Интересные факты о живописи

Канал про искусство, скульптуру и прочее из жизни музеев t.me/exponat

Живопись всегда была особым предметом искусства. Умелые руки художника тонко чувствуют мимолетные движения кисти, густоту и насыщенность красок. Каждый холст отличается от предыдущего. Он уникален, хранит в себе тайны его создателя и понять их может не каждый. Поэтому мы решили поделиться с вами некоторыми секретами и интересными фактами, которые принадлежат известным произведениям живописи.

«Постоянство памяти»



Только Сальвадор Дали мог придумать эту картину. Испанский живописец изобразил висящие часы, которые казалось потеряли всю свою твердость и плавно стекали с ветки, комода и лица спящего мужчины. Идея создания картины пришла Дали совершенно случайно. Он заметил, как плавится на солнце камамбер, и передал это состояние сыра на предметы в картине.


Многие критики пытались понять смысл, который Дали заключил в свою работу. Кто-то видел в ней теорию относительности Альберта Эйнштейна, полагая, что так художник передал закон физики о пространстве и времени в живопись. Сам же автор говорил, что для его шедевра лучше подходит теория Гераклита, которая утверждала о связи времени и течении мыслей.


«Тайная вечеря»



Из-под кисти Леонардо да Винчи появилось множество великолепных творений эпохи Возрождения. Все же «Тайная вечерня» выделяется среди них. Это не просто картина одного из итальянских художников. Она хранит в себе глубокий смысл и историю становления христианской религии.


Все внимание в картине сосредоточено на двух героях: Христа и Иуды. Для лика Иисуса прекрасно подошел юноша из церковного хора. Только образ подлого Иуды все никак не давался художнику. Все же спустя три года Леонардо да Винчи нашел идеального натурщика. Им стал какой-то пьяница, который валялся в сточной канаве. Погрязший в дешевой выпивке и постоянных визитах трактира, он в трезвом состоянии вспомнил, что когда-то давно позировал художнику. Получается, что на холсте Иисус и Иуда имели лицо одного и того же человека. Только, если сначала это был юный и чистый певчий из церкви, то второй – грязный и пропащий пьяница.


«Сон»



Когда-то работа Пабло Пикассо «Сон» продавалась по немыслимой цене в 139 миллионов долларов. В 2006 году Стив Винн, коллекционирующий предметы искусства, решил расстаться с одной из картин. Во время презентации мужчина так энергично жестикулировал, что задел работу локтем. Картина серьезно пострадала. Случившееся произвело на коллекционера такое сильной впечатление, что он нашел в этом скрытое послание свыше и решил оставить картину себе.


«Лодка»



Картина Анри Матисса произвела фурор на выставке в Музее современного искусства в Нью-Йорке. А еще больший интерес и даже скандал вокруг работы смогла вызвать халатность работников музея. Они выставили картину вверх ногами. Только спустя почти два месяца один из посетителей, хорошо разбирающийся в живописи, смог заметить грубую ошибку. Неужели никто из 115 тысяч человек, посетивших выставку и оставивших лестные комментарии, не увидели этого. Тем не менее новость быстро распространилась и попала на первые полосы газет города.


«Пир богов на Олимпе»




Самое загадочное творение нидерландского живописца Питера Рубенса было найдено в Чехии в 1960-х годах. Точная дата создания картины была неизвестна, пока учёные не обнаружили на холсте определенное расположение планет. Богом Юпитером был герцог Гонзага Мантуйский. Солнце, Амур, Венера и Посейдон являлись положением Юпитера, Венеры и Солнца. Венера приближается к созвездию Рыбы. Такое расположение планет было характерно в период зимнего солнцестояния 1602 года.


«Сикстинская мадонна»




Приглядитесь на работу Рафаэля. Созданная для алтаря церкви, она хранила в себе множество загадок, которые до сих пор ученые постоянно подвергают сомнению. У Сикста II на руке шесть пальцев, что очень символично, ведь имя папы переводится как «шестой». Только вот это только кажется. Если внимательно присмотреться, то это не шестой палец, а всего лишь продолжение ладони. Просто тени создали такое впечатление. Получается, еще одна загадка решена.


«Утро в сосновом лесу»



Многие обратили внимание на обертку известных с детства и таких вкусных шоколадных конфет. Маленькие медвежата играются в лесной чаще. Только вот эти милые животные были написаны вовсе не Иваном Шишкиным. Русский художник был великолепным пейзажистом, способным передать каждую веточку и травинку, но нарисовать людей и животных ему никак не удавалось. Тогда он обратился за помощью к художнику Константину Савицкому, который помог Шишкину дорисовать медвежат. Сама картина изначально принадлежала двум авторам. Все же об этом мало, кто знает. Ведь после покупки картины Павел Третьяков стер фамилию Савицкого, оставив только Шишкина.

August 5, 2018by Сергей
111
0

Бельгийцы записали шутливый видеоответ на цензуру картин Рубенса в Facebook


Автопортрет. Рубенс

Фламандский совет по туризму записал сатирический видеоролик в ответ на цензуру произведений Питера Пауля Рубенса в Facebook. Среди картин, которые были забанены в последнее время, оказалась «Снятие с креста», на которой изображен Иисус Христос в набедренной повязке. Эта работа использовалась в рекламе, привлекающей иностранных туристов в Бельгию.

Снятие с креста. Рубенс

В шутливом ролике, выложенном на YouTube, «инспекторы из социальных медиа» подходят к посетителям в музея у картин с «обнажёнкой», и спрашивают, есть ли у тех аккаунт в социальных сетях. Если "да", то «охранники» перенаправляют зрителей к другим — «пристойным» — полотнам или закрывают собой «проблемные» фрагменты. «Нам необходимо увести вас от наготы, даже если она художественная и природная», — поясняют они.

Политика Фейсбука запрещает размещение рекламы, содержащей сексуально ориентированный контент, включая художественные или образовательные ню (кроме статуй). Между тем Рубенс, чьи картины являются национальным достоянием Бельгии,знаменит как раз своими изображениями сладострастных женщин и обнажённых херувимчиков. 

Весёлый ролик, снятый в Доме-музее Рубенса в Антверпене, сопровождался открытым письмом, которое подписали представители большинства музеев Фландрии. В нём содержался призыв к основателю Facebook Марку Цукербергу пересмотреть правила. «Груди, ягодицы и херувимы у Питера Пауля Рубенса считаются неприличными. У вас,а не у нас… Даже если мы про себя должны посмеяться над этим, ваша культурная цензура усложняет нам жизнь», — говорится в послании.

Адам и Ева, Питер Пауль Рубенс, 1597, 182.5×140.7 см

Сейчас туристический совет проводит двухлетнюю программу, пропагандирующую поездки в страну. Основной упор сделан на работы старых фламандских мастеров — Рубенса, Питера Брейгеля Старшего и Яна ван Эйка. Исполнительный директор совета Питер де Вайльд посетовал, что политика Фейсбука делает невозможным продвижение«нашего уникального культурного наследия в самой популярной социальной сети в мире».

По информации газеты The Guardian, представители Фейсбук заявили, что принимают предложение туристического совета и готовы обсудить проблему. Они настаивают, что картины не будут запрещаться в обычных постах, бан распространяется лишь на рекламу. Скандалы с цензурой со стороны медиа-гиганта связаны с тем, что он изо всех сил пытается сохранить привлекательность среди молодых пользователей.

Питер Пауль Рубенс, «Три грации» (1635). Национальный музей Прадо, Мадрид
Питер Пауль Рубенс, «Союз Земли и Воды» (1618). Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Напомним, в Париже много лет продолжалась судебная тяжба по иску пользователя Фредерика Дюрана, который утверждал, что цензоры Facebook деактивировали его учётную запись за размещение картины «Происхождение мира» Гюстава Курбе. В ноябре 2016 года было приостановлено действие аккаунта итальянского арт-промоутера Амильтона Моура Фильо, который опубликовал на своей странице работу«Амур-Победитель» Микеланджело Меризи да Караваджо. А в сентябре 2017 года Департамент исправительных учреждений США проиграл иск, поданный после того, как не допустил на территорию тюрьмы тираж журнала с репродукцией «Адама и Евы» Рубенса на обложке. Хотя гениталии библейской пары прикрыты фиговыми листьями,надзиратели посчитали неприемлемыми обнажённые груди Евы.

Амур-Победитель, Микеланджело Меризи де Караваджо, 1602, 156×113 см

По материалам The Guardian и artnet News.

July 27, 2018by Сергей
174
0

10 известных картин, сюжеты и символы которых сегодня толкуют привратно

1. Счастливые возможности качелей

Картина «Счастливые возможности качелей», худ. Жан Оноре Фрагонар.

Эта знаменитая картина эпохи рококо даже была показана в «Холодном сердце» Диснея. Тем не менее, Фрагонар явно вкладывал в свою работу более глубокий смысл, чем Дисней. На картине изображена молодая женщина, которую раскачивает на качелях в романтическом саду пожилой мужчина. Этот мужчина явно не подозревает о присутствии молодого любовника девушки, который наблюдает за ними из кустов. 

Мало того, что молодой человек смотрит прямо под платье женщины, так еще все действо происходит на фоне розовых кустов, которые в искусстве эпохи рококо были классическим символом женской сексуальности. Кроме того, молодой любовник засунул свою шляпу в кусты. Это может показаться странным, но в то время мужская шляпа часто использовалась, чтобы скрыть эрекцию. Таким образом, шляпа в кустах - довольно вопиющий каламбур. 

Еще одна подсказка - женская туфелька, которая была сброшена с ноги во время раскачивания. Уже в течение многих веков голые ноги или лодыжки ассоциируются с сексуальными желаниями. Хотя «Качели» - бесспорно красивый образ, стоит узнать его историю перед тем, как начать показывать его в детских мультфильмах.

2. Завтрак на траве

Картина «Завтрак на траве», худ. Эдуард Мане.

Женская нагота довольно часто встречалась в классическом искусстве. Но даже в то время, когда рискованные художники осмеливались рисовать женщин во всей их обнаженной красе, работа Мане выделялась среди остальных. На этом шедевре импрессионизма изображен пикник двух полностью одетых мужчин с обнаженной женщиной, смотрящей на зрителя (а на заднем плане есть еще одна полностью одетая женщина). Изображение было уникальным в этом отношении, поскольку вплоть до того момента обнаженными, как правило, изображали богинь, таких как Венера или Афродита. 

Мане же нарисовал обычную женщину легкого поведения, и он стремился изображать женщин не как бессмертных небожителей, а как вполне смертных и материальных существ. Но картину ассоциировали с проблемой необузданной проституции, с которой Франция столкнулась в то время. Когда полотно было представлено жюри Парижского салона 1863 года, оно было встречено насмешками и критикой. Картину Мане отвергли, поскольку ее смысл был полностью неверно истолкован.

3. Олимпия

Картина «Олимпия», худ. Эдуард Мане.

Очень похожая на «Обед на траве», «Олимпия» Мане также изображает обнаженную проститутку, и поэтому она немедленно столкнулась с критикой и отвращением со стороны арт-сообщества. Женщина на полотне смотрит прямо на зрителя самым «бесстыдным и сексуальным образом». Критики предпочли полностью игнорировать настоящие темы, которые хотел передать Мане, рисуя реалистичные парижские сцены. 

Фактически, они были настолько поглощены игнорированием намерений Мане, что почти не замечали на картине присутствия темнокожей служанки, которая, как считается в наше время, создает контраст света и темноты. Но Мане просто не мог убедить современное ему общество в своих истинных намерениях.

4. Постоянство памяти

Картина «Постоянство памяти», худ. Сальвадор Дали.

«Постоянство памяти», которую чаще называют «Тающие часы», - это сюрреалистическая картина, являющаяся самым узнаваемым полотном Дали. Ее популярность настолько велика, что эту картину показывали даже в «Симпсонах», а в последнее время ряд компаний даже начали продавать часы, дизайн которых был вдохновлен этой картиной. Но, несмотря на ее популярность, смысл работы Сальвадора Дали неверно истолковывают многие искусствоведы еще с момента ее презентации в 1932 году. 

Многие считали, что мягкие, стекающие со стола карманные часы представляют собой представление о текучести и податливости концепции времени и пространства. Эта интерпретация привела к убеждению, что Дали хотел передать эйнштейновскую теорию относительности. Однако, когда его спросили, почему он решил нарисовать свои знаменитые часы, художник ответил, что он был вдохновлен изображением сыра камамбера, плавящегося на солнце.

5. Похищение дочерей Левкиппа

Картина «Похищение дочерей Левкиппа», худ. Питер Пауль Рубенс.

Следующая картина примечательна тем, что ее неверно трактовали дважды. Сначала художник Томаш Кучеровский опубликовал комикс под названием «Не тот век» на своем веб-сайте. В комиксе была изображена тучная женщина, любующаяся картиной Рубенса, беззаботной наготой и красотой двух женщин, изображенных на ней. Название, очевидно, относится к глубокому желанию этой женщины жить во времена, когда ценились более «крупные» женщины, такие как она. 

Однако после появления на таких сайтах, как Twitter и Tumblr, комикс быстро удалили из-за шквала критики. Картина Рубенса, как следует из названия, безусловно, не является восхвалением крупных форм, как это показалось Кучеровскому. Фактически, на картине изображены Феба и Гилаира, дочери греческого царя Левкиппа, которые были похищены Кастором и Поллуксом, желающими взять их в жены. 

Второе заблуждение относительно картины более глобальное. По понятным причинам на Западе считают, что картина называется «Изнасилование дочерей Левкиппа» (на английском она называется The Rape Of The Daughters Of Leucippus, а слово «rape» обозначает как изнасилование, так и похищение). На самом деле, нужно рассматривать латинское происхождение этого слова - «rapere» означало именно похищение.

6. Ночная терраса кафе

Картина «Ночная терраса кафе», худ. Винсент Ван Гог.

Это скорее теория, но у нее есть довольно убедительные аргументы. «Ночная терраса кафе» - одна из самых известных картин Ван Гога, и по всему миру есть миллионы ее репродукций. Тем не менее, предполагается, что полотно на самом деле является некой визуальной интерпретацией «Тайной вечери» Да Винчи. Ван Гог, сын пастора, был глубоко религиозным человеком, поэтому логично будет предположить, что он передавал в своем искусстве некоторые религиозные образы. 

На картине изображен простой вид на уличное кафе, в котором сидят 12 человек, а еще выходит в дверь (от него видна только темная тень). Человек, который стоит в центре, одет в белый цвет, а остальные одеты в красный или черный цвета. Считается, что белая фигура символизирует Иисуса, а темная - Иуду. Теория была поддержана различными учеными, но правдивость ее подвергается сомнению.

7. Портрет Тео Ван Гога

Картина «Портрет Тео Ван Гога», худ. Винсент Ван Гог.

«Портрет Тео Ван Гога» - маленькая картина, изображающая бедно одетого мужчину, которая на протяжении многих лет считалась автопортретом самого Винсента ван Гога. Однако спустя 120 лет после написания картины искусствоведы во всем мире были потрясены открытием, когда оказалось, что картина не является автопортретом, а на ней нарисован брат художника Тео, который был очень похож на Винсента. Это показывает, что иногда даже профессиональные историки могут ошибаться.

8. Полуночники

Картина «Полуночники», худ. Эдвард Хоппер.

На самой известной работе Хоппера, «Полуночниках» изображены несколько одиноких фигур, сидящих в закусочной ночью. Улица возле закусочной пустынна, и от картины буквально исходит сильное чувство одиночества. Еще более усиливает это чувство изоляции, лишения свободы и беспомощности отсутствие видимого выхода из здания. Критики предполагали, что художник хотел передать чувство одиночества в большом городе. Однако, когда репортеры спросили Хоппера о том, что он подразумевал, когда писал картину, тот ответил: «Вы что, издеваетесь? Я просто нарисовал закусочную ночью».

9. Природа ковки ребенка

Иллюстрация «Природа ковки ребенка» к «Роману о розе» Гильома де Лорриса.

Об этой картине, которая была иллюстрацией к поэме XIII века Гильома де Лорриса и Жана де Мена, известно мало что. Это привело к тому, что изображение часто демонстрируется вне контекста. На картине ясно показана женщина, бьющая ребенка молотком, а в стороне лежат несколько серых, явно мертвых младенцев. Однако, как видно из названия, женщина не является убийцей ребенка. Она на самом деле является аллегорическим изображением Матери-Природы, которая «кует» своих детей.

10. Черный ирис

Картина «Черный ирис», худ. Джорджия О'Кифф.

О'Кифф, вероятно, является самым неверно истолкованным художником в этом списке, исключительно из-за реакции общественности на ее большие картины с цветами. «Черный ирис», как и все другие цветы, нарисованные О'Кифф, считались представлением женских гениталий. 

Это не надуманное предположение, поскольку в истории искусства ассоциации женщин с цветами встречаются часто, но О'Кифф решительно опровергла все утверждения о том, что ее произведение было каким-то образом предназначено для передачи сексуальности. Она даже пыталась развеять слухи, увеличивая уровень детализации в своей работе, но это только добавило споров. 

July 25, 2018by Сергей
92
0

Энциклопедия советского быта, проиллюстрированная живописцами


Жилье

Юрий Иванович Пименов (1903–1977). Утро в городе. Из серии «Новые кварталы», 1964. Институт русского реалистического искусства.


В советское время Москва прошла через самую масштабную перестройку за всю историю своего существования. Открытие метро в 1935 году, строительство новых высотных доминант — сталинских небоскребов, заменивших снесенные колокольни и церкви, появление новых магистралей — все это навсегда изменило облик столицы. Однако эти перемены простых москвичей практически не касались. В 1920-е — 1930-е годы советские архитекторы предпринимали попытки изобрести новые формы жилья — дома-коммуны, дома-фаланстеры и жилые комбинаты. Эта вспышка экспериментов оставила такие яркие памятники авангарда, как, например, дом Наркомфина и Хавско-Шаболовский жилмассив, но ни одна из предложенных концепций так и не стала массовой — несмотря на масштабное строительство роскошных и, главное, советских достопримечательностей, Москва продолжала ютиться в коммуналках.

Желанные перемены принесла оттепель. В 1955 году Никита Сергеевич Хрущев выпустил постановление «Об устранении излишеств в проектировании и строительстве», которое завершило эпоху так называемого сталинского ампира. В результате некоторые из запланированных построек остались незавершенными (например, гостиница «Ленинградская», лишившаяся части своей богатой декорации) или же вовсе изменили свой внешний вид и предназначение. Так Москва осталась без восьмой высотки — на ее фундаменте построена ныне снесенная гостиница «Россия». Но поселиться там можно было, только если очень повезет. В конце 1970-х можно было снять номер в футуристической гостинице «Космос», построенной совместно с французскими архитекторами.

 Юрий Иванович Пименов (1903–1977) 

Ожидание. Натюрморт «Телефон на столе», 1959. Государственная Третьяковская галерея

 

Тем не менее борьба «с излишествами» подарила городу массовое социальное жилье — а именно знаменитые хрущевки. Своим примером эти дома утвердили знаменитую истину «нет ничего более постоянного, чем временное» — рассчитанные на 50-летнюю эксплуатацию, хрущевки до сих пор составляют львиную долю жилого фонда страны площадью 11,15 миллиона квадратных метров. Эти дома были основаны на базе технологии панельного строительства, изобретенной французским инженером Раймоном Камю. К слову, первые попытки создать дом из панельных блоков воплотились в построенных в конце 1940-х сталинках, украшающих сейчас Тверскую улицу, но массовая серия возникла несколько позже. Хрущевка К-7, созданная архитектором Виталием Лагутенко (да-да, дед фронтмена группы «Мумий Тролль» Ильи Лагутенко), стала основным домом активно застраивающихся Черемушек — бывшей деревни, превратившейся в новый район Москвы.

Несмотря на неказистый внешний вид, проблемы с теплоизоляцией, отсутствие лифта и в некоторых сериях мусоропровода, спроектированные Лагутенко дома стали настоящим спасением для советских граждан. В частности, во всех квартирах есть полноценные ванные комнаты, что было в новинку — например, в экспериментальном квартале на Тракторной улице (1925–1927) архитектора Александра Гегелло ванных комнат не было вовсе (архитектор объяснял это тем, что «тогда наша промышленность их не выпускала»), а в доме Наркомфина был ряд квартир-ячеек, не оснащенных душем и туалетом. К тому же вместе со своей квартирой, пусть и очень тесной (остались чертежи, вплоть до миллиметра регламентирующие перемещения хозяина по кухне), советский человек впервые получил право на личное пространство. Так и ситуация с многозначительно брошенной трубкой телефона в «Ожидании» Юрия Пименова явно не смогла бы разыграться в бесконечном коридоре коммуналки.

 

Развлечения

 Алексей Михайлович Грицай (1914–1998) 

Веранда, 1950-е. Институт русского реалистического искусства

 

Если советскому гражданину хотелось быть в курсе всех новостей, ему следовало идти к памятнику Владимиру Маяковскому. Там объявляли, когда состоятся следующие чтения в Политехническом музее. В большой аудитории свои стихи читали поэты Евгений Евтушенко и Белла Ахмадуллина, а после можно было заскочить на какой-нибудь квартирник.

Другой вариант — поехать за город. Самой доступной формой «ретрита» в Советском Союзе были поездки на базы отдыха. Те, кому повезло больше, выбирались на собственную дачу. Конечно же, они были не у всех — обычно дачные участки выдавались от места работы в качестве особого бонуса. Художникам же, как привилегированному классу, повезло больше простых граждан. Они создавали целые дачные колонии в районе Академической дачи под Вышним Волочком и городов Тарусы, Плеса, Переделкино и, конечно, Абрамцево, где творили Василий Поленов, Валентин Серов, Константин Коровин, Исаак Левитан, Михаил Врубель.

 

 Михаил Юрьевич Кугач (родился в 1939-м)

Храм в селе Озеряево, 2006. Институт русского реалистического искусства


Это увлечение — дань наследию дворянских усадеб. Неудивительно, что атмосфера дач особенно привлекала интеллигенцию. Огромное количество работ было создано как раз во время долгих вечеров под оранжевым абажуром, нависающим над накрытым на дощатой террасе столом. Среди них — «Веранда» (1950-е) Алексея Грицая, которую он написал на даче у своего друга, художника Андрея Тутунова. Среди живописцев также были популярны поездки на так называемые академические дачи, которые были чем-то вроде специализированных домов отдыха. Художник Михаил Кугач всерьез называет своей родиной знаменитую Академическую дачу под Вышним Волочком, в окрестностях которой он написал «Храм в селе Озеряево» (2006).

 

Покупки

 Юрий Иванович Пименов (1903–1977) 

Рисунок к картине «Обыкновенное утро», 1957 

Институт русского реалистического искусства


Советская мода только на первый взгляд кажется не самым интересным источником вдохновения, однако в ней можно найти немало интересных образов. Даже в 1920-е, когда в стране был рекордный дефицит ткани, пытались придумывать новые наряды — например, сохранилась схема Веры Мухиной, по которой можно сшить кафтан из двух кухонных полотенец с вышивкой. Во время войны в 1944 году открывается Московский общесоюзный дом моделей, а в 1945 году заработал Ленинградский дом моделей. Также сороковые запомнились удивительным явлением — трофейной модой. Солдаты, освободившие Европу, несли домой все подряд, включая одежду. Для советского человека многие вещи были в новинку — некоторые женщины иногда путали платье с ночной рубашкой и появлялись в комбинациях на торжествах.

Огромное влияние на моду оказал прошедший в 1957 году Фестиваль молодежи: советские девушки и молодые люди подчерпнули для себя много нового. В период оттепели в советскую моду буквально на несколько лет пришел парижский нью-лук. В июне 1959 года парижский дом моды Christian Dior, которым на тот момент руководил молодой кутюрье Ив Сен-Лоран, привез свои модели в Москву. За свое пятидневное пребывание в столице французские манекенщицы показали около сотни моделей Dior — неудивительно, что вскоре «нью-лук» восторжествовал и в советской моде. Например, на картине Пименова в толпе на заднем плане как раз можно заметить платья в этом стиле — обратите внимание на вечно актуальный цветочный принт. Впрочем, и нормкор-образ главной героини полотна еще никто не отменял.

 

Еда и напитки

 Виктор Маркович Мидлер (1888–1979) 

Зимний пейзаж с натюрмортом, 1933. Государственная Третьяковская галерея

 

О натюрморте с картины Виктора Мидлера «Зимний пейзаж с натюрмортом» советский человек мог только мечтать. Дефицит появлялся волнообразно — например, сразу после отмены продовольственных карточек в 1935 году в Москве появились специализированные магазины «Хлеб», «Молоко», «Рыба» и другие, стало развиваться производство мороженого. Потом началась война, вернувшая ситуацию в начало 1930-х. Стабильным царством роскоши всегда оставался Гастроном № 1 — бывший Елисеевский универмаг. Правда, товары в нем, как и везде, были доступны лишь партийной номенклатуре. Не говоря уже о ресторанах, которые для большинства был вне зоны досягаемости.

Популярными форматами общепита в СССР были столовые, чебуречные, пивные. В 1980-е годы стали появляться первые кооперативные шашлычные, которые выглядели следующим образом: выставленный на улице мангал окружали пластиковые столики, как правило, стоячие. Такие шашлычные существовали ровно один день. Вечером за мебелью и мангалом приезжал грузовик, а следующим утром шашлычная начинала работать на новом месте. Эти ларьки встречались на московских улицах вплоть до середины 2000-х годов.

Что же касается напитков, то водка продолжала занимать лидирующие позиции, хотя в СССР была и коктейльная культура, хоть и не очень развитая. В баре «Коктейль-холл» на Тверской заказывали фирменный напиток «Маяк», в который входят ликер, желток и коньяк. А вот коктейль «Московский мул» не имеет к никакого отношения к столице — его рецепт был создан в США и включал экспортировавшуюся водку «Смирнов».

July 23, 2018by Сергей
54
0

Легенда иллюстрации Норман Роквелл

С самого начала было понятно, что Норман пойдёт по творческой стезе. В 14 лет он поступил в нью-йоркскую школу искусств, спустя два года перешёл в Национальную академию дизайна, а затем стал участником творческого объединения Art Students League. Уже в столь юном возрасте художник успешно работал, принимая заказы на иллюстрации, открытки и другую оформительскую деятельность. Достаточно быстро Роквелл начал карьеру свободного художника, а в 21 год открыл собственную мастерскую.

Уже при жизни Норман Роквелл добился невероятной известности. Он был одним из самых успешных художников-иллюстраторов современности. Некоторое время Роквелл сотрудничал с Дэвидом Крэковым.

Интересно, что его картина «Застольная молитва» (Saying Grace) была продана на аукционе Sotheby's за 46 миллионов долларов 4 декабря 2013 в Нью-Йорке и стала самым дорогим произведением американского реалистического искусства, когда-либо проданным на торгах. © Artifex.ru

July 10, 2018by Сергей
153
0
Show more