопись от любых смыслов и убирает все препятствия, стоящие между его картинами и зрителем.
Марк Ротко "№ 61", 1953 г.
Творчество Марка Ротко служило и служит источником вдохновения для многих дизайнеров. Порой делаются прямые отсылки к творчеству художника:
Valentinino, 2013 г.
Sportmax, 2014 г.
Schiaparelli, 2017 г.
Prabal Gurung, 2018 г.
Dior, 2015 г.
Несмотря на то, что традиции контрастного сочетания цветов уже более ста лет, этот прием и не думает выходить из моды, так что самое время отправиться в музей за вдохновением.