Становление японской живописи

Статья подготовлена проектом «Режиссёрский разбор»
Автор: Александра Заруднева

Известно, что историческую судьбу каждого народа в значительной мере определяют географическое положение и природные условия.  Говоря об искусстве Японии нельзя не упомянуть тот факт, что ее островное положение долгие годы относительно изолировало государство от влияния внешнего мира и вместе с тем взращивало в людях определенное отношение к стихиям, которым была подвержена территория: тайфуны, землетрясения и т.д. Японцы были зависимы от природных условий, что породило особое отношение к жизни и восхищение каждым ее проявлением: от малой травинки до камней, которые представлялись японцам воплощением духов и божеств.

Периодизация

Япония очень древнее государство, которое проживает на территории еще с периода палеолита. В своем развитии ее искусство прошло целый ряд важнейших стадий, связанных с эволюцией общественных отношений, распадом первобытного строя, наступлением феодализма и образованием первого государства.  До VI века культура Японии была первобытной, полностью отражала их материальную культуру и была связана с магией.

Все изменилось когда в VI веке в Японию из Китая через Корею пришел буддизм. Китайцы привезли не только новую религию, но и письменность. В это сложно поверить, но тот самый стиль повествования о котором мы знаем появился в Японии благодаря пришедшей к ним китайской письменности. Еще в этот период появились новые архитектурные и скульптурные решения, а также пришла живопись. Японцы были так восхищены уровнем развития Китая, что стремились достичь не меньших высот во всем. Для развития живописи было привезено огромное количество произведений китайских мастеров, которые вдохновили японцев и те яро бросились создавать похожие работы.  Для китайской живописи того времени было характерно подчеркивание неразрывной связи человека и природы. Основная задача - передать дух посредством изображения.

Здесь еще не прослеживается уникальность японского стиля. Пока мы видим бытовые сцены на которых учились японские художники.

Как было сказано выше в Японию пришел буддизм, а значит было еще одно направление в живописи, которое пытались создавать японские художники - иконография.

Здесь в еще меньшей степени есть хоть что-то от того стиля, который мы знаем. Но это и не удивительно. Японцы расписывали храмы и были подвержены влиянию служения. Создавать свой стиль не было необходимости.

Все те слияния китайской и японской культур, которые происходили с VI века привели Японию к золотому периоду: Хэйан. Именно в этом периоде появились те узнаваемые черты на которых базировалось все, что создавалось впоследствии в искусстве. Связь с Китаем в эту эпоху стала ослабевать. Японцы переосмысляли все то, что ими было впитано веками ранее. При этом не стоит забывать, что фундамент, на котором базировалось японское искусство был взят из Китая. Китай стал своего рода учителем открывшим много нового для японского народа.

В эту эпоху японская живопись разделилась на два направления. Первое продолжало копировать китайский темы. Второе же стало изображать уже традиционно японские темы главной чертой которых стали яркие силуэтные изображения.

Что изображали среди японских тем? В этот период была очень развита литература. Появилось величайшее произведение не только японской, а мировой литературы “Повесть о Гэндзи”. Это было самое крупное на тот момент произведение, наполненное философией скорее XIX века и никак не вписывающееся в рамки средневековья, что говорит о высокодуховном и интеллектуальном развитии японцев. В связи с этим большое место живописи отводилось именно горизонтальным иллюстрациям (не забываем, что в японии была свитковая литература) к произведениям. Темой живописи был человек и мир его переживаний. В отличие от европейской живописи, где изображение существовало само по себе, в Японии изображение было неразрывно связано с литературой. Был некий диалог слова и образа. Поэтому все изображения тщательно стилизовались. Японцы воспринимали их именно как украшение. Украшение интерьеров, книг, ширм и тд. Это было органичное дополнение жизни, а не отдельная ветка искусства, как в Европе.

Какие черты были характерны для свойств стиля той эпохи:

• использование ярких минеральных красок, наносимых густыми слоями;
• большое количество мелких фигур;
• очень реалистичное изображение архитектурных объектов, зданий и сооружений, с тщательной прорисовкой мельчайших деталей;
• очень стилизованное изображение пейзажа и человеческих лиц;
• использование приёма «сорванная крыша» при изображении сцен внутри помещений;
• избирательное изображение сцен из повествования, при котором художники полностью изображали только некоторые элементы сцены, а остальные элементы либо игнорировали, либо покрывали «плавающими облаками», так называемыми «суйари» или «касуми».
  

Также стоит отметить, что в период Хайэн японцы рисовали и портреты. Но в традициях буддизма персонифицированность, то есть привязанность к чему-то субъективно личному не рассматривалась как что-то значимое и ценное. Поэтому они не были излишне детализированными и наполненными характером. Скорее это было условное изображение человека.

Период Камакура. Во второй половине XII века произойдет борьба за власть двух крупнейших феодальных кланов в результате чего победитель провозгласит себя сёгуном и появится новое феодальное сословие - самураи. Эти события развернут культуру от нежного искусства VIII-XI к утверждению мужественности и силы. Для камакурской культуры характерен интерес к реальным событиям жизни и к личности человека. С этим был связан высокий расцвет портретного искусства в скульптуре и живописи того времени.

Обратите внимание, что несмотря на культ личности, художники по-прежнему много внимания и места на полотне уделяли стихиям и природе. Человек никогда не был главнее природы, он всегда был ее частью. Маленькой песчинкой, которая не в силах что-либо изменить.

В этот период живопись отражала дух времени. Художники яркими красками изображали битвы кланов враждующих между собой. Даже при изображении религиозной истории изображение в ней было не иконой, а картиной повествующей о жизни святых людей. При этом подход к стилю живописи остался на уровне эпохи Хэйан.

XIV-XVI вв стал периодом, который объединил два до этого противостоящих друг другу направления - хэйанское и камакурское. Культ героизма, суровая  мораль бусидо продолжали существовать, но в более отвлеченной форме, рядом со стремлением к утонченной роскоши быта и еще более развитым, чем прежде, культом природы.

Стоит отметить, что этот период средневековья в японском искусстве имел такие же черты, как и во всей средневековой культуре, - большая целостность мировосприятия, тесная связь с религиозными и нравственными идеями. В Европе в этот период вовсю шла величайшая эпоха Возрождения, где европейцы возрождали античность. В Японии же искусство приобрело свою неповторимую специфику. У японцев не было античности, но был культ природы к которому они вернулись.

Государственную поддержку получило учение Дзэн, монастыри этой секты превратились в крупные культурные центры. Под влиянием Дзэн сложилась новая эстетическая концепция, которую несли в мир монахи-художники. Красоту учили видеть в простом и обыденном, в неярком и неброском. Именно поэтому на эпоху Муромати пришелся расцвет живописи тушью. Картины были монохромные, создаваемые с помощью туши и воды на бумаге и лишь изредка художники добавляли цвет, сильно разбавляя его водой, чтобы не отвлекать внимания от общей концепции.

В период такого расцвета буддистского влияния природа отождествлялась с образами божеств. Это была принципиально иная художественная система, основой которой был концептуальный пейзаж «горы-воды» (по-японски — сан суй). «Горы-воды» — это не просто обозначение сюжетных мотивов, а указание на главные первоначала мира, их материальное воплощение: гора считалась воплощением светлого, положительного начала — ян, а вода — темного, отрицательного — инь.

Посмотрите, насколько снова мал человек на изображениях и как он подстраивается и склоняется перед мощью природы. Все это как раз наглядно показывает обожествление природы и ее власть над человеком. При этом изображения монохромны. Японцы обладали уникальной способностью передавать дух события не используя разнообразие цвета. Мы понимаем, что дует ветер или течет река и без основ светотени. Они понимали как меняются объекты при соприкосновении с природными явлениями и им хватало лишь пары линий, чтобы передать эти отношения.

В XVI-XVII вв Япония объединилась после многочисленных феодальных междоусобиц, что привело к экономическому росту и сделало ее одним из сильнейших государств Дальнего востока. Япония стала отправлять первые миссии в Европу. В этот период религиозность уступает место светской жизни. На живописи это отразилось обилием золотой и серебряной фольги, возвращением многоцветного стиля и созданием масштабных изображений с активным развитием декоративной живописи (украшение ширм и тд).

Эпоха Эдо. Если до этого основные места для живописи отводились интерьерам, иллюстрациям к произведения и она выполняла больше декоративную функцию, то именно в эпоху Эдо появляется фундаментальное явление - искусство гравюры. Техника печати с деревянных досок была известна в Японии уже давно и применялась для распространения буддийских текстов. Теперь же она служила светскому искусству и получила название «укиё-э», то есть изображение «быстротекущего суетного мира». Рисовать на деревянных досках было дешевле, чем на бумаге. Поэтому японские художники активно работали в этом направлении и брали заказы на их изготовление. А заказы были не малые. В эпоху Эдо активно развивался театр и услуги гейш, им нужно было как-то себя рекламировать и они обращались к художникам за изготовлением тематических табличек, что в дальнейшем привело к созданию гравюр по инициативе самих художников.

Цены на гравюры были более доступны, чем на картины и поэтому их могли позволить себе и простые граждане. К этому добавился интерес к тематике. Изображение куртизанок и театральных сцен пользовалось спросом. Стечение этих обстоятельств наложило отпечаток и на построение композиции  и на выбор цветов. Принцип создания гравюр не позволял создавать изображения с излишней детализацией.

Используя многочисленные технические нововведения, гравюра очень быстро развивалась внутри страны, а затем захватила Европу.

Мировое распространение

В этом месте важно перейти к событиям, которые вышли за пределы Японии и познакомили мир с ее искусством и отношением к течению жизни.

Во второй половине XIX века США задалось целью наладить дипломатические отношения с Японией, которая 200 лет жила в изоляции от внешнего мира. Не в полной, конечно, они пускали к себе купцов из Голландии, но когда замечали, что кто-то из них начинает понимать японский, то сразу отсылали его из страны и заменяли другим. Японцы хитрили и уворачивались как могли, но все же сдались и подписали договор о дружбе и торговых отношениях. А через 5 лет к ним присоединилась и Франция.

Сначала неспешно, как экзотическая диковинка, на прилавки Европы начала просачиваться японская культура. Но все изменилось когда в 1867 году в Париже прошла выставка на которой были представлены работы японских художников.

Европейские художники, которым так осточертела скучная одинаковая академическая живопись, ликовали и не могли поверить своим глазам: оказалось, что в мире существует живопись столь же древняя, как европейская, но совершенно иная. Это значит, нет единственно правильного искусства и вкуса, можно пробовать, менять, изучать и экспериментировать.

Ван Гог, завороженный японской гравюрой, скупал все, что находил в Париже. Всю зиму 1887 года Винсент провел за изучением приемов японской гравюры и за копированием ее на свой лад.

Важно понимать, что Ван Гог не пытался слепо копировать стиль японцев, он учился, пытаясь понять в чем секрет их безмятежности и завораживающей красоты…

Что же привлекало европейских художников-новаторов в японской гравюре? Почему она оказала на них такое влияние?

Все дело в том, что когда в Европу пришла японская культура, местные художники уже устали от бесконечных рамок академизма. Всем правила салонная живопись. Художники вынуждены были подстраиваться, чтобы заработать на жизнь. Не было места для экспериментов и порывов сердца.

И тут вдруг появляется Япония с ее перспективой, точкой схода и композицией, которые жили на гравюрах. Это был глоток свежего воздуха.

Основы японской живописи

Секрет композиции

Японская гравюра научила европейских художников видеть красоту в повседневных вещах, в моменте. Не просто красивый вид на гору, а взгляд из-под руки гребца. Не вид на цветущие сливы сверху, а один цветок или ствол дерева на переднем плане. Потому что важен каждый листочек в огромном лесу, и важна красота всего, что в природе есть. И если европейский художник тщательно выстраивал композицию, то японский вырезал из реальности фрагмент и переносил на бумагу.

Основы лаконичности

Технические особенности создания гравюры лишают изображение ненужных подробностей. Большие пространства чистого цвета очаровали европейцев, и художники трансформировали этот прием под свои задачи.

Все о перспективе

В японской гравюре иллюзия пространства и перспективы строится исключительно на цвете. Причем не явно, изображение вроде бы плоское, но мы чувствуем, считываем эту глубину пространства. Они нарушили все «правила» европейской живописи — сокращали перспективу, приближали задний план, искажали пропорции, но тем не менее, изображения вовлекали смотрящего, им верили.

Наполнение сюжетов

До японского периода излюбленными сюжетами европейских художников были городские виды и портреты, после — природа.

Еще одна тема, которая ворвалась на холсты европейских художников — сцены повседневной жизни. Раньше никому бы и в голову не пришло рисовать женщину в процессе мытья или за туалетом. Но теперь можно было делать и это!

Художники смотрели и копировали японские гравюры, чтобы не просто сделать так же, а вычленить суть, перенять опыт. Если копировали, то по-своему и осмысляя приемы. Если использовали новые приемы, то трансформировали под свои задачи. Они брали восточную эстетику, пропускали ее через призму западного восприятия и создавали совершенно новое искусство. И когда речь заходит об импрессионизме, то роль Японии в его зарождении мы вспоминаем крайне редко, хотя именно она показала «другое» искусство для европейских художников.

А что в кино?

Безусловно нельзя не затронуть эту тему в рамках Режиссерского разбора. Но мы не будем разбирать любовь Тарантино к Акира Куросава о которой итак все знают и всевозможные отсылки к аниме. Скорее разберем менее очевидные случаи влияния японского искусства на режиссеров современности.

Итак, Уэс Андерсон и его «Остров Собак».

Здесь помимо очевидного: выбор места действия (Япония будущего) и языка (японский без субтитров в части диалогов) присутствует монохромность. Не та, голливудская которую мы привыкли видеть, а истинно японская. Еще здесь можно услышать барабаны тайко и постановку в стиле театра кабуки, который был популярен в Японии XVII в.

А как вам этот кадр? Разве это не та знаменитая Большая волна в Канагаве Кацусики Хокусая в прочтении Уэса?

Вообще, если говорить о творчестве Уэса, то оно видится постановочно-театрализованным. Все фильмы имеют особый почерк и дело не в цветовых решениях, а в построении кадров и игре актеров. Все это очень напоминает театр кабуки.

Еще одним не очевидным влиянием японского искусства на режиссеров служит хоррор-индустрия. В 90-е она переживала кризис из-за надоевших маньяков-убийц и банальных сюжетов преследования. Тогда режиссеры обратились к японскому фольклору и стали заимствовать мистических существ, которых в японии было достаточно.

Конечно, самый яркий пример «Звонок» Вербински.

Итог

Японское искусство неразрывно связано с философией страны, с ее особым отношением к существованию и ее любовью к природе. Долгие годы, вплоть до XIX века живопись служила лишь дополнением к украшениям интерьера, иллюстрациям к произведениям и распространению религиозных течений, поэтому она была условной, не такой как например в Европе где помимо прочего правил культ личности. Япония в своей изоляции и отдаленности смогла взрастить уникальный взгляд на построение композиции и цветовые решения, что послужило вдохновением для всего мира.

Это лишь часть того, что можно рассказать о влиянии японского искусства на мировую культуру, но стоит отметить, что и мировая культура повлияла на Японию. Открывшись миру японцы в том числе открывали мир для себя. После XIX в они стали ярыми почитателями импрессионизма и расширили стили творчества. В настоящее время существуют японские художники с мировыми именами. Часть из них придерживаются традиций и их искусство неразрывно связано с историческим опытом. Есть и те, кто наоборот был сильно вдохновлен поп-культурой и музыкой других стран, что лишний раз дает понимание того, как важно быть открытым и перенимать опыт других авторов и даже других стран в целом для определения своего уникального стиля.