Когда родилось современное искусство?

Канал МУЗЕЙ

Если концепция современного искусства сбивает вас с толку, вы находитесь в хорошей компании - на самом деле в элите.

Проблема не только в том, что никто не может договориться, что такое современное искусство; этого никто пока что не знает, но и когда начинается современная эра - тоже. Некоторые кураторы видят вероятную точку отсчета в 1989 году: год падения Берлинской стены, протесты на площади Тяньаньмэнь и давно назревший антиколониализм выставки «Magiciens de la terre» в Париже. 

Другие влиятельные фигуры предложили начинать отсчет с 1970-х годов (по словам куратора Смитсоновского института Мелиссы Хо), с 1945 года (так говорят многие немецкие кураторы), и с 1910-х г.

Вам было бы легче получить единогласное мнение от заговорщиков убийства Кеннеди. Или от других таинственных масонов, согласно теории заговора. Но получить конечное представление о начале современного искусства – ох, как трудно.

«Время, - писал Томас Манн, - не имеет делений, чтобы отметить его прохождение, никогда не бывает грозы и не гремят фанфары, объявляя о начале нового месяца или года». 

Если бы все было так просто. Поэтому, читая авторитетное мнение, что современное искусство началось тогда-то — это всего лишь мнение куратора. Точной точки отсчета нет. 

Даже термин стал использоваться совсем недавно, что, впрочем, ничего не значит. Посмотрите на распространенность фразы «современное искусство» в печатных изданиях в начале 19-го и 21-го веков, а потом загоните его в Google и вы получите мини-историю западного авангарда, с пиками в каждый из его критических лет: 1848, 1922, 1968. 

А вообще, что такое «современное»? Это - разрыв с традицией, но также и создание новой. Искусство определяется способностью развивать культуру и беспрецедентно рассматривать мир: «Сделай его новым», как сказал Эзра Паунд, и это линия, которая станет неформальным девизом модернизма.

Давайте посмотрим одного современного художника - Роберта Раушенберга. Он титан современного искусства, коллажист и график, один из ведущих представителей неодадаизма. 

Родился в маленьком городке в Техасе в семье строгих нравов. С детства рисовал, копируя изображения из комиксов, хотя родители не одобряли его увлечения. После школы начал изучать фармакологию, но был отчислен из университета, отказавшись препарировать лягушку. 

После Второй Мировой войны, во время которой он работал в госпитале, Раушенберг учился живописи в разных художественных школах, в том числе и в Академии Жюлиана в Париже.

Увлечение популярной культурой с отказом от тоски и серьезности абстрактных экспрессионистов побудили его искать новый способ рисования. 

Он новатор в технике и средствах массовой информации, он использовал нетрадиционные художественные материалы - от грязи и краски для дома до зонтов и автомобильных шин. 

В начале 1950-х Раушенберг уже завоевал репутацию ужасного ребенка в мире искусства с такими работами, как «Стирание де Кунинга» (1953), для которого он запросил рисунок (а также разрешение) у Виллема де Кунинга. Раушенберг стирал изображение, пока на бумаге не остались только призрачные следы. 

К 1954 году Раушенберг завершил свои первые трехмерные коллажные картины - он назвал их «Комбайнами», в которых он включил выброшенные материалы и предметы обихода, чтобы исследовать пересечение искусства и жизни. 

«Я думаю, что картина больше похожа на реальный мир, когда она сделана из реального мира», - сказал он. 

В 1964 году он стал первым американцем, получившим Международный Гран-при по живописи на Венецианской биеннале. 

Роберт Раушенберг, 1925-2008

Американо-советский блок

Высокий аукционный рекорд: 19 миллионов долларов, Christie's, 2015

February 12, 2019
by Сергей
0
14

Как преподавать искусство детям – уроки от Марка Ротко

Канал МУЗЕЙ

Марк Ротко очень восхищался детским искусством, восхваляя свежесть и подлинность их творений. Он хорошо знал детское творчество, поскольку более 20 лет работал учителем искусства в Бруклинском еврейском центре. Для своих учеников Ротко не был авангардным провидцем или яркой звездой искусства. Для них он был хорошим другом.

«Самый дружелюбный, самый приятный, самый теплый человек во всей школе», – вспоминал его бывший ученик Мартин Лукашок.

В 1934 году Ротко опубликовал эссе по теме «Новое обучение для будущих художников и любителей искусства», которое он надеялся продолжить, написав книгу. Хотя художник так и не завершил проект, все же он оставил 49 листов заметок, в которых подробно описывалась его прогрессивная педагогика. В сегодняшней статье представляем вам 5 уроков от талантливого мастера искусства.

Урок №1: Покажите своим ученикам, что искусство – это универсальная форма выражения, как речь или пение

Ротко учил, что каждый может создавать искусство, даже те, у кого нет врожденного таланта или профессиональной подготовки. По словам художника, искусство является неотъемлемой частью человеческого опыта. И так же, как дети могут быстро выучить истории или песни, они могут легко превратить свои наблюдения и воображения в искусство. Точно так же, по его мнению, лишение ребенка возможности рисовать может быть столь же плохим, как и задержка его способности изучать язык.

Урок №2: Остерегайтесь подавления творчества ребенка с помощью академической подготовки

По словам Ротко, детская выразительность хрупка. Когда преподаватели искусства ставят строгие параметры или подчеркивают техническое совершенство в определенных проектах, естественное творчество может быстро превратиться в соответствие.

Чтобы защитить творческую свободу своих учеников, Ротко следовал простому методу обучения. Когда дети вошли в его художественную комнату, все их рабочие материалы – от кистей до глины – уже были готовы к тому, чтобы юные творцы сами выбирали и использовали их в произведениях.

Урок №3: Организуйте выставки работ ваших учеников для поощрения их уверенности в себе

«Я никогда не был хорош в искусстве», – вспоминал бывший ученик Ротко Джеральд Филлипс. – «Но он заставил нас почувствовать, что мы действительно делам что-то важное, что-то хорошее».

Ротко считал, что главная обязанность учителя искусства – воспитать уверенность в себе у детей. Для этого он организовывал выставки работ своих учеников в Нью-Йорке; в их числе экспозиция из 150 произведений в Бруклинском музее. А когда в 1933 году Ротко провел свою первую персональную выставку в Портлендском художественном музее, он привез творения воспитанников и выставил их рядом со своими картинами.

Урок №4: Введите в историю искусства современное искусство

Знаменитые художники XX века искали чистые, личные формы визуального выражения, свободные от технических стандартов прошлого.

«Современное искусство не было замусорено стилем и традицией, как у старых мастеров. Поэтому нам особенно полезно … быть переводчиком, чтобы установить отношения между ребенком и потоком искусства», – объясняет Ротко.

Впрочем, воздействие современного искусства не должно мешать развитию уникального стиля ребенка. Ротко не поощрял подражания музейным работам.

«Очень часто работа детей – это просто примитивное исполнение творческих целей их педагога», – предупреждает он.

Урок №5: Воспитайте творческих мыслителей, а не профессиональных художников

В Бруклинском еврейском центре художник почти не заботился о том, будут ли его ученики продолжать карьеру в искусстве. Вместо этого Ротко сосредоточился на воспитании у своих учеников чувства глубокой признательности за художественное выражение.

«Большинство этих детей, вероятно, потеряют такое воображение и бодрость по мере взросления», – писал он.
«Но некоторые пойдут дальше. И есть надежда, что в их случае опыт восьми лет в моем классе не будет забыт. Что касается других, можно надеяться, что их опыт поможет им возродить свои ранние художественные радости в творчестве других».
February 8, 2019
by Сергей
0
72

Что происходит, когда покупатель не платит на аукционе?

Когда дело касается оплаты, высокие цены, которые платят покупатели за шедевры искусства, заставляют аукционные дома настораживаться. Одним из первых публичных случаев можно отметить картину «Ирисы» Ван Гога, проданную в 1987 году в нью-йоркском Sotheby’s за $53,9 млн. Победителем торгов стал австралийский бизнесмен Алан Бонд, который, в итоге, не смог заплатить нужную сумму. Это вынудило Сотбис перепродать работу в 1990 году.

Незадолго до открытия торгов Christie’s в Нью-Йорке 15 ноября 2017 года, аукционный дом узнал о потенциальном новом претенденте: малоизвестном саудовском принце. В Кристис сразу же установили его личность и финансовое положение, дабы удостоверится в платежеспособности потенциального покупателя. Впрочем, так как принц подал заявку на «Сальватора Мунди» Леонардо, ему пришлось заплатить депозит в размере $100 млн. Таким образом, Christie’s хотели быть уверенным, что покупатель сможет заплатить.

Франсуа Куриэль, председатель Christie’s по Европе и Азии, говорит, что количество неплательщиков в этом бизнесе «довольно незначительно». Тем не менее для дорогостоящих лотов аукцион делает специальные соглашения, которые могут включать требование о внесении депозита, как в случае с принцем.

Несмотря на это, случаи неуплаты за купленный лот, похоже, растут. За последнее время в Манхэттенском зале судебных заседаний судились за картину Рихтера стоимостью в $24 млн, которую китайский участник торгов Чжан Чан согласился купить в ноябре 2016 года в Phillips. Однако покупатель не заплатил, и аукционный дом подал на него в суд.

К счастью или к сожалению, подобные истории редко попадают в зал суда. Дилеры и аукционные дома не хотят предавать огласке случаи неплатежей, опасаясь распространения подобной практики.

«Покупатели меняют свое мнение, а затем говорят, например, что они не знали, что, например, налоги будут такими высокими. Учитывая все это, в большинстве случаев неуплата не стоит судебного разбирательства – затраты слишком велики».

Торговля предметами искусства остается частным бизнесом, где важны отношения. “Хроническая” неуплата может быть причиной заголовков и судебных дел, но, по словам одного лондонского дилера, абсолютный отказ платить за работы не так проблематичен, как долгое и мучительное урегулирование спора. Впрочем, сегодня аукционные дома предпринимают различные меры, чтобы предотвратить такие проблемы, требуя от участников торгов подписать соглашение или же внести депозит.

Источник

February 6, 2019
by Сергей
0
42

Описание картины «Зевс и Фетида»

«Зевс и Фетида» Энгра – «дипломная работа», подводившая итог стажировке в Риме, куда его направила парижская Академия изящных искусств. Он стремился сделать картину максимально благодатной и «богоугодной», поясняя, что «она должна за милю источать запах амброзии». Энгр отправил завершающую «посылку» (так называют его работы, отправленные из Рима в Париж в рамках стажировки) на Салон. Вердикт был безжалостен: лицо Зевса назвали недостаточно благородным, к телосложению Фетиды тоже упреков было достаточно.


В основу картины положен мифологический сюжет. Морская нимфа Фетида влекла и Зевса, и Посейдона. Но предсказание гласило, что рожденный ею сын превзойдет в силе своего отца. Боги решили воздержаться от возможной сыновней конкуренции и отдали Фетиду замуж за смертного Пелея. От этого брака родился Ахилл. Картина изображает Фетиду, пришедшую к Зевсу и умоляющую защитить ее сына в противостоянии с Агамемноном в Троянской войне. Фетида склонилась у колен верховного бога, обхватив их одной рукой, вторая вытянута вверх и касается его бороды. 


Трон Зевса висит в облаках, фигуры Зевса и Фетиды резко контрастируют. Фигура Зевса темная, мощная, словно слившаяся с троном, левой рукой он опирается на кучевые облака. Взгляд его устремлен вдаль, кажется, что он даже не слышит Фетиду. Ее же фигура вся состоит из плавных линий. Даже то, что ставили Энгру в упрек – неестественно вытянутая левая рука Фетиды, ее чересчур запрокинутая голова и кажущаяся слишком полной по этой причине шея – выполняет свою функцию. Рука – словно воплощение мольбы и потаенной нежности, а вся фигура в целом, в том числе странный изгиб шеи – воплощает безудержную устремленность, словно эта диагональ, в которой Фетида расположена по отношению к Зевсу, включила в себя все ее чаяния, всю ее жизнь. 


Справа от Зевса – орёл, один из атрибутов бога. Слева мы видим лежащую на облаке и наблюдающую за происходящим фигуру Геры, супруги Громовержца. Как известно, она была весьма ревнивой богиней… Но здесь ее взгляд спокоен – она знает, что Зевс не внемлет мольбам Фетиды. А вот интимная подробность, которую видим мы, от Геры скрыта. Соприкасающиеся пальцы ног Зевса и Фетиды вносят очень теплую, глубоко лирическую и эротическую ноту в настроение картины. 


Автор: Алена Эсаулова

November 13, 2018
by Сергей
0
62

Интересные факты о живописи

Канал про искусство, скульптуру и прочее из жизни музеев t.me/exponat

Живопись всегда была особым предметом искусства. Умелые руки художника тонко чувствуют мимолетные движения кисти, густоту и насыщенность красок. Каждый холст отличается от предыдущего. Он уникален, хранит в себе тайны его создателя и понять их может не каждый. Поэтому мы решили поделиться с вами некоторыми секретами и интересными фактами, которые принадлежат известным произведениям живописи.

«Постоянство памяти»



Только Сальвадор Дали мог придумать эту картину. Испанский живописец изобразил висящие часы, которые казалось потеряли всю свою твердость и плавно стекали с ветки, комода и лица спящего мужчины. Идея создания картины пришла Дали совершенно случайно. Он заметил, как плавится на солнце камамбер, и передал это состояние сыра на предметы в картине.


Многие критики пытались понять смысл, который Дали заключил в свою работу. Кто-то видел в ней теорию относительности Альберта Эйнштейна, полагая, что так художник передал закон физики о пространстве и времени в живопись. Сам же автор говорил, что для его шедевра лучше подходит теория Гераклита, которая утверждала о связи времени и течении мыслей.


«Тайная вечеря»



Из-под кисти Леонардо да Винчи появилось множество великолепных творений эпохи Возрождения. Все же «Тайная вечерня» выделяется среди них. Это не просто картина одного из итальянских художников. Она хранит в себе глубокий смысл и историю становления христианской религии.


Все внимание в картине сосредоточено на двух героях: Христа и Иуды. Для лика Иисуса прекрасно подошел юноша из церковного хора. Только образ подлого Иуды все никак не давался художнику. Все же спустя три года Леонардо да Винчи нашел идеального натурщика. Им стал какой-то пьяница, который валялся в сточной канаве. Погрязший в дешевой выпивке и постоянных визитах трактира, он в трезвом состоянии вспомнил, что когда-то давно позировал художнику. Получается, что на холсте Иисус и Иуда имели лицо одного и того же человека. Только, если сначала это был юный и чистый певчий из церкви, то второй – грязный и пропащий пьяница.


«Сон»



Когда-то работа Пабло Пикассо «Сон» продавалась по немыслимой цене в 139 миллионов долларов. В 2006 году Стив Винн, коллекционирующий предметы искусства, решил расстаться с одной из картин. Во время презентации мужчина так энергично жестикулировал, что задел работу локтем. Картина серьезно пострадала. Случившееся произвело на коллекционера такое сильной впечатление, что он нашел в этом скрытое послание свыше и решил оставить картину себе.


«Лодка»



Картина Анри Матисса произвела фурор на выставке в Музее современного искусства в Нью-Йорке. А еще больший интерес и даже скандал вокруг работы смогла вызвать халатность работников музея. Они выставили картину вверх ногами. Только спустя почти два месяца один из посетителей, хорошо разбирающийся в живописи, смог заметить грубую ошибку. Неужели никто из 115 тысяч человек, посетивших выставку и оставивших лестные комментарии, не увидели этого. Тем не менее новость быстро распространилась и попала на первые полосы газет города.


«Пир богов на Олимпе»




Самое загадочное творение нидерландского живописца Питера Рубенса было найдено в Чехии в 1960-х годах. Точная дата создания картины была неизвестна, пока учёные не обнаружили на холсте определенное расположение планет. Богом Юпитером был герцог Гонзага Мантуйский. Солнце, Амур, Венера и Посейдон являлись положением Юпитера, Венеры и Солнца. Венера приближается к созвездию Рыбы. Такое расположение планет было характерно в период зимнего солнцестояния 1602 года.


«Сикстинская мадонна»




Приглядитесь на работу Рафаэля. Созданная для алтаря церкви, она хранила в себе множество загадок, которые до сих пор ученые постоянно подвергают сомнению. У Сикста II на руке шесть пальцев, что очень символично, ведь имя папы переводится как «шестой». Только вот это только кажется. Если внимательно присмотреться, то это не шестой палец, а всего лишь продолжение ладони. Просто тени создали такое впечатление. Получается, еще одна загадка решена.


«Утро в сосновом лесу»



Многие обратили внимание на обертку известных с детства и таких вкусных шоколадных конфет. Маленькие медвежата играются в лесной чаще. Только вот эти милые животные были написаны вовсе не Иваном Шишкиным. Русский художник был великолепным пейзажистом, способным передать каждую веточку и травинку, но нарисовать людей и животных ему никак не удавалось. Тогда он обратился за помощью к художнику Константину Савицкому, который помог Шишкину дорисовать медвежат. Сама картина изначально принадлежала двум авторам. Все же об этом мало, кто знает. Ведь после покупки картины Павел Третьяков стер фамилию Савицкого, оставив только Шишкина.

August 5, 2018
by Сергей
0
132
Show more